Das Interesse an der Antike nahm in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts nicht nur in Frankreich, sondern auch in England und Deutschland zu.

In England erschien 1768 Robert Woods Aufsatz „An Experience on the Original Genius and Creations of Homer“, über den Goethe eine begeisterte Rezension hinterließ: „In diesen Bildern sahen wir keine angestrengten und pompösen Heldengeschichten mehr, sondern eine wahre Spiegelung der antiken Realität und versuchte, ihr so ​​nahe wie möglich zu kommen.

Die Künstler Cleron und Lequin, Schüler von Voltaire, die in den Stücken von Corneille und Racine spielten, warfen die traditionellen Kostüme der Zeit ab Ludwig XIV, Perücken und Krinolinen und griechische und römische Kostüme an. Der berühmte Schauspieler Talma folgte diesem Beispiel.

Komponist Panne, dessen Name sich damals in die ganze Welt verbreitete, ein brillanter Musiker und Erneuerer auf dem Gebiet der Oper, weckte mit seinen in Paris uraufgeführten Opern Orpheus, Alceste, Iphigenie auf Tauris ein noch größeres Interesse an der echten heroischen Antike. Glucks heroische Musik klang damals revolutionär. Im Juni 1800 schrieb eine deutsche Zeitung (Animerete tissioisspe 2eUin^) zu Recht: „Glücks Opern weckten die Pariser nicht nur aus den gemütlichen Vollkommenheiten von Lully und Rameau, sondern erweckten in ihnen auch, dass m.k. Schwärmen und jene starken Gefühle, die nötig waren, um ein beeindruckendes Drama zu inszenieren - Revolution.

In Deutschland revolutionierte Winckelmann mit seinem berühmten Werk „Die Kunstgeschichte der Antike“ die Sicht auf die Antike. Die Originalität der griechischen Kunst, ihre Nationalität, ihre tiefe Verbundenheit mit dem Leben der Menschen wurden zuerst von einem herausragenden Denker offenbart. Winckelmanns Werk in den 60er Jahren. XVIII Jahrhundert wurde ins Französische übersetzt.

Aufklärer interessierten sich für die Antike und suchten darin nach Bildern und Gemälden, die ihnen ideell entsprachen. Diderot studiert Lucretius, den materialistischen Dichter der Antike. Rousseau lässt sich von Helden inspirieren. Plutarch und die Schriften des römischen Historikers Tacitus, der die Verdorbenheit der römischen Aristokratie geißelte. Montesquieu schreibt ein Geschichtsbild „Betrachtungen über die Ursachen der Größe und des Untergangs der Römer“, in denen er die tapferen Republikaner Roms verherrlicht.

1757 veröffentlichte der berühmte französische Archäologe Graf Keilus das Buch „Gemälde von Homer und Virgil“, in dem er zeitgenössische Künstler aufforderte, nach Verschwörungen in der heroischen Antike zu suchen. Unter Verwendung der Materialien der Bücher von Keilus ("Sammlung ägyptischer, etruskischer, griechischer, römischer und gallischer Altertümer" in sieben Bänden, veröffentlicht von 1752 bis 1767) veröffentlichte Jean-Jacques Barthélemy am Vorabend der Revolution (1788) seine berühmten Roman "Die Reise eines jungen Anacharsis in Griechenland", in dem er das politische System des republikanischen Athen, die bürgerliche Freiheit und den bürgerlichen Heldenmut der alten Griechen verherrlicht. All dies bereitete die Faszination für die Heldenbilder der Antike vor, die in den Jahren der Französischen Revolution zu beobachten war.

Der Künstler David vollendete 1784 sein bestes Gemälde, Der Eid der Horatier. Drei patriotische Brüder, die gekämpft haben Heimatstadt, für die Freiheit, gesungen in der Antike und in der Neuzeit - in der berühmten Tragödie von Corneille - wurden nun auf der Leinwand des Künstlers festgehalten und symbolisierten das revolutionäre Pathos, das das französische Volk am Vorabend des Sturms auf die Bastille inspirierte. 1789 malte David das Gemälde „Brutus“.

Im November 1790 wurde die Inszenierung von Voltaires Tragödie Brutus in Paris wieder aufgenommen. Sie erregte die herzliche Sympathie des revolutionären Publikums. Der Patriotismus, die Zivilcourage und die Hingabe von Brutus an die Ideen der Freiheit begeisterten das Publikum zutiefst. In den Pausen entstanden spontan Kundgebungen mit leidenschaftlichen leidenschaftlichen Reden von revolutionären Rednern. Aristokraten, die sich im Saal befanden und ihre Unzufriedenheit zum Ausdruck brachten, wurden des Theaters verwiesen.

Moderne Ideen, gekleidet in alte Heldenbilder, erlangten eine besondere Schönheit und Erhabenheit. Die Aufklärer selbst, die die Revolution vorbereiteten, aber nicht mehr erlebten, sind jetzt, in den Tagen des Krieges, in den Augen der aufständischen Franzosen zur Höhe des alten Ideals aufgestiegen. In dem Stück eines unbekannten Autors, Der Schatten von Mirabeau, das nach dem Tod des berühmten Redners (4. April 1791) inszeniert wurde, wird Voltaire gezeigt, wie er auf den Champs Elysees dem Schatten von Mirabeau begegnet. Der Philosoph setzt Mirabeau eine Bürgerkrone auf den Kopf. Auch Rousseau, der Redner, und neben ihm Brutus sind hier willkommen.

Die Leidenschaft für die heroische Antike spiegelte sich im Werk von Andre Chenier (1762-1784) wider. Der Dichter wurde hingerichtet, bevor er Zeit hatte, seine Gedichte zu veröffentlichen. Sie erblickten das Licht erst 1819. Die Elegien, Eklogen und Jamben von Andre Chenier schienen die ferne Antike wiederzubeleben, aber sie lebten weiter moderne Ideen. Der französische Dichter wurde von Puschkin sehr geschätzt. „Niemand respektiert mich mehr, liebt diesen Dichter“, schrieb er.

André Cheniers Bruder, Marie Joseph, eine Dichterin und Dramatikerin aus der Zeit der Revolution, wählt ebenfalls antike Themen für das Theater und verherrlicht die republikanischen Fähigkeiten der Alten. Das ist seine Tragödie Caius Gracchus. In den Stücken „Karl IX“, „Heinrich VIII“ bringt er die verheirateten Mörder der neuen Zeit auf die Bühne und weckt beim Zuschauer Hass auf den Absolutismus. Das von der Comedie Francaise inszenierte Theaterstück „Karl IX.“ wurde von der Regierung Ludwigs XVI. verboten, was jedoch eine solche Empörung im Volk hervorrief, dass der König gezwungen war, seine Entscheidung rückgängig zu machen. Marie Joseph Chenier schrieb das Theaterstück "Calas", das die jüngste Zeit wiedergibt.

Die Führer der Revolution förderten weithin die Namen und das Werk der Aufklärer, insbesondere Voltaire und Rousseau. Am 30. Mai 1791, dem Tag von Voltaires Todestag, wurde die Asche des Philosophen feierlich in das Pantheon überführt, und die Begeisterung der Bevölkerung, die dieses Ereignis hervorrief, machte die Feier selbst zu einem Akt der Revolution. Der Künstler David entwarf die Prozession, die Dichterin Marie Joseph Chenier schrieb eine Hymne zu Ehren Voltaires, der Komponist Gossec schuf die Musik.

Marie Joseph Chenier schrieb auch die Ode „Das Lied vom 14. Juli“, in der er im Geiste der Aufklärer ausrief: „Lasst die Fesseln brechen! Möge die Erde in Frieden sein! Möge der Geist der Gesetze einen neuen Staat schaffen, der so ewig ist wie die Strahlen der Sonne! Möge das Langzeitverbrechen jahrhundertelanger Täuschung gesühnt werden! Der Himmel hat die Menschheit für die Freiheit geschaffen." Komponist Gossec vertonte die Gedichte des Dichters.

Nach dem Jakobinerputsch 1793 erlangte der Name Jean-Jacques Rousseau, der radikalste der französischen Aufklärer, besondere Popularität. Am Fest vom 10. August 1793 hält Herault de Sechelles eine Rede im Geiste von Rousseaus Ideen:

„Ach Natur! Nimm den Ausdruck der ewigen Hingabe der Franzosen an deine Gesetze ... Nach so vielen Jahrhunderten des Irrtums und der Sklaverei war es notwendig, zu deiner, oh Natur, ursprünglichen Einfachheit zurückzukehren, um wieder Freiheit und Gleichheit zu finden.

