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Vorträge über Kunst von Professorin Paola Volkova
Buch 1
Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Erstellt im intellektuellen Verlagssystem Ridero

Vorwort

Sie halten das erste Buch in Ihren Händen, das einzigartige Vorträge der Kunstgeschichtsprofessorin Paola Dmitrievna Volkova enthält, die sie im Zeitraum 2011-2012 bei den Höheren Kursen für Regisseure und Drehbuchautoren gehalten hat.

Volkova Paola Dmitrievna

Wer das Glück hatte, den Vorträgen dieser erstaunlichen Frau beizuwohnen, wird sie nie vergessen.

Paola Dmitrievna ist eine Schülerin großartiger Persönlichkeiten, darunter Lev Gumilyov und Merab Mamardashvili. Sie unterrichtete nicht nur an der VGIK und an den Höheren Kursen für Regisseure und Drehbuchautoren, sondern war auch die weltweit führende Expertin für Tarkovskys Werk. Paola Volkova hielt nicht nur Vorträge, sondern schrieb auch Drehbücher, Artikel und Bücher, veranstaltete Ausstellungen, rezensierte und moderierte Fernsehsendungen zum Thema Kunst.

Diese außergewöhnliche Frau war nicht nur eine brillante Lehrerin, sondern auch eine großartige Geschichtenerzählerin. Durch ihre Bücher, Vorträge und Gespräche vermittelte sie ihren Schülern und Zuhörern einen Sinn für Schönheit.

Paola Dmitrievna wurde mit verglichen Bibliothek von Alexandria, und ihre Vorträge wurden nicht nur für normale Menschen, sondern auch für Fachleute zu einer Offenbarung.

Sie verstand es, in Kunstwerken zu sehen, was normalerweise vor neugierigen Blicken verborgen blieb, sie wusste genau das Geheimsprache Charaktere und konnte am meisten in einfachen Worten Erklären Sie, was dieses oder jenes Meisterwerk enthält. Sie war eine Stalkerin, eine Führerin und Übersetzerin zwischen den Epochen.

Professorin Volkova war nicht nur ein Schatz an Wissen, sie war eine mystische Frau – eine Frau ohne Alter. Ihre Geschichten über das antike Griechenland, die Kultur Kretas, die Philosophie Chinas, die großen Meister, ihre Schöpfungen und Schicksale waren so realistisch und voller kleinster Details, dass unwillkürlich der Gedanke aufkam, dass sie selbst nicht nur in dieser Zeit lebte, sondern auch persönlich kannte jeden, von dem die Geschichte erzählt wurde.

Und jetzt, nach ihrer Abreise, haben Sie eine großartige Gelegenheit, in die Welt der Kunst einzutauchen, die Sie vielleicht nicht einmal vermutet haben, und wie ein durstiger Wanderreisender aus der reinsten Quelle des Wissens zu trinken.

Vorlesung Nr. 1. Florentiner Schule – Tizian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Wolkowa: Ich schaue auf die dünner werdenden Reihen ...

Studenten: Nichts, aber nehmen wir die Qualität.

Wolkowa: Was interessiert mich? Ich brauche das nicht. Du brauchst das.

Studenten: Wir werden ihnen alles erzählen.

Wolkowa: Also. Wir haben sehr wichtiges Thema mit dem wir das letzte Mal begonnen haben. Wenn Sie sich erinnern, haben wir über Tizian gesprochen. Hören Sie, ich möchte Sie Folgendes fragen: Erinnern Sie sich, dass Raphael Schüler der Florentiner Schule war?

Studenten: Ja!

Wolkowa: Er war ein Genie und sein Genie hatte eine sehr interessante Wirkung. Ich habe noch nie einen perfekteren Künstler gesehen. Er ist das Absolute! Wenn man seine Dinge betrachtet, beginnt man ihre Reinheit, Plastizität und Farbe zu verstehen. Eine absolute Verschmelzung von Platon und Aristoteles. In seinen Gemälden gibt es genau das aristotelische Prinzip, den aristotelischen Intellektualismus und die aristotelische Konzeptualität, die neben dem hohen platonischen Prinzip stehen, mit solch einer Perfektion der Harmonie. Es ist kein Zufall, dass er in der „Schule von Athen“ unter dem Bogen Platon und Aristoteles nebeneinander gehend malte, denn bei diesen Menschen gibt es keine innere Lücke.

Athener Schule

Die Florentiner Schule hat ihren Ursprung in der Giottianischen Dramaturgie, in der nach einem bestimmten Raum und einer bestimmten Einstellung zum Philosophieren gesucht wird. Ich würde sogar poetisches Philosophieren sagen. Aber die Venezianer sind eine ganz andere Schule. Was diese Schule betrifft, habe ich dieses Stück von Giorgione „Madonna von Castelfranco“ genommen, wo der heilige Georg eher an Voltaires Jeanne d'Arc erinnert.

Schau sie an. Die Florentiner konnten die Madonna nicht so malen. Schau, sie ist mit sich selbst beschäftigt. Solch eine spirituelle Isolation. Es gibt Momente auf diesem Bild, die es sicherlich noch nie gegeben hat. Das ist Reflexion. Dinge, die mit Reflexion zu tun haben. Der Künstler gibt eine Art innere Bewegung schwierige Momente, aber nicht psychologischer Richtung.

Madonna von Castelfranco

Wenn wir zusammenfassen, was wir über die Venezianer und über Tizian wissen, dann können wir sagen, dass man in einer Welt, die Venedig mit seinem besonderen Leben, mit seiner komplexen sozialen Produktivität und seinen historischen Turbulenzen einfängt, die innere Aufladung eines Menschen sowohl sehen als auch spüren kann System, das zum Auslaufen bereit ist. Schauen Sie sich dieses Tizian-Porträt an, das in der Galerie des Pitti-Palastes hängt.

Porträt eines unbekannten Mannes mit grauen Augen

Aber zuerst muss ich in unserer vertrauten Gesellschaft zugeben, dass ich einmal in diesen Kameraden auf dem Bild verliebt war. Tatsächlich habe ich mich gleich zweimal in die Bilder verliebt. Das erste Mal verliebte ich mich als Schulmädchen. Wir hatten zu Hause ein Hermitage-Album aus der Vorkriegszeit, auf dem ein Porträt abgebildet war junger Mann in einem Gewand, gemalt von Van Dyck. Er malte den jungen Lord Philip Warren, der genauso alt war wie ich. Und ich war so fasziniert von meinem Kollegen, dass ich mir natürlich sofort unsere wunderbare Freundschaft mit ihm vorstellte. Und wissen Sie, er hat mich vor den Jungs im Hof ​​gerettet – sie waren vulgär und streitsüchtig, aber hier haben wir so hohe Verwandte.

Aber leider bin ich erwachsen geworden und er nicht. Das war der einzige Grund, warum wir uns getrennt haben (Lachen). Und meine zweite Liebe geschah, als ich Student im zweiten Jahr war. Ich habe mich in das Porträt eines unbekannten Mannes mit grauen Augen verliebt. Wir waren einander lange Zeit nicht gleichgültig. Ich hoffe, Sie sind mit meiner Wahl einverstanden?

Studenten: Zweifellos!

Wolkowa: In diesem Fall bewegen wir uns in einem Bereich, der für unsere Beziehung zu Kunst oder Kunstwerken sehr interessant ist. Erinnern Sie sich, wie wir die letzte Lektion beendet haben? Ich habe gesagt, dass die Bildoberfläche des Gemäldes selbst wertvoll wird. Es selbst ist bereits der Inhalt des Bildes. Und Tizian hatte immer diesen absolut malerischen Eigenwert. Er war ein Genie! Was passiert mit seinen Gemälden, wenn man die Bildschicht entfernt und nur die Untermalung übrig lässt? Nichts. Sein Gemälde wird ein Gemälde bleiben. Es wird immer noch ein Kunstwerk bleiben. Von innen. Auf der intrazellulären Ebene, der Grundlage, ist es das, was einen Maler zu einem brillanten Künstler macht. Und äußerlich wird es zu einem Gemälde von Kondinsky.

