Dante fiatalságának legkiemelkedőbb, legmeghatározóbb eseménye a Beatrice iránti szerelme volt. Akkor látta először, amikor mindketten még gyerekek voltak: ő kilenc, ő nyolc éves. „A fiatal angyal – ahogy a költő mondja – gyermekkorához illő ruhában jelent meg a szeme előtt: Beatrice „nemes” vörös ruhába volt öltözve, öv volt rajta, és Dante szerint azonnal „a szellemének úrnője.” . „Számomra inkább Isten lányának tűnt, mint egy halandónak” – mondta a költő. Attól a pillanattól kezdve, hogy megláttam, a szerelem olyan mértékben hatalmába kerítette a szívemet, hogy nem volt erőm ellenállni neki, és az izgalomtól remegve hallottam egy titkos hangot: „Íme egy istenség, aki erősebb, mint te és uralkodni fogsz feletted."
Dante allegorikus portréja, Bronzino
Tíz évvel később Beatrice ismét megjelenik neki, ezúttal teljesen fehérben. Sétál az utcán, két másik nő kíséretében, felnéz rá, és „kimondhatatlan irgalmának” köszönhetően olyan szerényen és bájosan meghajol előtte, hogy úgy tűnik, „a boldogság legmagasabb fokát” látta.
Henry Halliday festménye "Dante és Beatrice"
A költő az örömtől megrészegülve menekül az emberek zaja elől, visszavonul szobájába, hogy kedveséről álmodozzon, elalszik és álmodozik. Felébredve, versben fejti ki. Ez egy látomás formájú allegória: a szerelem Dante szívével a kezében „egy fátyolba burkolt, alvó hölgyet tart a karjában”. Cupido felébreszti, odaadja neki Dante szívét, majd sírva elszalad. A tizennyolc éves Dante e szonettje, amelyben a költőkhöz fordul, álma magyarázatát kérve tőlük, sokak figyelmét felkeltette, köztük Guido Cavalcantit is, aki szívből gratulált az új költőnek. Így kezdődött barátságuk, amely azóta sem gyengült meg.
Dante első költői műveiben, a Beatrice-képet fényes kisugárzással és költői aurával körülvevő szonettekben és kánzonokban költői tehetség, nyelvtudás, valamint őszinteség, komolyság és érzés mélysége. Bár ő is ragaszkodik a korábbi konvencionális formákhoz, a tartalom új: átélt, szívből fakad. Dante azonban hamarosan felhagyott a régi formákkal és modorral, és más utat választott. A trubadúrok madonnájának hagyományos imádatát a valódi, de lelki, szent, tiszta szeretettel állította szembe. Ő maga is érzelmei igazságát, őszinteségét tekinti költészete „hatalmas karjának”.
A költő szerelmi története nagyon egyszerű. Minden esemény a legjelentéktelenebb. Beatrice elhalad mellette az utcán, és meghajol előtte; váratlanul találkozik vele egy esküvőn, és olyan leírhatatlan izgalomba és zavarba kerül, hogy a jelenlévők, sőt maga Beatrice is kigúnyolják, és egy barátjának el kell vinnie onnan. Beatrice egyik barátja meghal, Dante pedig két szonettet komponál erről; más nőktől hallja, hogy Beatrice mennyire gyászol apja halála miatt... Ezek az események; hanem olyan magas kultuszért, olyan szerelemért, amelyre egy érzékeny szív képes volt zseniális költő, ez egy egész belső történet, megható tisztaságában, őszinteségében és mély vallásosságában.
Ez az ilyen tiszta szerelem félénk, a költő elrejti a kíváncsi szemek elől, érzése sokáig titokban marad. Hogy mások tekintete ne hatolhasson be a lélek szentélyébe, úgy tesz, mintha szerelmes lenne egy másikba, verset ír neki. Pletykák kezdődnek, és úgy tűnik, Beatrice féltékeny, és nem reagál a meghajlására.
Dante és Beatrice, Marie Stillman festménye
Néhány életrajzíró nem is olyan régen kételkedett Beatrice valódi létezésében, és képét egyszerűen allegóriának akarták tekinteni, amely semmiképpen nem kapcsolódik az igazi nőhöz. De most már dokumentálták, hogy Beatrice, akit Dante szeretett, dicsőített, gyászolt, és akiben a legmagasabb erkölcsi és fizikai tökéletesség eszményét látta, kétségtelenül történelmi alak, Folco Portinari lánya, aki az Alighieri család szomszédságában élt. 1267 áprilisában született, 1287 januárjában férjhez ment Simon dei Bardihoz, és huszonhárom évesen halt meg 1290. június 9-én, nem sokkal apja után.