Marie-Joseph Chenier fördert die Ideen von Rousseau und kreiert zusammen mit den Komponisten Gossec und Mugel feierliche Hymnen voller revolutionärer Begeisterung: „Hymn to Nature“, „Hymn to Equality“ und „Hymn to Freedom“. „Liebe Freiheit! Liebe Freiheit, Natur, Vaterland!“ - solche Ausrufe erklangen in der "Hymne der Gleichheit". Diese Hymnen wurden an den Feiertagen vom Chor oder von allen auf dem Platz versammelten Menschen gesungen. In den Jahren der Revolution wurde im Theater das Stück in Versform „Die Apotheose des Jean-Jacques Rousseau“ aufgeführt. Als Anspielung auf die ständige Depression des Philosophen, auf seine düstere Stimmung in letzten Jahren Couplets klangen in dem Stück, dass Rousseau, "der Vorarbeiter der echten Sansculotten", fröhlich sei, "da wir keine Despoten haben".

Die Antike (aus dem Lateinischen bedeutet dieses Wort "Antike" - Antiquus) ist die Ära zweier großer Zivilisationen - des antiken Griechenlands und Roms.

Periodisierung der Antike

Um die Frage zu beantworten, was eine antike Gesellschaft ist, müssen Sie wissen, in welcher Epoche sie existierte und in welche Perioden diese Zeit unterteilt war.

Die folgende Periodisierung ist allgemein akzeptiert:

1. Frühe Antike - die Zeit der Geburt der griechischen Staaten.

2. Klassische Antike - die Periode der Einheit der römischen und griechischen Zivilisation.

3. Spätantike - die Zeit des Zusammenbruchs des Römischen Reiches.

In Anbetracht der antiken Gesellschaft muss man berücksichtigen, dass es hier unmöglich ist, den genauen Zeitrahmen festzulegen. Die griechische Zivilisation erschien vor der römischen, und die östliche existierte noch einige Zeit nach dem Untergang der westlichen. Es wird angenommen, dass die Ära der Antike die Zeit ab dem VIII. Jahrhundert ist. BC e. nach dem VI Jahrhundert. n. h. vor Beginn des Mittelalters.

Die Entstehung der ersten Staaten

Auf der Balkanhalbinsel gab es in der Antike mehrere erfolglose Versuche, Staaten zu gründen. Es war eine Zeit der Vorgeschichte

2700-1400 BC e. - die Zeit der minoischen Zivilisation. Es existierte auf Kreta und hatte ein hohes Entwicklungs- und Kulturniveau. Wurde zerstört Naturkatastrophe(Vulkanausbruch, der zu einem starken Tsunami führte) und den achäischen Griechen, die die Insel eroberten.

Um das 16. Jahrhundert v. Die mykenische Zivilisation entstand in Griechenland. Sie stirbt 1200-1100 v. e. nachdem die Dorer eingefallen waren. Diese Zeit wird auch als „griechisches Mittelalter“ bezeichnet.

Nach dem Verschwinden der Überreste der mykenischen Kultur beginnt die erste Periode der Antike. Zeitlich fällt es mit dem Ende und der Bildung der frühen Klassengesellschaft zusammen.

Der antike griechische Staat war die primäre Zivilisation. Es hat seinen Ursprung im primitiven System, und davor gab es keine Erfahrung mit Staatlichkeit. Daher erlebte die antike Gesellschaft einen starken Einfluss der Primitivität. Dies manifestierte sich zunächst in der religiösen Weltanschauung. Der Mensch in dieser Zeit galt als Hauptmerkmal Antike - eine aktive Position in Bezug auf die Welt.

Leben in der antiken Gesellschaft: Struktur und Klassen

Die ersten griechischen Staaten entwickelten sich sehr aktiv. Dies wurde durch den Kampf zwischen Bauern und Adel erleichtert, als letztere versuchten, erstere in Schuldsklaverei umzuwandeln. In vielen anderen alten Zivilisationen wurde dies getan, aber nicht in der griechischen. Hier gelang es dem Demos nicht nur, seine Freiheit zu verteidigen, sondern errang auch einige politische Rechte. Das bedeutet natürlich nicht, dass die Gesellschaft in der Antike keine Sklaverei kannte. Sowohl das antike Griechenland als auch das spätere Rom waren

Was ist eine antike Gesellschaft und wie ist ihre Struktur? Hauptsächlich öffentliche Bildung Die antike Welt war eine Polis oder ein Stadtstaat. Deshalb hat sich hier eine Gesellschaft entwickelt, die völlig anders ist als in anderen Ländern. Die Gemeinschaft war ihr Kern. Jeder nahm seine Position darin ein. Es wurde durch das Vorhandensein des Personenstands bestimmt. Die gesamte Bevölkerung wurde in drei Kategorien eingeteilt: vollwertige Bürger, unvollständige und entrechtete. Der Zivilstand ist die wichtigste Errungenschaft der antiken Gesellschaft. Lebte in anderen Ländern die Bevölkerung innerhalb der strengen Grenzen der Stände, so war es in Griechenland und Rom wichtiger, den Status eines Bürgers zu haben. Er ließ den Demos gleichberechtigt mit dem Adel an der Verwaltung der Politik teilnehmen.

Die römische Gesellschaft war etwas anders als die griechische und hatte die folgende Struktur:

2. Freie Bauern und Handwerker. Spalten wurden in dieselbe Kategorie der Grundgesamtheit aufgenommen.

3. Kaufleute.

4. Militär.

5. Sklavenhalter. Hier war in erster Linie das Senatsgut.

Wissenschaft und Kultur der antiken Gesellschaft

Die ersten wissenschaftlichen Erkenntnisse wurden in der Antike in den Staaten des Ostens gewonnen. Diese Periode wird als vorwissenschaftlich bezeichnet. In der Zukunft wurden diese Lehren im antiken Griechenland entwickelt.

Die Wissenschaft der antiken Gesellschaft ist die Erscheinung der ersten Wissenschaftliche Theorien, Grundbegriffe, Abhandlungen und Gemeinschaften. Zu dieser Zeit die Bildung und Entstehung vieler moderner Wissenschaften.

Die Altertumswissenschaft hat in ihrer Entwicklung einen weiten Weg zurückgelegt:

1. Frühes Stadium - VII-IV Jahrhunderte. BC. Dies ist die Zeit der Naturwissenschaft und Philosophie. Die ersten Wissenschaftler-Philosophen interessierten sich hauptsächlich für die Probleme der Natur sowie für die Suche nach dem Grundprinzip aller Lebewesen.

2. Hellenisches Stadium - es ist gekennzeichnet durch die Aufteilung einer einzelnen Wissenschaft in getrennte Bereiche: Logik, Mathematik, Physik, Medizin. Diese Zeit gilt als die höchste Blüte der antiken Wissenschaft. Euklid, Aristoteles, Archimedes, Demokrit schaffen ihre großen Werke.

3. Die römische Phase - die Zeit des Niedergangs der antiken Wissenschaft. Zu den wichtigsten Errungenschaften dieser Zeit gehört die Astronomie des Ptolemäus.

Der Haupterfolg der Wissenschaft der Antike liegt in der Bildung getrennter Richtungen, der Schaffung der ersten Terminologie und Erkenntnismethoden.

Die Philosophie der antiken Gesellschaft und ihre berühmten Vertreter

Es entstand im 7.-5. Jahrhundert. BC e. in Griechenland und gliedert sich in folgende Etappen:

1. Naturphilosophie oder frühe Klassiker. Philosophen dieser Zeit interessierten sich vor allem für Fragen der Kosmologie. Herausragende Vertreter: Thales, Pythagoras, Demokrit.

2. Die Klassik ist die Blütezeit der Zeit, in der ihre prominentesten Vertreter lebten: Sokrates, Plato, Euklid, Aristoteles. Hier wurden erstmals naturphilosophische Fragen durch ein Interesse am Problem von Gut und Böse, der Ethik, ersetzt.

3. Philosophie des Hellenismus - zu dieser Zeit beginnt die aktive Entwicklung des philosophischen Denkens unter dem Einfluss antiker griechischer Wissenschaftler. Die bekanntesten Vertreter: Seneca, Lucretius, Cicero, Plutarch. Es gibt viele Richtungen des Epikureismus, des Neuplatonismus und des Stoizismus.

Der Einfluss der Antike auf die moderne Kultur

Das antike Griechenland und Rom werden poetisch als Wiege der modernen Zivilisation bezeichnet. Zweifellos hatte die antike Gesellschaft einen enormen Einfluss auf die Entwicklung anderer Länder und Völker. Wissenschaft, Theater, sportliche Wettkämpfe, Komödie, Schauspiel, Bildhauerei – um nicht alles aufzuzählen, was die Antike dem modernen Menschen beschert hat. Dieser Einfluss ist noch heute in Kultur, Leben und Sprache vieler romanischer Völker und Bewohner des Mittelmeerraums zu spüren.

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mythologischBilderAntikeinfunktioniertBildEpocheRenaissance

Wolotskow Anastasia - Schüler 2 Kurs FIA Mai (NRU)

Subanowa S.G. - d.h.s., Professor,

Abteilungsleiter Theorien Und Praktiken Methoden Ausübungen Sekunde ausländisch

Sprachen FIA Mai (NRU)- wissenschaftlich Aufsicht.