Es ist sehr schwierig, Tizian mit anderen zu vergleichen. Er ist fortschrittlich. Schauen Sie, wie er durch den Schatten, der auf die silberfarbene Wand fällt, dieses Porträt malerisch mit dem Raum verbindet, in dem diese Person lebt. Sie können sich gar nicht vorstellen, wie schwierig es ist, zu schreiben. Was für eine erstaunliche Kombination aus einem hellen, silbrig vibrierenden Raum, diesem Pelzmantel, den er trägt, einer Art Spitze, rötlichen Haaren und sehr hellen Augen. Graublaue Schwingung der Atmosphäre.

Er hat ein Gemälde, das hängt... Ich weiß nicht mehr, wo, weder in London noch im Louvre. Nein, definitiv nicht im Louvre, in der National Gallery in London. Auf diesem Bild sitzt also eine Frau mit einem Baby im Arm. Und wenn man es betrachtet, kommt es einem vor, als wäre dieses Gemälde zufällig hierher gekommen, denn es ist einfach unmöglich, sich vorzustellen, dass es sich um ein Werk von Tizian handelt. Es wurde in einer Weise gemalt, die an etwas zwischen Claude Monet und Pissarro erinnert – in der Pointillismus-Technik, die genau dieses Zittern des gesamten Bildraums erzeugt. Du kommst näher und traust deinen Augen nicht. Dort sind weder die Absätze noch das Gesicht des Babys mehr zu sehen, aber nur eines ist sichtbar: Es hat Rembrandt an Freiheit übertroffen. Es ist kein Zufall, dass Wassili Kondinsky sagte: „Es gibt nur zwei Künstler in der Weltkunst, die ich abstrakte Maler nennen kann.“ Nicht unobjektiv – sie sind objektiv, aber abstrakt. Das sind Tizian und Rembrandt. Und warum? Denn wenn sich vor ihnen alle Malerei wie Malerei verhielt, die einen Gegenstand färbt, dann schloss Tizian das Moment der Färbung ein, das Moment der Malerei als vom Gegenstand unabhängige Farbe. Wie zum Beispiel „St. Sebastian“ in der Eremitage. Wenn man ihm ganz nahe kommt, sieht man nichts als malerisches Chaos.

Es gibt ein Gemälde, das man, wenn man vor der Leinwand steht, endlos betrachten kann. Es ist sehr schwer, es in Worte zu fassen, da es sich um eine völlig willkürliche impressionistische Lesart handelt, die Lesart der Charaktere oder Persönlichkeiten, die er schreibt. Dabei spielt es keine Rolle, wen man ansieht: Piero della Francesco oder den Umbristenherzog Federico da Montefeltro.

Heiliger Sebastian

Dies ist nur ein Anschein des Lesens. Hier liegt etwas sehr Sinnvolles, denn eine eindeutige Angabe ist nicht möglich Gesamte Beschreibung Mensch, denn es gibt Energie und das, was jeder von uns in sich selbst offenbart oder verbirgt. Das ist alles komplexer Text. Wenn Tizian ein Porträt eines Mannes malt, betont er das Gesicht, die Gestik und die Hände. Der Rest ist irgendwie versteckt. Alles Weitere baut auf dieser Dramaturgie auf.

Aber kehren wir noch einmal zum Porträt eines unbekannten Mannes mit grauen Augen zurück. Tatsächlich ist dies Ippolito Riminaldi. Schauen Sie, wie er den Handschuh hält. Wie ein Dolch. Man wird nicht mit einer Figur konfrontiert, sondern mit einem sehr komplexen Individuum. Tizian ist seinen Zeitgenossen gegenüber sehr aufmerksam. Er versteht sie und lässt sie, wenn er ihre Bilder schafft, in einer besonderen Tizian-Sprache zu uns sprechen. Er schafft etwas Außergewöhnliches historische Welt und das Porträt von Riminaldi ist etwas Unglaubliches. Schließlich kann die Kraft und dauerhafte Relevanz dieses historischen Gemäldes nur mit Shakespeare verglichen werden.

Und schauen Sie sich das Porträt von Paul III. und seinen beiden Neffen an. Ich habe dieses Bild im Original gesehen. Das ist ein unglaublicher Anblick! Es scheint mit Blut geschrieben zu sein, nur in unterschiedlichen Tönen. Es wird auch Rot genannt und verzerrt das Farbschema, das Tizian für das Gemälde festgelegt hat. Erstmals wird Farbe aus der Formdefinition: Tasse, Blume, Hand, zum Inhalt der Form.

Paul III. mit seinen Neffen

Studenten: Paola Dmitrievna, was ist mit der Leinwand selbst?

Wolkowa: Ich sage es dir jetzt. Da gibt es viele Verzerrungen. Sehen Sie, dass Rot die dominierende Farbe ist? Aber Sie werden nicht einmal sehen, welche Farben die Beine und der Vorhang haben. Man nimmt diese Farbe einfach nicht wahr, weil dem „Blutbecken“ Dicke hinzugefügt wurde. Blutiges Jahrhundert, blutige Taten.

Studenten: Blutige Herzen.

Wolkowa: Blutige Herzen. Und grausame Herzen. Im Allgemeinen eine blutige Verbindung zwischen den Zeiten. Nehmen wir den gleichen Vorhang. Es scheint, dass sie mit dem Blut von Menschen, Tieren oder irgendjemand anderem getränkt und dann gestorben und gehängt wurde. Wenn Sie sich das Original ansehen, glauben Sie mir, es wird gruselig. Geistig schwierig. Der Papst hat einen Schatten auf seinem Rock. Siehst du? Wenn man näher kommt, fühlt es sich an, als ob dieses Material mit blutigen Händen angegriffen wurde. Alle Schatten hier sind rot. Und wie schwach und senilverfault der Umhang aussieht ... Da ist so eine Ohnmacht darin. Hintergrund voller Blut...

Studenten: Wer steht neben Papa?

Wolkowa: Die Antwort liegt im Titel selbst (Lachen). Neffen. Hinter dem Papst steht Kardinal Arsenius, rechts Hippolytus. Wissen Sie, sehr oft nannten Kardinäle ihre eigenen Kinder Neffen. Sie haben sich um sie gekümmert und ihnen geholfen, Karriere zu machen.

Schauen Sie sich die Mütze an, die Kardinal Arseny auf dem Kopf trägt, und sein blasses Gesicht. Und dieser Typ rechts? Es ist etwas! Sein Gesicht ist rot und seine Beine sind lila! Und Papa sitzt wie in einer Mausefalle – er kann nirgendwo hingehen. Hinter ihm steht Arseny und daneben ein echter Shakespeare-Jago, als würde er sich mit leisen Schritten anschleichen. Und Papa hat Angst vor ihm. Schauen Sie, wie er seinen Kopf in seine Schultern drückte. Tizian hat ein schreckliches Bild gemalt. Was für ein Drama! Das ist echte Bühnendramaturgie und er agiert hier nicht als Dramatiker Tizian, sondern als Geschichtenerzähler, wie Shakespeare. Weil er auf dem gleichen Niveau und in der gleichen Intensität ist und Geschichte nicht als eine Geschichte von Tatsachen, sondern als eine Geschichte von Handlungen und Taten versteht. Und Geschichte wird durch Gewalt und Blut gemacht. Geschichte ist es nicht Familienbeziehungen und das ist natürlich das dominierende Merkmal von Shakespeare.

Studenten: Darf ich Sie etwas fragen? Hat der Papst ein solches Gemälde bestellt? Blutig?

Wolkowa: Ja, stellen Sie sich vor. Darüber hinaus schrieb er dem Papst noch schlimmer. In Toledo, im Dom, es gibt eine riesige Galerie und sie enthält ein so schreckliches Porträt des Papstes. Das ist einfach eine Art Horror-Horror-Horror. „Zar Koschey sitzt und schmachtet über seinem Gold.“

Er hat so dünne Finger, trockene Hände, einen gesenkten Kopf und keinen Hut. Das ist etwas Beängstigendes. Und stellen Sie sich vor, die Zeit vergeht, das Bild wird angenommen und es geschieht ein wunderbares Ereignis. Dieser Hippolyt ertränkt seinen Bruder Kardinal im Tiber, denselben, den Tizian mit einem blassen Gesicht, wie das eines großen Märtyrers, gemalt hat. Er tötete ihn und warf ihn in den Tiber. Warum? Sondern weil er seiner Beförderung zum Kardinal im Wege stand. Danach, nach einiger Zeit, wird Hippolytus selbst Kardinal. Und dann wollte er Papst werden und erwürgte Paul III. mit einer Seidenschnur. Tizians Visionen waren einfach erstaunlich.

Im Allgemeinen ist es unmöglich, alles zu zeigen und seine Porträts sind unterschiedlich, aber je älter Tizian wird, desto erstaunlicher wird ihre Malerei. Schauen wir uns das Porträt Karls V. an, das in München hängt.

Es heißt, dass Charles ihm Pinsel und Wasser gegeben habe, als Tizian es malte. Dies ist ein riesiges und vertikales Porträt. Karl sitzt auf einem Stuhl, ganz in Schwarz, so ein willensstarkes Gesicht, schwerer Kiefer, gesenkter Kopf. Aber es gibt etwas Seltsames: Zerbrechlichkeit in seiner Haltung und im Allgemeinen ist er irgendwie flach und verschwindet. In der Form scheint es feierlich gezeichnet zu sein, aber im Wesentlichen ist es sehr beunruhigend und sehr schmerzhaft. Diese graue Landschaft: eine vom Regen ausgewaschene Straße, herabhängende Bäume, in der Ferne ein kleines Haus oder eine Hütte. Erstaunliche Landschaft, sichtbar durch die Öffnung der Säule. Ein unerwarteter Kontrast zwischen der Feierlichkeit des Porträts und Karls sehr seltsamem, nervösem Zustand, der überhaupt nicht seiner Position entspricht. Und dies erwies sich auch als prophetischer Moment. Was ist hier los?

Grundsätzlich ist alles in einer Farbe geschrieben, es gibt einen roten Teppich oder einen Teppich – eine Kombination aus Rot und Schwarz. Ein Wandteppich, eine Säule, aber es ist nicht klar: Das Fenster ist kein Fenster, die Galerie ist keine Galerie und diese verschwommene Landschaft. Die Hütte steht und alles ist grau und langweilig, wie auf Levitans späteren Gemälden. Wirklich armes Russland. Der gleiche Schmutz, Herbst, ungewaschen, unordentlich, seltsam. Aber Karl V. sagte immer, dass die Sonne in seinem Land nie untergeht. Er hat Spanien und Flandern in der Tasche, er ist der Kaiser des gesamten Weströmischen Reiches. Alle! Plus die Kolonien, die mit Dampfschiffen arbeiteten und Waren transportierten. Riesige Piratenbewegung. Und solche grauen Farben im Porträt. Wie hat er sich in dieser Welt gefühlt? Und was denkst du? Eines schönen Tages setzt Karl ein Testament auf, in dem er sein Reich in zwei Teile teilt. Einen Teil, zu dem Spanien, die Kolonien und Flandern gehören, überlässt er seinem Sohn Philipp II. und den westeuropäischen Teil des Reiches seinem Onkel Maximilian. Das hat noch nie jemand gemacht. Er war der erste und einzige, der unerwartet auf den Thron verzichtete. Warum verhält er sich so? Damit es nach seinem Tod keinen Bürgerkrieg geben würde. Er hatte Angst vor einem Krieg zwischen seinem Onkel und seinem Sohn, da er beide sehr gut kannte. Was kommt als nächstes? Und dann organisiert er seine eigene Beerdigung und schaut am Fenster stehend zu, wie er beerdigt wird. Nachdem er dafür gesorgt hatte, dass die Beerdigung nach den höchsten Standards durchgeführt wurde, ging er sofort zum Kloster und legte die Mönchsgelübde ab. Er lebt und arbeitet dort seit einiger Zeit.

Studenten: Hat der Papst hierzu seine Zustimmung gegeben?

Wolkowa: Und er hat ihn nicht gefragt. Er ist für alle gestorben. Er würde es nicht einmal wagen, einen Laut von sich zu geben.

Studenten: Was machte er im Kloster?

Wolkowa: Er baute Blumen an und arbeitete im Garten. Wurde Gärtner. Wir werden noch einmal darauf zurückkommen, wenn wir über die Niederlande sprechen. Es ist nicht klar, ob Tizians Landschaft eine solche Wirkung auf ihn hatte oder ob Tizian als genialer Mann im Fenster etwas sah, das noch nie jemand gesehen hatte, nicht einmal Karl selbst. Ein Fenster ist immer ein Fenster in die Zukunft. Weiß nicht.

Tizians Werke müssen gesehen werden. Eine Reproduktion unterscheidet sich stark vom Original, denn letzteres ist das raffinierteste und komplexeste Gemälde, das es auf der Welt geben kann. Aus der Sicht der Kunst oder der Last, die Kunst aufnehmen kann, oder der Informationen, die uns ein Maler geben kann. Er ist wie Velasquiz der Künstler Nummer eins. Ein Mensch beschreibt diese Zeit im vollständigen Alphabet seiner Zeit. Wie sonst kann ein Mensch, der in der Zeit lebt, sie von außen beschreiben? Er ist wohlhabend, er wird freundlich behandelt, er ist der erste Mann Venedigs, gleichberechtigt mit dem Papst, gleichberechtigt mit Karl, und die Menschen, die neben ihm lebten, wussten das, denn mit seinen Pinseln verlieh er ihnen Unsterblichkeit. Na, wer braucht schon jeden Tag über Karl reden?! Das sagt man, weil er dem Künstler die Pinsel überreichte. Je mehr Ausflüge sie machen, desto mehr reden sie darüber. Wie Bulgakov in „Der Meister und Margarita“ schrieb: „Du wirst in Erinnerung bleiben und sie werden sich auch an mich erinnern.“ Wer braucht noch Pontius Pilatus? Und so wandern sie im Finale Seite an Seite den Mondpfad entlang. Deshalb sagte Achmatowa: „Der Dichter hat immer Recht.“ Dieser Satz gehört ihr.

Und der Künstler hat immer Recht. Und in jenen fernen Zeiten verstanden die Medici, wer Michelangelo war. Und Julius II. hat das verstanden. Und Karl verstand, wer Tizian war. Ein Schriftsteller braucht einen Leser, ein Theater braucht einen Zuschauer und ein Künstler braucht Charakter und Wertschätzung. Nur dann klappt alles. Und Sie werden Karl V. genau so schreiben können und nicht anders. Oder Papst Paul III. und er wird es akzeptieren. Und wenn es keinen Leser und Zuschauer gibt, wenn es nur Glasunow gibt, vor dem Breschnew sitzt, dann wird es nichts geben. Wie Brechts Held, der Arthur das Schauspiel beibrachte, sagte: „Ich kann jeden Bismarck aus dir machen!“ Sagen Sie mir einfach, welchen Bismarck Sie brauchen.“ Und sie wollen immer dies und das. Offensichtlich sind sie Idioten. Und Sie fragen, ob er akzeptiert hat. Und deshalb habe ich es akzeptiert. Der Maßstab ist definiert, ebenso die Ära. Tizian existiert nicht im luftleeren Raum. Es gibt keinen Shakespeare im luftleeren Raum. Alles sollte auf der Ebene sein. Es muss ein Umfeld für den Einzelnen vorhanden sein. Historische Zeit, aufgeladen mit einem bestimmten Maß an Charakteren und Manifestationen. Geschichte und Schöpfungen. Sie selbst waren Schöpfer. Und obwohl hier viele Komponenten am Werk sind, konnte noch nie jemand so schreiben wie Tizian. Allein durch das Verständnis von Form und Sprache, in diesem Fall bei Tizian, ist Farbe erstmals keine Konstruktion wie bei Raffael, sondern Farbe wird zu einer psychologischen und dramatischen Form. Das ist es interessante Sache. Das heißt, Malerei wird zum Inhalt.