Anmerkung

Der Zweck dieses Artikels ist es, die Leser mit dem Genre der antiken Mythologie in Malerei, Offenlegung und Analyse vertraut zu machen künstlerische Bilder auf den Leinwänden der berühmtesten Künstler der Renaissance, sowie Parallelen in der bildenden Kunst zu anderen Bereichen der spirituellen Kultur der entsprechenden Zeit.

Anastasia Wolotskova - 2 Jahr Schüler von der ausländisch Sprachen Abteilung von der Moskau Luftfahrt Universität (National Forschung Universität)

S. G. Subanowa - Arzt von Geschichte, Professor, Vorsitzender von der Theorie und üben von der Sekunde ausländisch Sprachen Abteilung von der ausländisch Sprachen Abteilung von der Moskau Luftfahrt Universität (National Forschung Universität) - wissenschaftlich Berater

mythologischBildervonAntikeinMeisterwerkevonRenaissance

Der folgende Artikel zielt darauf ab, die Leser mit dem Genre der antiken Mythologie in der bildenden Kunst vertraut zu machen, die künstlerischen Bilder zu analysieren, die auf Leinwänden erscheinen, die zu den berühmtesten Künstlern der Renaissance gehören, sowie die passenden Kunst und andere Sphären der inneren Kultur Parallelen derselben Epoche.

Mythologische Bilder der Antike in der Malerei der Renaissance

Wiedergeburt, oder Renaissance(aus der französischen Renaissance , ital. rinascimento) - eine Ära in der Geschichte der europäischen Kultur, die die Kultur des Mittelalters ablöste und der Kultur der Neuzeit vorausging. Der ungefähre chronologische Rahmen der Ära ist das XIV - der Anfang des 17. Jahrhunderts. Eine Besonderheit der Renaissance ist der säkulare Charakter der Kultur und ihr Anthropozentrismus (dh das Interesse vor allem an einer Person und ihren Aktivitäten). Es gibt ein Interesse an der antiken Kultur, es gibt sozusagen ihre „Wiederbelebung“ - und so entstand der Begriff. Künstler zeichneten Bilder traditioneller religiöser Themen und begannen, neue zu verwenden künstlerische Techniken: Erstellen einer dreidimensionalen Komposition unter Verwendung der Landschaft im Hintergrund, wodurch die Bilder realistischer und lebendiger werden konnten. Dies grenzte ihre Arbeit scharf von der bisherigen ikonografischen Tradition ab, die voller Konventionen im Bild war. Die Genreverteilung der Malerei in der Renaissance ist relativ gering, die beliebtesten waren Ikonenmalerei, Vanitas und Porträts. Aber einige Künstler wandten sich zur Inspiration oft an alte kulturelle Wurzeln, wodurch ihre Pinsel und Leinwände mythologische Bilder von alten Göttern und Helden aus Volksmärchen hervorbrachten. Mythen und Legenden sind eng mit dem Alltag der Menschen verwoben. Mythos im Sinne der russischen Sprache ist "eine Legende". Die antike Mythologie (vom lateinischen Antiquus - „uralt“) manifestiert sich in den lebendigen Bildern von Künstlern, die den Charakteren ihrer Leinwände eine Art Körperlichkeit und größere Fantasie verleihen. Seit Beginn der Renaissance suchten die Schöpfer nach Inspiration und schöpften Ideen aus den Handlungen der Mythologie des antiken Roms und Griechenlands. Florenz wurde der Geburtsort der Renaissance und ReRenin, die im 13. Jahrhundert. war eine Stadt reicher Kaufleute, Besitzer von Manufakturen, einer großen Anzahl von Handwerkern, die in Werkstätten organisiert waren. Außerdem waren die Zünfte der Ärzte, Apotheker, Musiker, Rechtsanwälte, Rechtsanwälte, Notare und Notare für die damalige Zeit sehr zahlreich. Unter den Vertretern dieser Klasse begannen sich Kreise zu bilden. gebildete Leute die beschlossen, das kulturelle Erbe des antiken Griechenlands zu studieren und antikes Rom. Sie wandten sich dem künstlerischen Erbe der Antike zu, den Werken der Griechen und Römer, die einst das Bild eines Mannes schufen, der nicht an die Dogmen der Religion gebunden war, der an Seele und Körper schön war. Daher wurde eine neue Ära in der Entwicklung der europäischen Kultur "Renaissance" genannt, die den Wunsch widerspiegelt, die Muster und Werte der alten Kultur angesichts der "Materialisierung" von Mythen und Legenden unter neuen historischen Bedingungen zurückzugeben.

Für einen modernen Betrachter wird die Erzählung mythologischer Handlungen auf Leinwänden alltäglich erscheinen, Kenner und Kenner, die die historischen Wurzeln der Entstehung dieses Genres wie die antike Mythologie in der Malerei sehen, schätzen jedoch mit besonderer Beklommenheit die Kunst, mit der Weltkünstler von diese Zeit näherte sich der Schaffung von Bildern und Szenen des Lebens Märchenfiguren Antike Mythologie.

Die bedeutendsten Künstler dieser Epoche, die in Richtung der Malerei der antiken Mythologie arbeiteten, sind Sandro Botticelli, Tizian, Antonio da Correggio und Nicolas Poussin.

Wie ein echter Florentiner, Botticelli Der erste begann, mythologische Helden in seine Gemälde zu schreiben. Sein berühmtestes Werk, das bis heute nicht nur als Meisterwerk, sondern auch als Symbol der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts gilt, ist Die Geburt der Venus.

Das Thema stammt aus der antiken Literatur, genauer gesagt aus Ovids Metamorphosen. Die nackte Venus schwimmt auf einer Muschel auf dem Meer, die Götter der Winde fliegen zu ihrer Linken; Rechts am Ufer wird Venus mit Kleidern in ihren Händen von der Nymphe der Jahreszeiten Ora empfangen. Unter ihren Füßen blühen Veilchen - ein Symbol für die Erneuerung der Natur.

Unter anderen literarischen Meilensteinen ist das Gedicht „Stanza“ von Angelo Poliziano, einem Zeitgenossen von Botticelli und dem wichtigsten neuplatonischen Dichter aus dem Medici-Kreis. Der Neuplatonismus ist eine in der Renaissance populäre philosophische Strömung, die versuchte, Gemeinsamkeiten zwischen dem kulturellen Erbe der Antike und dem Christentum zu finden.

Die philosophische Interpretation des Werkes laut Neuplatonismus lautet wie folgt: Die Geburt der Venus ist ein Symbol für die Geburt der Liebe, der höchsten Tugend und spirituellen Schönheit, die die treibende Kraft des Lebens ist. Sogar das Zeichensymbol des weiblichen Geschlechts (das tatsächlich von Natur aus die oben genannten Eigenschaften hat) wird als „Spiegel der Venus“ bezeichnet.

In der Pose der Venus ist der Einfluss der klassischen griechischen Skulptur offensichtlich: Die Göttin steht, auf ein Bein gestützt, und bedeckt keusch ihre Blöße. Botticelli war einer der größten Meister der Linienführung und des Zeichnens. . "Geburt der Venus" ist auch insofern einzigartig, als es für die Toskana ist ErsteBeispielBildauf derSegeltuch. Die Verwendung von Alabasterstaub verleiht den Farben einen besonderen Glanz und Haltbarkeit.

Das Bild kann auch als Ode an die Medici-Dynastie interpretiert werden – dank ihrer Kultur und ihrer talentierten Diplomatie herrschten in Florenz Liebe und Schönheit.

Nicht nur bei Botticelli „prahlte“ die Venus auf der Leinwand. Bei Tizian Wir können auch ein paar Bilder mit ihr finden. Ich erinnere mich sofort an seine „Venus von Urbino“. Wiederbelebung der Malerei der antiken Mythologie

Es wurde im Auftrag des Herzogs von Urbino, Guidobaldo II della Rovere, geschrieben. Die Schöpfung bietet viele Reflexions- und Interpretationsmöglichkeiten. Höchstwahrscheinlich ist das Bild eine Allegorie der Ehe . Einer Version zufolge ist die als Venus dargestellte nackte Frau die junge Braut von Herzog Guidobaldo II Giulia Varano. Der offene Blick der antiken Liebesgöttin Venus richtet sich direkt auf den Betrachter. Die offensichtliche Erotik des Bildes sollte die junge Frau an die Erfüllung ihrer ehelichen Pflicht erinnern. Aber auch hier reichen die kulturellen Wurzeln bis ins antike Griechenland zurück, wo die menschliche Schönheit als der Höhepunkt der Schönheit und Pracht galt und bis zu einem gewissen Grad sogar heilig war.