Nehmen wir das gleiche „Reiterporträt“ von Karl V. im Prado, das auf sehr interessante Weise aufgehängt ist. Wenn Sie vor der Treppe zum zweiten Stock stehen, hängt er direkt vor Ihnen. Mit welchen Worten lässt sich dieser Schock beschreiben? Das Bild ist unglaublich! Aber ich kenne dieses Bild sehr gut. Die Person, die in der Geschichte steckt. Darin schneiden sich zwei Punkte: innen und außen. Tizian, ein damals lebender Zeitgenosse, beschrieb diesen Feldherrn mit seiner prophetischen Intuition als den Reiter des Todes. Und nichts weiter. Großartiger Kommandant, großer König, ein schwarzes Pferd, wieder diese rote Farbe, die scharlachrote Farbe des Blutes einer blutigen Geschichte: auf dem Speer, im Gesicht, auf der Rüstung, auf diesen gefärbten Straußenfedern, die damals in Mode kamen. Sonnenuntergang, Asche und Blut. Nicht Sonnenaufgang, sondern Sonnenuntergang. Er schreibt vor dem Hintergrund eines ascheroten Sonnenuntergangs. Der ganze Himmel ist Asche und Blut. Sie stehen also vor dem Gemälde und verstehen, dass vor Ihnen nicht nur das Porträt einer Person liegt, sondern eine Art globales Verständnis, zu dem Picasso erst im 20. Jahrhundert aufsteigen wird. Und natürlich kommt bei ihm viel in die Malerei mit, auch von Giorgiona. Das ist eine ganze Kunstbewegung, ein ganzes Genre, ein neues – das Genre des nackten Körpers, das viele Dinge vereint. Und ich wiederhole es trotzdem: Du wirst nie alles vollständig sehen und verstehen können... Was ist das, was ist das? Was ist das für eine junge Dame?

„Reiterporträt“ von Karl V

Studenten: Es ist Manet! Olympia!

Wolkowa: Nun, natürlich. Natürlich. Was sagen Sie dazu? Hat das etwas mit Tizian zu tun?

„Olympia“ von Edouard Manet ist der Beginn der europäischen Malerei. Keine schöne Kunst, sondern Malerei. Darauf stellte er eine Feministin dar – eine echte, neue Frau jener Zeit, die nackt vor der Künstlerin – Herzogin Isabella Testa – posieren konnte. Dies war eine Zeit, in der Kurtisanen die Welt beherrschten. Und sie, die Herzogin von Urbino, scheint uns zu sagen: „Ich bin nicht nur sehr moderne Frau, aber es ist eine große Ehre für mich, Kurtisane zu sein.“

Olympia – Manet

Die damaligen Kurtisanen waren keine Frauen aus den schmutzigen Vorstädten. Nein! Sie waren Hetären: klug, gebildet, präsentationsfähig, Impulsgeber für die Gesellschaft. Höchster Impuls! Sie hatten ihre eigenen Clubs oder Salons, in denen sie ihre Gäste empfingen.

Quiz Meran war berühmte Kurtisane und geliebtes Mana.

Er schrieb oft über diese hemmungslose Frau, und parallel zu ihr entstanden die wunderbaren Romane von Zola, Balzac, George Sand und was sie beschrieben, waren nicht nur Moral, nicht nur Geschichte in der Literatur, sondern hohe, sehr sensible Instrumente der Zeit. Geh zurück, um vorwärts zu gehen! Mane sagte absolut beklagenswert: „Ich gehe dorthin, um da rauszukommen. Ich gehe einen Schritt zurück, um die Kunst nach vorne zu werfen!“ Manet folgt Tizian. Warum folgt er ihm? Denn von hier aus fahren die Züge ab. Er kehrt zu diesem Punkt zurück, um weiterzumachen. Wie der wunderbare Khlebnikov sagte: „Um zum Oberlauf vorzudringen, müssen wir bis zur Mündung aufsteigen.“ Das heißt, bis zur Quelle, wo der Fluss fließt.

Quiz Meran

Ich denke, du verstehst alles.

Niemand kannte Tizians Geheimnisse. Das heißt, sie wussten, was er schrieb, konnten aber nicht verstehen, was dort vor sich ging. Und seine Schatten sind ein echtes Mysterium. Die Leinwand wird mit einer bestimmten Farbe grundiert, die bereits durchscheinend ist. Und das ist außergewöhnliche Magie. Mit zunehmendem Alter schrieb Tizian immer besser. Als ich „St. „Sebastian“, ich muss ehrlich sagen, ich konnte den Schreibstil nicht nachvollziehen und bisher hat es auch niemand verstanden.

Wenn man in einer gewissen Entfernung vom Gemälde steht, versteht man, was gemalt ist, aber wenn man näher kommt, kann man nichts sehen – es ist nur ein Durcheinander. Nur ein malerisches Durcheinander. Er hat die Farbe mit der Hand geknetet, Spuren seiner Finger sind darauf sichtbar. Und dieser Sebastian ist ganz anders als alles, was zuvor geschrieben wurde. Hier stürzt die Welt ins Chaos und die Farbe, mit der er malt, ist dieselbe Farbe.

Sie sehen abstrakte Malerei, weil die Farbe des Gemäldes nicht hervorsticht. Es selbst ist der Inhalt. Das ist ein erstaunlicher Schrei und ein Schrei der Leere, aber denken Sie nicht, dass das alles Zufall ist. Die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts, das Ende des 16. Jahrhunderts – es war eine besondere Zeit. Einerseits war dies der größte Punkt in der Entwicklung des Humanismus der Kunst und des europäischen Genies und der europäischen Wissenschaft, denn es gab Galileo und Bruno. Sie haben keine Ahnung, wer Giordano Bruno war! Und er war der Erste, der sich mit Grönland und seiner Forschung beschäftigte, der sagte, womit sich die Wissenschaft erst jetzt nähert. Er war sehr übermütig. Auf der anderen Seite wirkten der Puritanismus, die Inquisition, der Orden der Isuiten bereits in diesem intensiven und komplexen kreativen Zustand. Die internationale Gemeinschaft kristallisiert sich heraus. Und ich würde sagen: eine Gemeinschaft linker Intellektueller. Wie interessant, sie waren fast alle gegen die Reformation. Kannst Du Dir vorstellen? Sie waren alle gegen Martin Luther. Shakespeare war zweifellos Katholik und Anhänger der Stuart-Partei. Das steht außer Zweifel. Nicht einmal Anglikaner, sondern Anhänger der Stuart-Partei und Katholik.

Dürer, der aus der ersten protestantischen und völlig spießbürgerlichen Stadt Nürnberg stammte, war der glühendste Gegner Martin Luthers, und als er starb, schrieb Willy Byte Prinz Geimer (?), der mit seinem sehr großen Freund, dem Geometer Chertog, korrespondierte: „Martin Luther wurde von seiner eigenen Frau getötet. Er ist nicht an seinem eigenen Tod gestorben – sie sind für seinen Tod verantwortlich.“

Das Gleiche gilt für Michelangelo. Denken Sie nicht, dass sie gelebt haben, ohne etwas voneinander zu wissen. Sie waren Teil einer sehr interessanten Gemeinschaft unter der Leitung von Jan van Achen, den wir als Hieronymus Bosch kennen. Und er war das Oberhaupt dieses Kreises von Menschen, die sich Adamiten nannten und apokalyptisch waren. Sie haben keine Werbung gemacht und wir haben erst vor relativ kurzer Zeit von ihnen erfahren, aber Bulgakov wusste von ihnen. Wenn ich Bosch lese und er außer „Apokalypse“ und „Das Jüngste Gericht“ nichts anderes geschrieben hat, dann lese ich Ihnen Bulgakow vor. Er hat viele Zitate von Bosch. Und auf der Adamite-Theorie basiert „Heart of a Dog“, und ich werde es buchstäblich beweisen. Das Bild von Kunst und Leben ist recht komplex.

Wussten Sie, dass Michelangelo am Ende seines Lebens in derselben Sektenkapelle, in der er die Decke bemalte, „Das Jüngste Gericht“ an die Wand schrieb? Und alle begannen, „Das Jüngste Gericht“ zu schreiben. Sie begannen, ein tragisches Ende, eine Apokalypse zu schreiben. Nicht die Anbetung der Heiligen Drei Könige, sondern die Apokalypse. Sie waren sich dessen bewusst. Sie legen das Datum fest, an dem es begann. Es war eine bestimmte Gruppe von Menschen. Aber was für Namen! Dürer, Leonardo – alles. Das Zentrum dieser Gemeinschaft lag in den Niederlanden. Sie schrieben Botschaften an die Päpste. Wir leben in Unwissenheit und wissen nicht, was in der Welt geschah, weil die Geschichte, die wir lesen, entweder unwissend oder ideologisch geschrieben ist. Als ich Zugang zu realer Literatur erhielt, war ich erstaunt darüber, inwieweit Geschichte in unserem Verständnis einerseits linear und andererseits abgeflacht ist. Aber so ist sie nicht. Jeder Punkt in der Geschichte ist kugelförmig und das 16. Jahrhundert ist ein Kristall mit einer Vielzahl von Flächen. Da gibt es viele Trends. Und für diese besondere Gruppe von Menschen ist das Jüngste Gericht bereits angekommen.

Warum dachten sie das? Sie argumentierten dies aus einem bestimmten Grund. Diese Menschen waren sich einig und wussten um die Stimmungen des anderen. In Vasarius‘ Buch über das Leben italienischer Künstler gibt es nur einen Künstler, der kein Italiener ist – Dürer, der dauerhaft in Italien lebte. Manchmal zu Hause, aber meistens in Italien, wo er sich wohl fühlte. Er reiste geschäftlich nach Hause und hinterließ dort Reisetagebücher, Notizen usw., war aber tief mit der Gemeinschaft verbunden. Im Laufe der Zeit lebten sie mit einem kleinen Abstand voneinander, aber in der Reihenfolge der Ideen, der Lebensweise, der sehr bitteren Beobachtung und der Enttäuschung, die sie durchmachten, werden sie von direkten Zeitgenossen wahrgenommen.

Ich möchte sagen, dass die Zeit von Tizian, genau wie die Zeit von Shakespeare, eine sehr starke Charaktere und große Formen. Man musste Tizian oder Shakespeare sein, um all diese Formen zu identifizieren, auszudrücken und uns zu überlassen.

Hier ist ein weiteres Werk von Tizian, das im Louvre hängt – „Drei Zeitalter“. Wer hat eine direkte Kopie davon gemacht? Salvador Dalí. Tizian beschäftigt sich mit Fragen der Zeit, und er zeigt es. Hier steht ein junger Mann, und hinter ihm liegt sein Ende.

Drei Zeitalter

Studenten: Warum werden sie von rechts nach links gezeichnet?

Wolkowa: Was meinst du mit von rechts nach links?

Studenten: Nun, es scheint in Europa üblich zu sein...

Wolkowa: Oh, was für Spezialisten wir haben (Lachen)!

Studenten: Deshalb frage ich.

Drei Zeitalter – Dali

Wolkowa: Und ich bin kein Experte. Denn das hat er geschrieben. Vom Moment des Sonnenaufgangs bis zum Sonnenuntergang. Im Osten geht die Sonne auf und im Westen unter. Es ist also ein ziemlich surreales Bild. Was ist daran interessant? Werwolf! Zoomorpher Werwolfismus, der bei Goya sehr stark ausgeprägt ist. Aber wir leben nicht im 19. Jahrhundert. Aber woher hat Tizian es? Er fühlt Menschen und schreibt Werwölfe. Wenn er Aretino schreibt, sieht er daher aus wie ein Wolf, und Paul III. sieht aus wie ein altes, schäbiges Faultier. Er stellt Menschen dar, als wären sie halbkörperliche Wesen mit räuberischen, jagenden, gnadenlosen und unmoralischen Instinkten. Wen, glauben Sie, sieht er als diesen liebenswerten jungen Mann?

Studenten: Ein Hund! Wolf! Ein Bär!

Wolkowa: Raubtier! Reißzähne, Schnurrbart. Sehen Sie nicht, dass er so charmant ist und sein Gesicht strahlend ist? Das ist trügerisch. Ein junges, starkes Raubtier mit Reißzähnen und Kampflust zwischen Raubtieren! Sein Höhepunkt ist ein Löwe, der seinen Höhepunkt erreicht. Ein alter Wolf ist natürlich etwas Unerhörtes. Es gibt nicht die drei Hypostasen Vater, Sohn und Heiliger Geist wie beim Menschen. Er entschlüsselt verschiedene Aspekte des Alters und zeigt uns räuberische Prinzipien. Kein Wunder, dass Dali eine Kopie angefertigt hat. Er befasst sich wie Freud mit dem chthonischen Prinzip. Und da in den Tiefen der Chthonik ein Raubtier sitzt, kann man nichts dagegen tun. Weder Bildung, noch edle Worte, noch demonstrative Taten werden etwas bewirken. Stärke, Machthunger, Unersättlichkeit, Wiederholung des Gleichen ohne Schlussfolgerungen, ohne Lektionen! Und als dieser begann unglaubliche Geschichte Kirchenspaltung oder Ketzerverfolgung im Mittelalter, damals gab es noch keine Menschen, die auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurden. Im 16. Jahrhundert begann man, sie niederzubrennen. Bruno wurde an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert verbrannt. Im Jahr 1600. Im 17. Jahrhundert wurden Menschen verbrannt. Aber nicht im 12. Es gab Epidemien, aber sie brannten nicht. Von der Inquisition verbrannt. Es wurde geschaffen, um zu brennen. Shakespeare, Tizian, Bosch und Dürer gaben die Gegenreformation auf, da sie sie für böse und den Beginn des Weges zur Apokalypse hielten. Sie hatten schreckliche Angst vor Luthers Bibel – dass jetzt jeder kommen und schreiben würde, was er wollte. Eines von Dürers letzten Werken, Die Vier Apostel, das in München bei Karl V. hängt.

Vier Apostel

Und hinter all diesen Aposteln schrieb er ihre Sprüche und überreichte der Stadt Nürnberg dieses Bild: „An meine Bürger, meine Landsleute.“ Fürchtet euch vor falschen Propheten! Das bedeutete nicht, dass sie in ihrer Religion primitiv waren. Sie waren Menschen einer neuen Zeit. Und Tizian wusste, dass in einem Menschen kein Engel lebt und dass Liebe nicht zu einer engelhaften Transformation werden kann. Er wusste, dass in ihm ein chthonischer, gnadenloser Traum lebte, der den Kreis und sein Ende vorgab.