Der nackte Körper einer Frau, in warmen hellen Farben bemalt, kontrastiert mit einem dunklen Hintergrund. Rosen, die lange Zeit als Attribut der Venus galten, symbolisieren die weibliche Fruchtbarkeit. . Ein kleiner Hund, der zu Füßen einer Frau schläft, verkörpert die Treue, in diesem Zusammenhang die eheliche Treue (denn es ist für niemanden ein Geheimnis, dass ein Hund das treueste Haustier ist). Im Hintergrund sind zwei Mägde dargestellt, die mit einer Truhe mit Outfits beschäftigt sind - der Mitgift eines jungen Mädchens.

Als nächstes folgt die Venus in der Aufführung von Antonio da Correggio, die auf seinem Gemälde „Venus, Satyr und Amor“ zu sehen ist. Der Betrachter kann den lustvollen Blick des bockbeinigen Satyrs auf die nackte, aber keusche Venus beobachten, die mit mütterlicher Fürsorge ihre Hand neben Amor hält. Wir alle wissen, dass Amor, wie Venus, ein Symbol der Liebe ist (wir wenden uns sogar an Latein: Venus wird mit Venus übersetzt, was auch "Liebe, Charme" bedeutet; der zweite „Name“ von Amor auf Latein ist Eris, die Übersetzung ist absolut ähnlich); aber die Ironie ist, dass er und als Satyr der Inbegriff der Anziehungskraft der Liebe ist. Die Antithese zwischen ihnen ist jedoch, dass Satyr einen vulgären Gedanken trägt und Amor richtig ist, oder vielmehr die Idee, das Leben fortzusetzen. Das heißt, grob gesagt, das Bild ist in zwei Seiten geteilt: böse und gut, dunkel und hell, böse und gut, verderbt und unschuldig.

Das Duett von Venus und Amor findet sich auch auf der Leinwand von Agnolo Bronzino „Allegorie mit Venus und Amor“. In der Mitte drückt die nackte Venus in ihrer linken Hand goldener Apfel- die Auszeichnung, die den Trojanischen Krieg verursachte; mit ihrer rechten Hand entwaffnet sie Amor, der sie erotisch umarmt und mit seinem rechten Fuß die Friedenstaube fast zertritt. Auf der rechten Seite ist ein verspielter kleiner Junge dabei, sie mit Rosenblättern zu überschütten, ohne zu bemerken, dass er auf Dornen tritt, von denen einer bereits seinen rechten Fuß durchbohrt hat. Hinter ihm hält ein schönes Mädchen eine Honigwabe, aber ihre großzügige Geste ist eine Täuschung, da sie den Stachel ihres Schlangenschwanzes in der anderen Hand hält.

Aufgrund des häufigen Auftretens der Venus in den Gemälden großer Künstler können wir den Schluss ziehen, dass diese Göttin die hellste und attraktivste Heldin für Maler ist. In den Beispielen von Gemälden, die ich oben gegeben habe, verwenden alle Künstler gekonnt Öl, um ein Spiel mit Farbkontrasten zu erzeugen. In allen Leinwänden verkörpert Venus, ein Symbol für Liebe, Schönheit und Fruchtbarkeit IdealFrauenEpocheRenaissance.

Wie dem auch sei, trotz der Bewunderung der Mythologie durch die großen Persönlichkeiten der materiellen und spirituellen Kultur, moderner Mann neigt dazu, die Mythologie zu unterschätzen und sie fälschlicherweise mit Kindermärchen gleichzusetzen. Darüber hinaus ist offensichtlich, dass die Rolle der Mythologie im Vergleich zu früheren Epochen unbedeutend geworden ist. Man kann sagen, dass Mythen wie in der Antike oder im Mittelalter als literarische Gattung bereits fast vergessen sind und oft nur noch im Rahmen des Schulunterrichts studiert werden. Aber sie strotzen vor Weisheit, die sich über Jahrhunderte angesammelt hat, und wie keine andere Gattung vermag es die menschliche Seele mit ihren reichen Symbolbildern zu bereichern. Daher können wir mit Zuversicht über die Relevanz dieses Themas für die moderne Gesellschaft sprechen. Vielleicht kann es beim Leser ein reges Interesse an der Mythologie wecken und das Studium der Mythen von Anfang an anregen.

Das schwindende Interesse an Mythologie heutzutage ist leicht zu erklären. Es geht um das philosophische Verständnis des Mythos. Es tritt im Rahmen der Betrachtung des Problems des mythologischen Bewusstseins auf, da ist der Schlüssel zum Verständnis der eigentlichen Natur und Essenz des menschlichen Bewusstseins und Seins. Für die alten Menschen war die Mythologie eine Art Verständnis der Realität, da ein Mensch nicht die Möglichkeit und Mittel hatte, bestimmte Phänomene der Natur oder seines eigenen Körpers und Bewusstseins (und Unterbewusstseins) zu erklären, und so kam er auf höhere Mächte, die sich identifizieren alles, was es auf der Erde gibt. In unserem postindustriellen Informationszeitalter haben wir Wissenschaft und Technik, mit denen wir fast alles erklären können, und dem Besitz dieser Mittel folgte die Nutzlosigkeit der Mythologie.

Dennoch ist die Malerei in jeder ihrer Manifestationen, Genres (in diesem Fall Mythologie für uns) eine Kultur. Kultur ist etwas, das uns geistig bereichert, Nahrung für Geist und Seele gibt. Die moderne Kultur zeichnet sich durch ein neues Verständnis der Welt und des Menschen darin aus, bringt ihren eigenen „Mythos“ zum Ausdruck, bildet ihren eigenen mythologischen Raum. Somit ist jede Mythologie, die die erste Form der Erkenntnis der Welt ist, in historische Entwicklung gibt uns unerschöpfliches Material für ihre ethische, ästhetische Bewältigung und ihre künstlerische Wirkung in Literatur und Kunst der Antike. Daher ist es wichtig, sich um die Konservierung zu kümmern kulturelles Erbe, weil dies ein erstaunlicher und unersetzlicher Weg zur Selbstentwicklung ist, der eine Antwort auf die "ewigen Probleme" des Seins enthält.

Die indirekte Rolle der Mythologie besteht heute darin, dass die Helden der antiken Mythen (sowohl griechische als auch römische sowie ägyptische und viele andere) in Bereichen der modernen Kultur wie dem Kino aktiv eingesetzt werden (die Filme "Wrath of the Titans", "Battle der Götter"), Spieleproduktion (Videospiele "Viking - Battle for Asgard" und "God of War"), Animationsproduktion (hauptsächlich japanische Animation basierend auf lokaler Folklore). Denn man sollte keine Sekunde vergessen, dass die Mythologie einer der wichtigsten Vektoren der Entwicklung ist künstlerische Kultur. Nicht nur in der Renaissance, sondern auch heute!

LiteraturUndQuellen

1. Wikipedia - freie Enzyklopädie - http://ru.wikipedia.org

2. Allgemeines Lexikon der Kunstgeschichte (Abschnitt: Renaissance oder Renaissance, SS. 245-270).

3. Offizielle Quelle der Uffizien in Florenz - http://www.florence-museum.com/uffizi

4. http://gallerix.ru

5. Zeitschrift "Humanitäre, sozioökonomische und soziale Wissenschaften", Ausgabe Nr. 7/2015, Artikel von Petrov N.V. "Philosophie der Mythologie der Antike".

6. Dissertation Piven M.G. "Interpretation antiker Handlungen und Bilder in der Malerei der italienischen Frührenaissance", 2011; SS. 3-9.

7. Artikel « antike Mythologie wie signifikanter Teil Plot-Themenkomplex in der europäischen Malerei des XVII-XVIII Jahrhunderts" Kolchikova T.O. und Ulakhovich S.N.

8. Antike Mythen in der Weltkunst: Götter und Helden. Plots und Symbole. Malerei und Skulptur: [Mini-Atlas / komp. und bzw. ed. S.Yu. Afonkin]. St. Petersburg: SZKEO: Kristall; Rostow n/a: Phoenix, 2003. -- 95 S.