Wissen Sie, ich liebe meinen Beruf wirklich und das ist für Sie kein Geheimnis. Ich denke jetzt ganz anders als vor 20 Jahren, weil ich angefangen habe, die Dinge anders zu betrachten. Das Wichtigste ist der Informationsfluss. Wenn ich mir Bilder anschaue, genieße ich sie nicht nur – jedes Mal, wenn ich einen Tiefseetauchgang mache, der zur Dekompressionskrankheit führen kann, sondern dieser Zustand vermittelt ein bestimmtes Bild der Welt, dessen Inhalt noch verstanden und geschätzt werden muss . Erinnern Sie sich, wie die alten Griechen ihre Zeitgenossen beurteilten? Durch einen Wettbewerb. Jeder, der nicht den ersten Platz belegte, hat seine Arbeit zu Staub zerschmettert, denn nur eine Option hat das Recht zu existieren – die beste. WAHR. Um uns herum große Menge sehr schlechte Künstler. Vielleicht ist das für die Kultur nicht so dramatisch, wenn es eine Skala gibt, aber wenn das Niveau von Tizian, Bosch, Dürer, Shakespeare verschwindet oder es spärlich oder verzerrt ist, dann kommt das Ende der Welt. Ich wurde auch ein Apokalyptiker, nicht schlimmer als Bosch. Ich lebe nicht in einem Meinungszustand, aber ich bin sehr überrascht, wie gut sie damals alles wussten. Sie wussten um die Natur der Apokalypse und ihre Ursachen. Und sie haben alles in ihren Botschaften an die Päpste aufgelistet. Und sie haben es in Bildern gezeigt.

Na, bist du nicht müde? Ich habe schreckliche Angst, dass 4 Stunden für mich nicht ausreichen könnten, und sie werden auch nicht ausreichen, deshalb möchte ich, dass das Shakespeare-Theater jetzt mit der Vorlesung beginnt. Ich habe alle möglichen Bilder mitgenommen, auf denen Sie seine Zeitgenossen sehen werden. Wissen Sie, es gibt Künstler, die sind sehr schwer zu lesen. Tizian ist schwer zu lesen. Es passt nicht in die Wortreihenfolge. Es passt niemandem. Das geschieht nicht zu meiner eigenen Verteidigung, sondern weil es tatsächlich solche Künstler oder Schriftsteller gibt, über die man leicht reden oder schreiben kann, aber es gibt andere, über die man sich leichter in die Schlinge ziehen kann. Denn es gibt etwas Geheimnisvolles: Sie erhalten eine riesige Menge an Informationen, können aber nichts sagen. Mir gefällt ein Spruch sehr gut: „Nicht die schönste Frau der Welt kann mehr geben, als sie hat.“ Das Gleiche gilt auch hier, wenn man es mit einem brillanten Menschen zu tun hat und, indem man immer mehr in ihn eintaucht, am Ende versteht, dass es das ist! – Der Moment der Dekompressionskrankheit ist gekommen und es gibt keine Informationen. Und das ist Rembrandt oder Tizian, für die Informationen durch die Dramaturgie der Farbe vermittelt werden. Farbcode, der sich durch die Komposition zieht.

Aufmerksamkeit! Dies ist ein einführender Teil des Buches.

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Brücke über den Abgrund. Kommentar zur Antike

„Brücke über den Abgrund“ ist das erste Buch von Paola Volkova, das sie auf der Grundlage ihrer eigenen Vorlesungsreihe geschrieben hat. Das Bild der Brücke, so Paola Dmitrievna selbst, sei kein Zufall – als Metapher für die gesamte Weltkultur, ohne die wir nicht existiert hätten. Als brillante Lehrerin und Geschichtenerzählerin vermittelte sie ihren Schülern und Gesprächspartnern durch ihre Bücher, Vorträge und einfachen Gespräche einen Sinn für Schönheit und versuchte, ihre Seelen zu erreichen und sie von angesammelter Langeweile zu reinigen.

Eines der kultigsten Bücher für jedermann Gebildete Person„Bridge Over the Abyss“ nimmt uns mit auf eine Reise durch die Zeitalter.

Das Buch spürt neuen Verbindungen zwischen entfernten Formen nach, die nicht an der Oberfläche und vor den Augen liegen. Von Stonehenge bis zum Globe Theatre, von Kreta bis zum spanischen Stierkampf, vom europäischen Mittelmeerraum bis zum Konzeptualismus des 20. Jahrhunderts – all das ist miteinander verbunden und kann ohne einander existieren.

Brücke über den Abgrund. Im Raum der christlichen Kultur

Die Dominanz des Christentums in der mittelalterlichen Welt brachte alles hervor moderne Kultur, in dessen Raum wir von der Geburt bis zum Tod existieren – genau darüber spricht Paola Dmitrievna Volkova in ihrer Vortragsreihe, die dem Spätmittelalter und der Proto-Renaissance gewidmet ist.

Es ist unmöglich, diese Ära als das konventionelle „dunkle Zeitalter“ zu betrachten, als etwas Mittelmäßiges – diese Zeit an sich ist nicht weniger bedeutsam als die Renaissance.

Die Genies dieser Zeit – der heilige Franz von Assisi und Bonaventura, Giotto di Bondone und Dante Alighieri, Andrei Rublev und Theophanes der Grieche – stehen über die Jahrhunderte hinweg immer noch im Dialog mit uns. Kardinal Jorge Mario Bergoglio, der zum Papst von Rom gewählt wurde, nimmt seinen Namen zu Ehren des Heiligen aus Assisi an, lässt die franziskanische Demut wieder aufleben und lädt uns ein, eine weitere Brücke über den Abgrund der Epochen zu überqueren.

Brücke über den Abgrund. Mystiker und Humanisten

Keine Kultur, keine Kulturbühne hat einen so direkten Bezug zur Moderne wie die Renaissance.

Die Renaissance ist die fortschrittlichste und revolutionärste Epoche der Menschheitsgeschichte. Darüber spricht Paola Dmitrievna Volkova im nächsten Buch der Reihe „Brücke über den Abgrund“ und übernimmt dabei den Staffelstab vom ersten Kunstkritiker Giorgio Vasari, einem echten Mann seiner Zeit – Schriftsteller, Maler und Architekt.

Die Künstler der Renaissance – Sandro Botticelli und Leonardo da Vinci, Raffael und Tizian, Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel der Ältere – waren nie nur Künstler. Sie waren Philosophen, sie waren mit den Haupt- und Grundproblemen der Zeit beschäftigt. Renaissance-Maler, die zu den Idealen der Antike zurückkehrten, schufen ein kohärentes Weltbild mit innerer Einheit und füllten traditionelle religiöse Themen mit irdischen Inhalten.

Brücke über den Abgrund. Große Meister

Was war zuerst da – der Mann oder der Spiegel? Diese Frage stellt Paola Dmitrievna Volkova im vierten Band der „Brücke über den Abgrund“-Reihe. Für große Meister war ein Porträt schon immer nicht nur ein Abbild einer Person, sondern auch ein Spiegel, der nicht nur äußere, sondern auch innere Schönheit widerspiegelt. Ein Selbstporträt ist eine Frage an sich selbst, eine Reflexion und die darauf folgende Antwort. Diego Velazquez, Rembrandt, El Greco, Albrecht Dürer und sie alle hinterlassen uns in diesem Genre das bittere Geständnis unseres Lebens.

Mit welchen Spiegeln wurden früher die Schönheiten in Szene gesetzt? Venus, die aus dem Wasser aufstieg, sah ihr Spiegelbild darin und war zufrieden mit sich selbst, und Narziss erstarrte für immer, schockiert über seine eigene Schönheit. Die Leinwände, die in der Renaissance nur das Idealbild und später die Persönlichkeit eines Menschen widerspiegelten, wurden zu ewigen Spiegeln für jeden, der es wagte, in sie – wie in einen Abgrund – wirklich zu blicken.

Bei dieser Veröffentlichung handelt es sich um einen überarbeiteten Zyklus „Brücke über den Abgrund“ in der Form, wie er von Paola Dmitrievna selbst konzipiert wurde – in historischer und chronologischer Reihenfolge. Es werden auch unveröffentlichte Vorträge aus dem persönlichen Archiv enthalten sein.