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Textinhalte der Präsentationsfolien: Alte Bilder in den Texten von A. S. Puschkin Forschung Schüler der Klasse 10B Tatarinova E. und Antipova M. Relevanz des Themas Das antike Erbe ist heute relevant, denn darin sollte man nach den Ursprüngen vieler Werte suchen, die später die europäische Kultur formten. Laut A. S. Puschkin sollte „jeder gebildete Europäer ein ausreichendes Verständnis der unsterblichen Kreaturen der majestätischen Antike haben“. Alles, was Puschkin geschaffen hat, ist bis an die Grenze der Antike gesättigt - Mythologie und Geschichte, Menschen und Ereignisse, Bilder und Bilder des antiken Griechenlands und insbesondere Roms. Lernziele Antike Bilder in den Texten des Dichters und im Roman „Eugen Onegin“ identifizieren. Bestimmen, welche Funktion sie im Werk von A. S. Puschkin bei der Charakterisierung von Puschkins Helden spielen Onegin" Studiengegenstand Bilder der antiken Mythologie Forschungsmethoden Studium und Analyse von Gedichten und dem Roman "Eugen Onegin". Bekanntschaft mit der kritischen Literatur zu diesem Thema. Vergleichende Analyse literarischer Quellen. Systematisierung und Verallgemeinerung des erhaltenen Materials. Puschkin und die Antike Puschkin ernsthaft studiert antike Literatur. Ausgebildet seit der Kindheit Französisch Bereits vor seinem Eintritt ins Lyzeum gelang es ihm, sich intensiv mit der französischen Literatur des 17. und 18. Jahrhunderts vertraut zu machen. Und dadurch konnte sich der zukünftige Dichter ein Bild von den Hauptkoryphäen der antiken Poesie machen. Die Gedichte, die Puschkin während seines Studiums am Lyzeum schreibt, zeugen von der Kenntnis der Poesie, Elemente der Geschichte und Philosophie der Antike. Antike Bilder lassen sich in Puschkins Werk sein ganzes bewusstes Leben lang verfolgen. Auch in seinen reifen Jahren inspiriert die Antike den romantischen Dichter mit ihren fabelhaften Bildern. 1. Die Texte von A. S. Puschkin Nymphen - in alten Zeiten griechische Mythologie die Verkörperung in Form von Mädchen lebendiger Urkräfte, wahrgenommen im Rauschen eines Baches, im Wachstum von Bäumen, im wilden Charme von Bergen und Wäldern. Im Hain verstummt das Rauschen, Alles in schöner Stille; Die Nymphe tritt auf, sich schüchtern der Welle anvertrauend. Das antike Rom ist eine der führenden Zivilisationen antike Welt und Antike, erhielt seinen Namen von der Hauptstadt, die wiederum nach dem legendären Gründer Romulus benannt wurde. Rom wird verschwinden; tiefe Finsternis wird es bedecken; Und der Reisende, den Blick fest auf die Steinhaufen gerichtet, Sagt in Träumen versunken: "Rom ist durch Freiheit gewachsen - und durch Sklaverei zerstört worden." Ikarus - in der antiken griechischen Mythologie der Sohn von Daedalus und dem Sklaven Naucrates, bekannt für seinen ungewöhnlichen Tod. Phoebus hat mir wenig gegeben: Die Jagd, ein mageres Geschenk. Apollo, Phoebus - in der griechischen Mythologie der goldhaarige Gott - der Hüter der Herden, des Lichts (Sonnenlicht wurde durch seine goldenen Pfeile symbolisiert), der Wissenschaften und Künste, des Heilgottes, Anführer und Schutzpatron der Musen. O Götter der friedlichen Felder, Eichenwälder und Berge, Mein schüchterner Apollo liebt eure Gespräche, Zwischen euch fand ich auch eine junge Muse, Einen Freund meiner Tage, unschuldig, einfach, Aber irgendwie süß – nicht wahr, Freunde? Zephyr - der Wind, laut den Alten, der ab dem Frühjahr den östlichen Teil des Mittelmeers beherrschte Narziss – in der antiken griechischen Mythologie der Sohn des Flussgottes Kephis und der Nymphe Liriope Eros, sowie Amor, bei den Römern Amor – der Gott der Liebe in der antiken griechischen Mythologie, der unaufhörliche Gefährte und Helfer der Aphrodite, der Personifikation von Liebesattraktion, die den Fortbestand des Lebens auf der Erde sichert. Amor in der Stille der Nacht Überreicht seiner Geliebten eine Laterne Und er selbst begleitet den Glücklichen Zu seiner schlafenden Gattin im Haus ... Decimus Junius Juvenal - Römischer Satirikerdichter. O Muse der feurigen Satire, komm zu meinem Ruf! Publius Virgil Maron - der Nationaldichter des antiken Roms, der Autor der Aeneis. Die Antike spiegelt sich in vielen Werken des Dichters "Bemerkungen zu den Annalen des Tacitus", "Gäste kamen zur Datscha ...", "Eine Geschichte aus dem römischen Leben", "Ägyptische Nächte", die Idee der Tragödie " Romulus und Remus“, ein Auszug aus „Die Reise Onegin“, „Der Vesuv Zev öffnete sich...“, „Der eherne Reiter“, „Nachricht an Lida“, „Schmausende Studenten“, „Zigeuner“, „Mönch“ Apollo 32 Parnassus 21 Lira 1491 Muse 1481 2. Luftmesse "Onegin" ... AS Puschkins Roman "Eugen Onegin", geschrieben in der Zeit von 1823 bis 1831, ist eines der bedeutendsten Werke der russischen Literatur. Schon damals bemerkten seine Zeitgenossen, dass „Eugen Onegin“ „eine Enzyklopädie des russischen Lebens“ sei. Aber auch antike Bilder spielen im Roman eine wichtige Rolle. Ohne die Verwendung von Bildern der antiken Mythologie hätten die Helden des Romans nicht eine solche Anziehungskraft, die sie erhaben und romantisch macht. Eugen Onegin Der Name Eugen kommt vom griechischen Wort „eugenes“ – edel. Eugene Onegin ist jedoch ein Beispiel für das Unentschlossenste, Zynischste, Teilnahmsloseste, Raffinierteste und Charmanteste, was ein Mann haben kann. Der Name Tatiana ist altgriechischen Ursprungs, vom Wort "tatto" - Tatiana von Rom - eine Märtyrerin - zu gründen, zu bestimmen. Nach grausamen Folterungen brachten die Peiniger sie zum Tempel der Göttin Diana, damit sie dieser Göttin opfere. Aber Tatjana bekreuzigte sich und begann zu beten. Und plötzlich gab es einen ohrenbetäubenden Donnerschlag – und Blitze verbrannten das Götzenbild und die Priester. Die Idee wird durch die Namen des antiken Ursprungs Onegin und Tatyana verwirklicht - das sind eine Art Konfliktzentren der Handlung. Eugenes Egoismus steht die spirituelle Großzügigkeit und Reinheit der Heldin gegenüber. Der Dichter sagt über den Helden: "Ich mochte seine Züge." Und er nennt die Heldin sein "wahres Ideal". Antikes Bild In dem Roman kontrastiert Tatjana Puschkin Diana, die Göttin der Jagd, der ewigen Jugend und des Mondes. Die antike Göttin verkörpert den Mond: Allein, traurig unter dem Fenster, erleuchtet vom Strahl Dianas, schläft die arme Tatjana nicht und blickt ins dunkle Feld. Vladimir Lensky Lensky lässt sich von der Muse inspirieren - der Patronin der Schöpfer. Die Muse ist ein Symbol für die Helligkeit des Lebens und der Jugend. Nicht umsonst schreibt der Dichter in der Abschiedsszene von Lensky auch vom Abschied von seiner Jugend: Mit der Leier zog er durch die Welt; Unter dem Himmel von Schiller und Goethe Ihr poetisches Feuer Die Seele entzündete sich in ihm; Und die Musen erhabener Kunst, Lucky, hat er nicht beschämt ... Istomina - die berühmte Ballerina Terpsichore - in der antiken griechischen Mythologie die Muse der Tänze. Im Tanz bewegt sich die Ballerina leicht und anmutig, wie eine Muse gibt sie ihre Seele der Kunst, der sie angehört: Werde ich eure Chöre wieder hören? Werde ich den erfüllten Flug der russischen Terpsichore-Seele sehen? Eugene Venus - in der antiken griechischen Mythologie die Göttin der Liebe. Eugene ist ein Dandy, er achtete gewissenhaft auf Kostüme, er konnte stundenlang vor dem Spiegel sitzen, bevor er ausging. Puschkin schmunzelt über eine so unmännliche Eigenschaft von Onegin: Er verbrachte mindestens drei Stunden vor den Spiegeln Und kam aus der Toilette Wie eine windige Venus, Wenn die Göttin, die ein Männerkostüm anzieht, zu einer Maskerade geht. Olga Larina - die jüngere Schwester von Tatyana Fillida (altgriechisch Φυλλίδος - junges Blatt) - Altgriechisch Frauenname, wurde in der Poesie der Vagants als typischer Name für eine Idylle (Hirten-)Charakter verwendet. Der Vergleich von Olga mit Phyllida ist durchaus gerechtfertigt, denn Onegin sagt nicht umsonst, dass ihr Aussehen, obwohl sie sanft, süß und einfachherzig ist, typisch und uninteressant ist: Oh, hör zu, Lenski; Kann ich diese Phyllida nicht sehen, ein Objekt sowohl von Gedanken als auch von Feder, Und Tränen und Reimen und so weiter? Musen – die Patronin der Kunst Er wanderte mit einer Leier durch die Welt; Unter dem Himmel von Schiller und Goethe Ihr poetisches Feuer Die Seele entzündete sich in ihm; Und die Musen erhabener Kunst, Lucky, schämte er sich nicht ... Fazit Antike Bilder in Puschkins Texten und in "Eugen Onegin" spielen keineswegs die letzte Rolle. Ohne die Verwendung von Bildern der antiken Mythologie hätten die Helden der Werke des großen Dichters keine solche Anziehungskraft, die sie erhaben und romantisch macht. Eine Analyse des Werkes hilft zu verstehen, warum der Autor diese besonderen Bilder verwendete, die seine Charaktere und seine Seelenwelt charakterisieren. Verwendete Ressourcen A. S. Puschkin. Favoriten. M. "Terra". 1996. G. Knabe. Jahre der Wende Phänomen Nr. 2 April-Juni 2007 Puschkin und die Antike. Hinweise in den Rändern.em-pushkin.ru

Ivanov D.I. Marfa Posadniza (Überreichung des Ratmir-Schwertes durch den Einsiedler Theodosius Boretsky an den jungen Anführer der Nowgoroder Miroslav, der von Marfa Posadniza zum Ehemann ihrer Tochter Xenia ernannt wurde), 1808. Russisches Museum

Antike Bilder in der russischen öffentlichen Meinung im 18. – frühen 19. Jahrhundert (am Beispiel von Vorstellungen über die Republik Nowgorod Veche)

Heute sind die Probleme der Kulturentwicklung einzelner Völker, Stände oder anderer Bevölkerungsgruppen bei in- und ausländischen Forschern sehr beliebt. In dieser Hinsicht wird besonderes Augenmerk auf das Studium der Kunst, ihrer Formen und ihres Platzes im gesellschaftlichen Leben gelegt. Dabei richten die Autoren ihr Augenmerk vor allem auf die äußere Seite eines so globalen Kulturphänomens wie die Kunst – auf ihre einzelnen Typen, Denkmäler oder Figuren, die als die ausdrucksstärksten einer bestimmten historischen Epoche bezeichnet werden können. Auf die äußere Seite des Problems der Interaktion zwischen Kultur und Gesellschaft fokussierend, schenken die Forscher der Frage nach ihrer ideologischen Bedeutung, ihrem symbolischen und erzieherischen Potenzial für die Bildung des massenhaften und individuellen historischen Bewusstseins und des Gedächtnisses zukünftiger Generationen nicht genügend Aufmerksamkeit.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Arbeit von V.V. Mavrodina " Bauernkrieg in Russland 1773-1775. Pugachevs Aufstand“ [Mavrodin, V.V. Bauernkrieg in Rußland 1773-1775. Pugatschows Aufstand. T. I. L., 1961. 587 pp.], in dem es dem Autor gelang, auf der Grundlage zahlreicher und unterschiedlicher Quellen ein vollständiges Bild zu erstellen, das den Platz von Pugachev im sozialen Denken und demonstriert historische Erinnerung Menschen. Von besonderem Interesse ist dabei die Frage nach der Natürlichkeit und Künstlichkeit des Eindringens bestimmter Bilder in verschiedene Kunstgattungen. Es ist möglich, sie zu beantworten, indem man den semantischen Inhalt von Werken analysiert, die über einen ausreichend langen Zeitraum entstanden sind, vergleichbar mit dem Leben mehrerer Generationen. Angesichts des hohen Grades an Subjektivität in Kunstwerken kann die historische Gattung als objektivstes Material definiert werden. Dies liegt an der traditionellen Politisierung von Vergangenheitsbeurteilungen und damit der Zensur solcher Werke. Zudem wird die historische Vergangenheit im Rahmen des Bildungssystems immer in gewisser Weise aufbereitet, was einen semantischen Filter im Voraus für zukünftige Künstler bildet.

Dieser Artikel analysiert den Inhalt atypischer, neuer für die russische Gesellschaft des 18. Jahrhunderts antiker Bilder, ihre semantische Belastung Periode XVIII- Anfang des 19. Jahrhunderts, um die stereotypen Vorstellungen über die Vergangenheit Russlands zu charakterisieren, die sich im Betrachter bilden. Dieser Aspekt der Kulturdenkmalforschung wird derzeit sowohl von Kunstkritikern als auch von Historikern nur unzureichend entwickelt. Gleichzeitig scheint es wichtig zu sein, die nationale Identität des russischen Volkes zu untersuchen und die Frage der Bildung einer nationalen Vorstellung von Russland zu untersuchen.

Die Periode des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts ist für die Entwicklung des russischen Sozialdenkens von Bedeutung. Der Prozess der Bildung einer neuen russischen Kultur, vor allem unter den Vertretern der privilegierten Klassen, vollzog sich in Form der Übersetzung westeuropäischer Kulturmuster und ihrer Verschmelzung mit der traditionellen russischen Kultur
Werte. Damit einher ging, besonders auf der ersten Stufe, ein scharfer Antagonismus zwischen beiden
kulturellen Prinzipien, die durch das beschleunigte Tempo der Modernisierung des Russischen verursacht wurde
Zustände.

Man kann viele neue Trends in den unterschiedlichsten Bereichen der Manifestation des sozialen Denkens feststellen: Wissenschaft, Literatur, bildende Kunst und Dramaturgie, die aus Nordeuropa stammen und oft von Menschen aus diesen Ländern eingeführt wurden. Die Tatsache, dass gleichzeitig mit der Modernisierung in Russland ein Prozess der Stärkung der autokratischen Macht und der Bildung eines Imperiums stattfand, bestimmte die scharfe Politisierung fast aller Sphären des inländischen sozialen Denkens: von historische Wissenschaft zur bildenden Kunst. Jeder von ihnen diente auf seine Weise dazu, im historischen Bewusstsein vor allem der Vertreter der privilegierten Stände die Vorstellung von der Notwendigkeit der Existenz einer absoluten Monarchie als Garant der Stabilität zu fördern und zu festigen Macht Russlands. In dieser Hinsicht war es notwendig, die Bedeutung einiger herunterzuspielen historische Fakten aus der Vergangenheit, verbunden mit der Möglichkeit einer positiven Entwicklung der demokratischen Traditionen der Staatlichkeit in Russland. Der bedeutendste dieser historischen Erinnerungsorte kann die Republik Novgorod Veche genannt werden.

Schätzungen dieses Erinnerungsortes durch Persönlichkeiten des sozialen und politischen Denkens des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts sind zweideutig, manchmal gegensätzlich. Es ist jedoch ein gewisser interessanter Trend zu erkennen - alle Autoren verwenden in ihrer Rhetorik alte Allegorien. Für diesen Zustand gibt es mehrere Gründe. Zum einen zeigt sich bereits im Rahmen der Aktivitäten der Akademie der Wissenschaften ein besonderes Interesse an der historischen Vergangenheit, die sich auf das zweite Drittel des 18. Jahrhunderts bezieht. Zu dieser Zeit bildete sich bereits ein stereotyper Kreis antiker Geschichten und Allegorien, der für Vertreter der russischen Bildungsgesellschaft verständlich ist. So zum Beispiel in "Die Reise von St. Petersburg nach Moskau" A.N. Radischtschew kam zu dem Schluss, dass „der Handel die Ursache für seinen (Novgorods) Aufstieg war“ und „interne Meinungsverschiedenheiten und ein räuberischer Nachbar ihn zu Fall brachten“ [„Über den Schaden an der Moral in Russland“ von Prinz M. Shcherbatov und „Journey“ von A. Radishchev / [Vorwort A .UND. Herzen; Einleitung. Kunst. und kommentieren. N. Ya. Eidelman] Akademie der Wissenschaften der UdSSR, Institut für Geschichte der UdSSR. M., 1985. C. 158-159.]. Dies bringt seiner Meinung nach das mittelalterliche Nowgorod näher an die antiken Stadtstaaten - Rom, Troja, Karthago.

Es stellt sich die Frage: Wie konnten in einem so relativ kurzen chronologischen Zeitraum semantische Bilder, die für die russische Gesellschaft neu sind, so fest in das Bewusstsein der Bevölkerung Russlands eindringen, dass sie in ihren Werken von Autoren verwendet werden, die sich gegen die offiziellen Autoritäten stellen? Was ist der Mechanismus einer solch effektiven Plastizität des sozialen Bewusstseins und des historischen Gedächtnisses? Die Antwort sollte in speziellen Formen der Reflexion des sozialen Denkens gesucht werden, basierend auf der sinnlichen Wahrnehmung der Realität, die in erster Linie nicht durch Vernunft und Logik, sondern durch Emotionen wahrgenommen wird. In Bezug auf Nowgorod war Kaiserin Ekaterina Alekseevna eine der ersten, die diese Form der Einführung neuer Ideen und Stereotypen verwendete. In ihrer „komischen Oper in fünf Akten, bestehend aus einem Märchen, einem Lied der Russen und Kompositionen“ „Nowgorod Bogatyr Boeslavich“ [Katharina II. Nowgoroder Held Boeslavich // Niva: Ill. Zeitschrift Literatur, Politik und Moderne. Leben. 1893. Nr. 8. S. 345-355.] erzählt sie den Inhalt der Novgorod-Legenden nach, wobei sie die Namen der Hauptfiguren leicht ändert.