Brücke über den Abgrund. Impressionisten und das 20. Jahrhundert

Die Geschichte des Impressionismus, der ein für alle Mal die gesamte nachfolgende Kunst beeinflusste, umfasst nur 12 Jahre: von der ersten Ausstellung im Jahr 1874, in der die berühmte „Impression“ präsentiert wurde, bis zur letzten, achten, im Jahr 1886. Edouard Manet und Claude Monet, Edgar Degas und Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec und Paul Gauguin – mit denen dieses Buch beginnt – gehörten zu den ersten, die sich gegen die damals entstandenen Konventionen der „klassischen“ Malerei aussprachen.

Die Geschichte dieser Familie, die die Autorin der berühmten Serie „Brücke über den Abgrund“, Paola Volkova, in diesem Buch erzählt, ist ein Beispiel für das Leben echter russischer Intellektueller, „ein direktes Wappen ihrer Familienehre, ein direktes.“ Wörterbuch ihrer Wurzelverbindungen.“

Von Giotto bis Tizian. Titanen der Renaissance

Die Renaissance ist die fortschrittlichste und revolutionärste Epoche der Menschheitsgeschichte. Die Künstler der Renaissance – Sandro Botticelli und Leonardo da Vinci, Raffael und Tizian, Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel der Ältere – waren nie nur Künstler.

Sie waren Philosophen, sie waren mit den Haupt- und Grundproblemen der Zeit beschäftigt. Sie kehrten zu den Idealen der Antike zurück, schufen ein kohärentes Weltbild mit innerer Einheit und füllten traditionelle religiöse Geschichten mit irdischen Inhalten.

Diese illustrierte Ausgabe enthält Vorträge von Paola Dmitrievna Volkova, der Autorin der berühmten Reihe „Brücke über den Abgrund“, die den wahren Titanen der Renaissance gewidmet ist, überarbeitet und erweitert für die Bequemlichkeit des Lesers.

Wer sind wir aus der Sicht unserer spirituellen Herkunft? Wie ist unser künstlerisches Bewusstsein, unsere Mentalität entstanden und wo liegen ihre Wurzeln? Kunstkritikerin, Filmkritikerin, Autorin und Moderatorin der Dokumentarserie über die Geschichte der Weltkultur „Brücke über den Abgrund“ Paola Dmitrievna Volkova ist überzeugt, dass wir alle immer noch Erben einer einzigartigen mediterranen Zivilisation sind – einer Zivilisation, die von den alten Griechen geschaffen wurde .

„Wo immer man niest, jedes Theater hat seine eigene Antigone.“

Aber was ist seine Besonderheit und Einzigartigkeit? Und wie Antikes Griechenland, das sich in einem Zustand ständigen Bürgerkriegs befindet, verfügt über kein einziges Landgebiet und keinen einzigen politisches System Hat er es geschafft, eine Kultur zu schaffen, die immer noch der ganzen Welt dient? Laut Paola Volkova besteht das Geheimnis des griechischen Genies darin, dass es ihnen vor mehr als zweieinhalbtausend Jahren gelang, vier künstliche Regulatoren zu erschaffen, die über viele Jahrhunderte hinweg die Form der Welt bestimmten. Das sind Olympiaden, Turnhallen, Kunstvereine und Feste als wichtige Bestandteile des Lebens eines jeden Bürgers – rituelle Dialoge über das Wesentliche. Somit sind die Griechen die Schöpfer von Formen und Ideen, die so stark und schön sind, dass sich unsere Zivilisation immer noch entlang der von den Hellenen vorgegebenen Vektoren bewegt. Hier liegt die bescheidene Rolle der antiken Kultur bei der Gestaltung des Erscheinungsbildes der modernen Welt.

Wie funktionierten diese vier Regulierungsbehörden und was ist das Besondere an ihnen? Darüber können Sie in einem anderthalbstündigen Vortrag im Skolkovo-Zentrum erfahren, der die ganze Reihe eröffnet Gespräche über Kunst, in dem Paola Volkova über unsere spirituellen Wurzeln in der mediterranen Kultur sprach, wie das Bewusstsein die Existenz im antiken Griechenland bestimmte, was Homer mit Wyssozki gemeinsam hatte, wie die Olympischen Spiele Griechenland vereinten und zu einem festigenden System für die Bildung einer großen mediterranen Kultur wurden, und wie „Alexander Philippowitsch von Mazedonien“ alles zerstörte. Mitten im Vortrag spürt Paola Dmitrievna den Zorn der Götter und kommt am Ende ihrer Geschichte zu dem Schluss, dass die Griechen die Grinsekatze sind, die es geschafft hat, das Lächeln der Welt zu erschaffen:

„Die Griechen haben Ideen geschaffen. Sie sind im Grunde eine Grinsekatze. Wissen Sie, was eine Grinsekatze ist? Dann gibt es ein Lächeln, aber keine Katze. Sie sorgten für ein Lächeln, weil es sehr wenig echte Architektur, sehr wenig echte Skulpturen, sehr wenige echte Manuskripte gibt, aber Griechenland existiert und dient allen. Sie sind eine Grinsekatze. Sie haben das Lächeln der Welt geschaffen.

Vorträge über Kunst von Professorin Paola Volkova

Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Erstellt im intellektuellen Verlagssystem Ridero

Vorwort

Sie halten das erste Buch in Ihren Händen, das einzigartige Vorträge der Kunstgeschichtsprofessorin Paola Dmitrievna Volkova enthält, die sie im Zeitraum 2011-2012 bei den Höheren Kursen für Regisseure und Drehbuchautoren gehalten hat.

Volkova Paola Dmitrievna

Wer das Glück hatte, den Vorträgen dieser erstaunlichen Frau beizuwohnen, wird sie nie vergessen.

Paola Dmitrievna ist eine Schülerin großartiger Persönlichkeiten, darunter Lev Gumilyov und Merab Mamardashvili. Sie unterrichtete nicht nur an der VGIK und an den Höheren Kursen für Regisseure und Drehbuchautoren, sondern war auch die weltweit führende Expertin für Tarkovskys Werk. Paola Volkova hielt nicht nur Vorträge, sondern schrieb auch Drehbücher, Artikel und Bücher, veranstaltete Ausstellungen, rezensierte und moderierte Fernsehsendungen zum Thema Kunst.

Diese außergewöhnliche Frau war nicht nur eine brillante Lehrerin, sondern auch eine großartige Geschichtenerzählerin. Durch ihre Bücher, Vorträge und Gespräche vermittelte sie ihren Schülern und Zuhörern einen Sinn für Schönheit.

Paola Dmitrievna wurde mit der Bibliothek von Alexandria verglichen und ihre Vorträge wurden nicht nur für normale Menschen, sondern auch für Fachleute zu einer Offenbarung.

Sie verstand es, in Kunstwerken zu sehen, was normalerweise vor neugierigen Blicken verborgen bleibt, kannte die ganz geheime Sprache der Symbole und konnte mit einfachsten Worten erklären, was dieses oder jenes Meisterwerk verbirgt. Sie war eine Stalkerin, eine Führerin und Übersetzerin zwischen den Epochen.

Professorin Volkova war nicht nur ein Schatz an Wissen, sie war eine mystische Frau – eine Frau ohne Alter. Ihre Geschichten über das antike Griechenland, die Kultur Kretas, die Philosophie Chinas, die großen Meister, ihre Schöpfungen und Schicksale waren so realistisch und voller kleinster Details, dass unwillkürlich der Gedanke aufkam, dass sie selbst nicht nur in dieser Zeit lebte, sondern auch persönlich kannte jeden, von dem die Geschichte erzählt wurde.

Und jetzt, nach ihrer Abreise, haben Sie eine großartige Gelegenheit, in die Welt der Kunst einzutauchen, die Sie vielleicht nicht einmal vermutet haben, und wie ein durstiger Wanderreisender aus der reinsten Quelle des Wissens zu trinken.