Die Oper „Novgorod Bogatyr Boeslavich“ ist in Geist und Bedeutung eins mit „Historical Performances from the Life of Rurik“ [Katharina II. Aus dem Leben von Rurik // Lib.ru: "Classics" (Projekt "Collection of Classics" der Moshkov Library). URL: http://az.lib.ru/e/ekaterina_w/text_0250oldorfo.shtml (abgerufen am 14.09.2014)]. Sie klingen die Idee der Unfähigkeit der Nowgorodianer an, die Stadt ohne gegenseitige Feindschaft unabhängig zu verwalten. Nur ein willensstarker Führer, der sich auf die Waffengewalt verlässt, ist in der Lage, Anarchie einzudämmen und Frieden und Ruhe im Land aufrechtzuerhalten. Der Autokratieversuch der Nowgorodianer schlug fehl, und sie selbst stimmten zu, sich der Autorität des legitimen Thronfolgers zu unterwerfen. Der letzte Teil der Oper hat viel mit Chronikgeschichten zu tun. Zum Beispiel erhielt Rurik das Recht auf den Thron durch die Tochter von Gostomysl - Umila, seine Mutter. Vasily Boeslavich wiederum empfängt zusammen mit der Herrschaft Umila als seine Frau.

Diese Arbeiten laut V.V. Rukovichnikova [Rukovichnikova V.V. Suchfall über die Tragödie "Vadim Novgorodsky". URL: http://pandia.ru/text/78/237/20205.php (abgerufen am 18.08.2015)], obwohl sie sich nicht in herausragenden literarischen Qualitäten unterschieden, führten sie zu einer Reihe von Dramen, die dem gewidmet waren gleiche Handlung: „Vadim Novgorodsky“ Ya.B. Knyazhnina, "Rurik" P.A. Plawilschtschikow. Beide Tragödien entwickeln die von der Kaiserin gegebene Interpretation des Stellenwerts autokratischer Macht in der Kultur und Staatlichkeit Russlands als wesentliche Voraussetzung für Wohlstand, Macht und soziale Stabilität. Ein besonderer Ort im Prozess der Durchdringung traditioneller russischer und westeuropäischer kultureller Werte war die Tätigkeit der Akademie der Künste. Erstens basierte die Ausbildung an der Akademie auf den Traditionen der westeuropäischen Kunst der Renaissance, und die besten Studenten wurden auf eine Altersreise nach Westeuropa geschickt. Die Absolventen der Akademie der Künste griffen in Anlehnung an die Traditionen der europäischen Kunst auf klassische antike Sujets und Allegorien zurück. Zweitens wurden zur Bestimmung der Themen von Abschlussarbeiten häufig Zitate aus Werken prominenter inländischer Historiker-Enzyklopädisten verwendet - zum Beispiel M.V. Lomonosov und N.M. Karamzin.

Eine interessante Arbeit von I.A. Akimov „Prinz Rurik, der den Tod seines Babys Igor und mit ihm die Herrschaft seines Verwandten Oleg anvertraut“ [Gemälde unter dramatischen Umständen in den 1940er Jahren. wurde in mehrere Stücke geschnitten. Einige Fragmente sind verloren gegangen, der Rest wird im Kunstmuseum Irkutsk aufbewahrt.], entstanden Ende des 18. Jahrhunderts. Das Thema wurde von der Akademie der Künste festgelegt. Das Bild spiegelt die Vorstellungen des Autors über das dargestellte historische Ereignis wider. Das Bild zeigt Rurik auf seinem Sterbebett, der Oleg das Baby Igor übergibt. Ruriks Pose kommt den klassischen Posen eines sterbenden Helden aus der antiken Kunst nahe. Rurik ähnelt auch dem zentralen männlichen Bild aus dem Gemälde von Michelangelo Buonarroti „Die Geburt Adams“. Die Kleidung der Helden ist keineswegs eine Rekonstruktion des Altrussischen, sondern könnte eher zu den Figuren der Ilias, Odyssee oder Aeneis gehören. Nichts weist darauf hin, dass sich die dargestellten Ereignisse auf die russische Geschichte beziehen. Es ist wichtig, dass das Bild von Prinz Rurik im Bild verwendet wird. Diese historische Figur wird als der erste russische Herrscher interpretiert, dem es gelang, die Rechte auf den Thron an seinen Sohn zu übertragen. Es ist der Moment der Machtübergabe, der sich auf der Leinwand widerspiegelt. Somit wird die Idee der ursprünglichen Existenz der Autokratie in Russland als natürliche Machtform bestätigt, die die Veche-Demokratie ersetzt hat.

Von großer Bedeutung war das Bild von Martha Boretskaya, anschaulich und historisch authentisch vermittelt von D.I. Iwanow in dem Gemälde „Marfa Posadniza (der Einsiedler Theodosius Boretsky überreicht dem jungen Anführer der Nowgoroder Miroslav, der von Marfa Posadniza zum Ehemann ihrer Tochter Xenia ernannt wurde) das Schwert von Ratmir“ (1808, Russisches Museum. Abb. 1). Diese Handlung wurde nicht nur von Malern, sondern auch von Bildhauern reproduziert (Flachrelief von M. G. Krylov „Marfa Posadnitsa bei Theodosius Boretsky“, 1808). Das benannte Grundstück war das Programm des Wettbewerbs von 1808 um die Goldmedaille der Akademie der Künste. Das Gemälde zeigt drei Personen: Martha Boretskaya selbst, ihren Großvater Theodosius und den knienden Miroslav. Die Komposition des Bildes kann als traditionell für die bildende Kunst bezeichnet werden. Kunst XVIII- Anfang des 19. Jahrhunderts. Die Posen der Helden, die Kleidung und der Ausdruck ihrer Gesichter ermöglichen eine direkte Analogie zu antiken Sujets der europäischen Kunst.

Es wird auf den Versuch aufmerksam gemacht, die altrussische Tracht zuverlässig zu vermitteln. Dies gilt für die Kleidung des Einsiedlers Theodosius Boretsky und Martha Posadnitsa. Martha ist im Zentrum der Komposition dargestellt. Sie richtet ihren Blick auf Theodosius und zeigt auf Miroslav, als würde sie ihm einen jungen Mann vorstellen. Die Kleidung von Martha Posadnitsa ist eine Art Kombination aus der traditionellen Tracht einer russischen Adligen und der Kleidung einer römischen Matrone. Eine untergeordnete Position unter den Figuren auf der Leinwand nimmt die Figur Miroslavs ein. Seine Haltung drückt gleichzeitig Ungeduld und Bereitschaft aus, seine Pflicht gegenüber Novgorod zu erfüllen.

Von besonderer Bedeutung bei der Analyse des Bildes des mittelalterlichen Nowgorod ist das Bild des Wolchow-Flusses. Es ist in den skulpturalen Kompositionen "Verbindung der Flüsse Wolchow und Newa" vertreten.
IP Prokofjew (1801, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg) und die Statuen „Volkhov“ von I.P. Prokofjew (1805) und „Newa“ von F.F. Shchedrin (1804), der die Große Kaskade in Peterhof schmückt. Diese Werke sind unter dem Einfluss der antiken Ikonographie entstanden und stehen stilistisch den Bildern von Peter Paul Rubens nahe: Es genügt, an seine „Vereinigung von Erde und Wasser“ (ca. 1618, GE) zu erinnern. IP Prokofjew. Diese Arbeit ist dem Bau des Ladoga-Kanals oder des Kanals von Kaiser Peter dem Großen gewidmet, der auf Initiative des Autokraten gebaut wurde. Auf der Suche nach einer figurativen Lösung wendet sich der Bildhauer der traditionellen Ikonographie von Neptun und Amphitrite zu, russifiziert aber die Figuren. Die Newa und Wolchow sind auf Steinen liegend dargestellt - als ob Fragmente jener Granitblöcke, die beim Bau des Kanals zerkleinert wurden - aus dem eine Quelle entspringt - ein Symbol für die Vereinigung zweier Flüsse zu einem einzigen System und den wirtschaftlichen Wohlstand - Staat zu sein. Die gleiche Idee verkörpern die Skulpturen "Volkhov" und "Neva" auf der Grand Cascade in Peterhof, wo es ähnliche Figuren gibt.