Vorlesungen im Rahmen der Höheren Kurse für Regisseure und Drehbuchautoren

Vorlesung Nr. 1. Florentiner Schule – Tizian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Wolkowa: Ich schaue auf die dünner werdenden Reihen ...

Studenten: Nichts, aber nehmen wir die Qualität.

Wolkowa: Was interessiert mich? Ich brauche das nicht. Du brauchst das.

Studenten: Wir werden ihnen alles erzählen.

Wolkowa: Also. Wir haben ein sehr wichtiges Thema, mit dem wir letztes Mal begonnen haben. Wenn Sie sich erinnern, haben wir über Tizian gesprochen. Hören Sie, ich möchte Sie Folgendes fragen: Erinnern Sie sich, dass Raphael Schüler der Florentiner Schule war?

Studenten: Ja!

Wolkowa: Er war ein Genie und sein Genie hatte eine sehr interessante Wirkung. Ich habe noch nie einen perfekteren Künstler gesehen. Er ist das Absolute! Wenn man seine Dinge betrachtet, beginnt man ihre Reinheit, Plastizität und Farbe zu verstehen. Eine absolute Verschmelzung von Platon und Aristoteles. In seinen Gemälden gibt es genau das aristotelische Prinzip, den aristotelischen Intellektualismus und die aristotelische Konzeptualität, die neben dem hohen platonischen Prinzip stehen, mit solch einer Perfektion der Harmonie. Es ist kein Zufall, dass er in der „Schule von Athen“ unter dem Bogen Platon und Aristoteles nebeneinander gehend malte, denn bei diesen Menschen gibt es keine innere Lücke.

Athener Schule

Die Florentiner Schule hat ihren Ursprung in der Giottianischen Dramaturgie, in der nach einem bestimmten Raum und einer bestimmten Einstellung zum Philosophieren gesucht wird. Ich würde sogar poetisches Philosophieren sagen. Aber die Venezianer sind eine ganz andere Schule. Was diese Schule betrifft, habe ich dieses Stück von Giorgione „Madonna von Castelfranco“ genommen, wo der heilige Georg eher an Voltaires Jeanne d'Arc erinnert.

Schau sie an. Die Florentiner konnten die Madonna nicht so malen. Schau, sie ist mit sich selbst beschäftigt. Solch eine spirituelle Isolation. Es gibt Momente auf diesem Bild, die es sicherlich noch nie gegeben hat. Das ist Reflexion. Dinge, die mit Reflexion zu tun haben. Der Künstler gibt der inneren Bewegung einige komplexe Momente, aber keine psychologische Richtung.

Madonna von Castelfranco

Wenn wir zusammenfassen, was wir über die Venezianer und über Tizian wissen, dann können wir sagen, dass man in einer Welt, die Venedig mit seinem besonderen Leben, mit seiner komplexen sozialen Produktivität und seinen historischen Turbulenzen einfängt, die innere Aufladung eines Menschen sowohl sehen als auch spüren kann System, das zum Auslaufen bereit ist. Schauen Sie sich dieses Tizian-Porträt an, das in der Galerie des Pitti-Palastes hängt.

Porträt eines unbekannten Mannes mit grauen Augen

Aber zuerst muss ich in unserer vertrauten Gesellschaft zugeben, dass ich einmal in diesen Kameraden auf dem Bild verliebt war. Tatsächlich habe ich mich gleich zweimal in die Bilder verliebt. Das erste Mal verliebte ich mich als Schulmädchen. Wir hatten ein Hermitage-Album aus der Vorkriegszeit in unserem Haus und darauf war das Porträt eines jungen Mannes in einem Gewand abgebildet, gemalt von Van Dyck. Er malte den jungen Lord Philip Warren, der genauso alt war wie ich. Und ich war so fasziniert von meinem Kollegen, dass ich mir natürlich sofort unsere wunderbare Freundschaft mit ihm vorstellte. Und wissen Sie, er hat mich vor den Jungs im Hof ​​gerettet – sie waren vulgär und streitsüchtig, aber hier haben wir so hohe Verwandte.

Aber leider bin ich erwachsen geworden und er nicht. Das war der einzige Grund, warum wir uns getrennt haben (Lachen). Und meine zweite Liebe geschah, als ich Student im zweiten Jahr war. Ich habe mich in das Porträt eines unbekannten Mannes mit grauen Augen verliebt. Wir waren einander lange Zeit nicht gleichgültig. Ich hoffe, Sie sind mit meiner Wahl einverstanden?

Studenten: Zweifellos!

Wolkowa: In diesem Fall bewegen wir uns in einem Bereich, der für unsere Beziehung zu Kunst oder Kunstwerken sehr interessant ist. Erinnern Sie sich, wie wir die letzte Lektion beendet haben? Ich habe gesagt, dass die Bildoberfläche des Gemäldes selbst wertvoll wird. Es selbst ist bereits der Inhalt des Bildes. Und Tizian hatte immer diesen absolut malerischen Eigenwert. Er war ein Genie! Was passiert mit seinen Gemälden, wenn man die Bildschicht entfernt und nur die Untermalung übrig lässt? Nichts. Sein Gemälde wird ein Gemälde bleiben. Es wird immer noch ein Kunstwerk bleiben. Von innen. Auf der intrazellulären Ebene, der Grundlage, ist es das, was einen Maler zu einem brillanten Künstler macht. Und äußerlich wird es zu einem Gemälde von Kondinsky.

Es ist sehr schwierig, Tizian mit anderen zu vergleichen. Er ist fortschrittlich. Schauen Sie, wie er durch den Schatten, der auf die silberfarbene Wand fällt, dieses Porträt malerisch mit dem Raum verbindet, in dem diese Person lebt. Sie können sich gar nicht vorstellen, wie schwierig es ist, zu schreiben. Was für eine erstaunliche Kombination aus einem hellen, silbrig vibrierenden Raum, diesem Pelzmantel, den er trägt, einer Art Spitze, rötlichen Haaren und sehr hellen Augen. Graublaue Schwingung der Atmosphäre.

Er hat ein Gemälde, das hängt... Ich weiß nicht mehr, wo, weder in London noch im Louvre. Nein, definitiv nicht im Louvre, in der National Gallery in London. Auf diesem Bild sitzt also eine Frau mit einem Baby im Arm. Und wenn man es betrachtet, kommt es einem vor, als wäre dieses Gemälde zufällig hierher gekommen, denn es ist einfach unmöglich, sich vorzustellen, dass es sich um ein Werk von Tizian handelt. Es wurde in einer Weise gemalt, die an etwas zwischen Claude Monet und Pissarro erinnert – in der Pointillismus-Technik, die genau dieses Zittern des gesamten Bildraums erzeugt. Du kommst näher und traust deinen Augen nicht. Dort sind weder die Absätze noch das Gesicht des Babys mehr zu sehen, aber nur eines ist sichtbar: Es hat Rembrandt an Freiheit übertroffen. Es ist kein Zufall, dass Wassili Kondinsky sagte: „Es gibt nur zwei Künstler in der Weltkunst, die ich abstrakte Maler nennen kann.“ Nicht unobjektiv – sie sind objektiv, aber abstrakt. Das sind Tizian und Rembrandt. Und warum? Denn wenn sich vor ihnen alle Malerei wie Malerei verhielt, die einen Gegenstand färbt, dann schloss Tizian das Moment der Färbung ein, das Moment der Malerei als vom Gegenstand unabhängige Farbe. Wie zum Beispiel „St. Sebastian“ in der Eremitage. Wenn man ihm ganz nahe kommt, sieht man nichts als malerisches Chaos.

Es gibt ein Gemälde, das man, wenn man vor der Leinwand steht, endlos betrachten kann. Es ist sehr schwer, es in Worte zu fassen, da es sich um eine völlig willkürliche impressionistische Lesart handelt, die Lesart der Charaktere oder Persönlichkeiten, die er schreibt. Dabei spielt es keine Rolle, wen man ansieht: Piero della Francesco oder Herzog Federico da Montefeltro.