Im ersten Beispiel wird jedoch ein globaleres symbolisches Bild an den Zuschauer gesendet. Das Fehlen von Attributen der Figuren verursacht einige Schwierigkeiten bei der Analyse der Symbolik des Bildes in der Skulptur von I.P. Prokofjew „Verbindung der Flüsse Wolchow und Newa“. Die Newa erscheint als Symbol von St. Petersburg - einer jungen, sich aktiv entwickelnden Hauptstadt Russisches Reich. Was ist dann Wolchow, wenn nicht eine Metapher für das mittelalterliche Nowgorod? Gerade die Anordnung der Figuren gegenüber betont die Identität des politischen und wirtschaftlichen Status von Nowgorod und St. Petersburg, den alten und modernen Hauptstädten Russlands. So stellen die Bilder des Wolchow und der Newa ein symbolisches Bild für den Beginn einer neuen historischen Ära dar, die untrennbar mit den Ursprüngen der russischen Staatlichkeit verbunden ist. Von großem Interesse sind die Rostralsäulen in St. Petersburg (1810). Die nach den Skizzen der Meister J. Kamberlin und F. Thibaut gefertigten Skulpturen am Fuß der Säulen stellen Allegorien von vier russischen Flüssen dar - Wolga, Dnjepr, Newa und Wolchow.

Jede der Skulpturen war mit den Attributen antiker Götter geschmückt, die Wohlstand, Macht, Fülle und Harmonie symbolisierten. Wolchow wird als alter Mann mit einem Stab in der Hand dargestellt. Diese majestätische Figur lässt unweigerlich eine Assoziation mit dem antiken griechischen Gott Poseidon, dem Herrn der Meere und Erdbeben aufkommen – der Stab wurde durch einen Dreizack ersetzt. In der antiken Mythologie war der Dreizack ein Symbol für Schifffahrt und Fischfang – genau jene Wirtschaftszweige, für die Nowgorod zu allen Zeiten berühmt war. Als der Meeresgott den Dreizack an der Küste schlug, verursachte er Erdbeben.

Novgorod mit seiner für die meisten russischen Länder untypischen Veche-Regierungsform erschütterte auch die autokratische Ordnung in Russland. Die Nowgoroder, die nicht nur eine Alternative, sondern eine wirtschaftlich und militärpolitisch wirksame Form der Entwicklung der Staatlichkeit darstellten, ließen verschiedene Formen der Selbstorganisation der Bevölkerung in den russischen Ländern nicht vollständig verschwinden. Eine besondere Form des "Erdbebens" sind außerdem die räuberischen Angriffe der Nowgoroder Uschkuins. Ihre Feldzüge hielten nicht nur die Nachbarn von Nowgorod in Atem, sondern auch die Bewohner ziemlich abgelegener Länder. Wie wir sehen, war die Wahl des Bildes von Poseidon als allegorische Inkarnation von Nowgorod durchaus berechtigt.Die Skulpturen, die den Fuß der Rostralsäulen schmücken, spiegeln auch die historische Konfrontation zwischen Nowgorod und Moskau wider.

Die Allegorie der Newa kann als Metapher für die Hauptstadt Russlands angesehen werden [Novgorod ist eine Allegorie der demokratischen Prinzipien der Staatlichkeit in den russischen Ländern. Nach seiner Zerstörung durch Iwan den Schrecklichen verlor es seine wirtschaftliche, militärische, aber nicht symbolische Bedeutung. Der Grund dafür ist, dass es nach dem 16. Jahrhundert keine Form von Demokratie gab, außer den kosakischen Freien in den russischen Ländern. Die Kosaken befanden sich zu weit von den heimischen russischen Ländern entfernt. Ihre Lebensweise war äußerst spezifisch und in vielerlei Hinsicht weit entfernt vom Leben eines kommunalen Bauern. Teilweise verschmolzen in den Studien des 19. Jahrhunderts das Bild der kosakischen Freien mit dem Bild Nowgorods. Das entgegengesetzte Symbol ist das Bild der autokratischen Macht, das sich konsequent im Bild von Moskau zeigt - dem politischen Zentrum, dessen Herrscher systematisch russische Ländereien sammelten, das Regierungssystem vereinheitlichten und die Macht des Monarchen stärkten. Innenpolitik Peter der Große hatte einen ähnlichen Vektor. Seit die Hauptstadt nach St. Petersburg verlegt wurde, übernahm er die semantische Last Moskaus als Hauptstadt des autokratischen Russland. In den Werken der Dekabristen lässt sich dieser Begriff ganz eindeutig nachvollziehen. Bis zu einem gewissen Grad ist Radischtschew und seine „Reise von St. Petersburg nach Moskau“ Radischtschew und seine „Reise von St. Petersburg nach Moskau“ (siehe für weitere Einzelheiten: Abramenko VA Medieval Novgorod durch die Augen der Nachkommen (basierend auf Dokumenten des 18. bis frühen 20. Jahrhunderts). Jahrhunderte) Rostov n / a, 2011. 312 S.)] sowie die Allegorie Wolchows als Metapher für Nowgorod.

Das Bild der Newa ist weitgehend mit dem Bild der Göttin Athene - der Göttin des organisierten Krieges und der Weisheit - und das Bild von Wolchow mit dem Bild des Meeresgottes Poseidon - dem Schutzpatron der Schifffahrt - verbunden. So kann die Tatsache der Konfrontation zwischen der Republik Novgorod veche und dem Moskauer Fürstentum mit der alten Verschwörung der Konfrontation zwischen Athena und Poseidon um das Recht auf Besitz von Athen verglichen werden. Die Athener erkannten die Göttin der Weisheit als Schutzpatronin der Stadt an. Die allegorische Bedeutung dieser Handlung im Kontext Russische Geschichte kann als Ausdruck der Unterstützung der Forderungen Moskaus während des Konflikts zwischen den beiden alten russischen Städten durch die Bevölkerung interpretiert werden. Bemerkenswert ist, dass die Figuren der Newa und Wolchow an der gleichen Säule präsentiert werden, was die historische Kontinuität symbolisiert Altes Russland bis petrinisches Russland, von Weliki Nowgorod bis Petersburg. Schaffung von Kunstwerken in der Hauptstadt durch ausländische Bildhauer Russischer Staat, mit einer ähnlichen Symbollast, ist eine Bestätigung der tiefen Verwurzelung bestimmter stereotyper Bilder-Symbole in der Gesellschaft Staatsmacht. Die Entstehung solcher Bilder war das Ergebnis eines konsequenten Langzeitprozesses, der sich in den Werken der Absolventen der Akademie der Künste widerspiegelte.

Daraus lässt sich schließen, dass die emotional orientierten Erscheinungssphären des sozialen Denkens einen signifikanten Einfluss haben, d.h. Bildende Kunst und Dramaturgie im 18. – frühen 19. Jahrhundert, zur Ideenbildung über alte Geschichte Russland und speziell über das mittelalterliche Nowgorod. Sie ermöglichten es, bestimmte stereotype Vorstellungen schnell und effektiv in die Köpfe großer Kreise einzubringen und waren in dieser Funktion sowohl von den Kaisern persönlich (Katharina II.) als auch von thronnahen aufgeklärten Intellektuellen gefragt, die Programme für Kunstwerke entwickelten. Im Zusammenhang mit der Erstarkung der absoluten Monarchie und der Notwendigkeit, gegen die adelige Opposition im 18. Jahrhundert zu kämpfen, waren solche Formen der Einflussnahme auf das historische Bewusstsein für die Obrigkeit besonders notwendig. Nicht umsonst konzentrieren sich die genannten Werke der bildenden Kunst und Dramaturgie vor allem auf die Hauptstadt und stehen (sowohl materiell als auch semantisch) vor allem Vertretern des Adels zur Verfügung.

Das Ergebnis einer solchen systematischen, zielgerichteten Bildung des historischen Gedächtnisses unter Vertretern der gebildeten Gesellschaft Russlands war die Hinzufügung einseitiger Vorstellungen über einige Tatsachen der historischen Vergangenheit. In den Köpfen der Generation des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. künstlich geformte Bilder wurden als natürliche fixiert. Dies zeigt sich in separaten Bildern mit semantischer Aufladung, die insbesondere von den Dekabristen und ihren Sympathisanten verwendet wurden. Ein bedeutender Einfluss antiker Bilder und Allegorien bleibt bestehen, ebenso wie stereotype Vorstellungen über die historische Vergangenheit Russlands, die von den offiziellen Behörden im 18. Jahrhundert eingeführt wurden, aber jetzt als Axiome akzeptiert werden. Die Folge war, dass sich die Autoren überwiegend rational orientierten Formen des gesellschaftlichen Denkens (historische Schriften, Literatur, Dichtung) zuwandten, um ihre eigenen Ansichten möglichst breit zu verbreiten. Möglich und logisch gerechtfertigt wurde dies unter der Bedingung eines tiefen Eindringens der Semantik der verwendeten Bilder in das öffentliche und individuelle Bewusstsein.