Dante maga beszél szerelméről a „Vita Nuova” („Új élet”) című gyűjteményben, amelyben a próza és a költészet keveredik, és amelyet Guido Cavalcanti költőnek ajánlottak. Boccaccio szerint ez Dante első műve, amely tartalmazza a költő Beatrice iránti szerelmének teljes történetét a haláláig és azon túl is, amelyet nem sokkal kedvese halála után írt, mielőtt még felszárította volna a könnyeit. Gyűjteményét "Vita Nuova"-nak nevezte, ahogy egyesek hiszik, mert e szerelem révén "új élet" jött el számára. Kedvese Dante számára az eszmény megszemélyesítője, valami „isteni, aki az égből jelenik meg, hogy a mennyei boldogság sugarával ajándékozza meg a földet”, „az erény királynője”. „Szerénységbe öltözve – mondja a költő –, a szépségtől ragyogva jár a dicséret között, mint egy angyal, aki leszállt a földre, hogy megmutassa a világnak tökéletességének látványát. Jelenléte boldogságot ad, örömet tölt a szívekbe. Akik nem láttam őt, nem érthetem meg jelenlétének édességét." Dante azt mondja, hogy a szeretet és a hit kegyelmével díszített Beatrice ugyanazokat az erényeket ébreszti fel másokban is. A róla való gondolat erőt ad a költőnek ahhoz, hogy legyőzze magában a rossz érzéseket; jelenléte és íja megbékíti őt a világegyetemmel, sőt ellenségeivel is; az iránta érzett szeretet elfordítja az elmét minden rossztól.
Michael Parkes, Dante és Betharice portréi
A tudós ruhája alatt Dante szíve tisztán dobog, fiatal, érzékeny, nyitott minden benyomásra, hajlamos az imádatra és a kétségbeesésre; tüzes képzelőerővel ajándékozzák meg, amely magasra emeli a föld fölé, az álmok birodalmába. Beatrice iránti szerelmében első fiatalkori szerelmének minden jele van. Ez egy nő lelki, bűntelen imádata, nem pedig szenvedélyes vonzalom iránta. Beatrice Dante számára inkább angyal, mint nő; úgy tűnik, szárnyakon repül át ezen a világon, alig érintve, mígnem visszatér a jobbikba, ahonnan jött, és ezért az iránta érzett szeretet „út a jósághoz, Istenhez”. Dante Beatrice iránti szeretete a plátói, spirituális szerelem eszményét testesíti meg a maga legmagasabb fokán. Akik nem értették ezt az érzést, azt kérdezték, hogy a költő miért nem vette feleségül Beatricét. Dante nem törekedett arra, hogy megszállja kedvesét; jelenléte, íja - ez minden, amire vágyik, ami boldogsággal tölti el. Csak egyszer, a „Guido, szeretném...” című versében rabul ejti a fantázia, mesés boldogságról álmodik, arról, hogy kedvesével távol a hideg emberektől elmegy, vele marad a tenger közepén egy csónakban, csak néhány, legkedvesebb baráttal. De ez szép vers, ahol a misztikus fátyol felemelkedik, és a kedves közelivé és kívánatossá válik, Dante kizárta a „Vita Nuovát” a gyűjteményből: ez disszonancia lett volna az általános hangvételében.
Azt gondolhatnánk, hogy Dante, aki Beatrice-t imádta, tétlen, álmodozó életet élt. Egyáltalán nem – a tiszta, magas szeretet csak új, elképesztő erőt ad. Dante elmondása szerint Beatrice-nek köszönhetően megszűnt hétköznapi ember lenni. Korán kezdett írni, és ő lett az írás ösztönzője. „Nem volt más tanárom a költészetben” – mondja a „Vita Nuova”-ban –, kivéve magamat és a leghatalmasabb tanárt, a szerelmet. A "Vita Nuova" összes szövegét mély őszinteség és igazság hatja át, de igazi múzsája a bánat. És valóban, Elbeszélés Dante szerelmében ritka a tiszta, elmélkedő öröm; Beatrice apjának halála, szomorúsága, halálának és halálának előérzete mind tragikus indítékok.
„Beatrice halálának látomása”, Dante Gabriel Rossetti
Beatrice halálának előérzete végigvonul az egész kollekción. Már az első szonettben, az első látomásban Ámor rövid öröme keserű sírásba csap át, Beatrice a mennybe kerül. Aztán amikor barátját elrabolja a halál, az áldott szellemek kifejezik azt a vágyat, hogy minél előbb maguk között lássák Beatrice-t. Apja, Folco Portinari meghal. A költő lelkében azonnal felmerül a gondolat, hogy ő is meg fog halni. Eltelik egy kis idő – és beigazolódik az előérzete: nem sokkal apja halála után követi őt a sírba. Dante álmában látta, már holtan, amikor a nők fátyollal takarták be. Beatrice azért hal meg, mert „ez az unalmas élet méltatlan egy ilyen szép teremtményhez” – mondja a költő, és visszatérve mennyei dicsőségéhez „szellemi, nagy szépség” lesz, vagy ahogy Dante máshol fogalmaz, „intellektuális világosság, teljes. a szerelemről".
Amikor Beatrice meghalt, a költő 25 éves volt. Kedvese halála súlyos csapás volt számára. Gyásza a kétségbeeséssel határos: ő maga meg akar halni, és csak a halálban várja a vigasztalást. Élet, szülőföld - minden hirtelen sivataggá változott számára. Ahogy Dante sír az elveszett paradicsom miatt az elhunyt Beatrice miatt. De természete túl egészséges és erős volt ahhoz, hogy meghaljon a bánatban.
Jean-Leon Gerome festménye
A költő nagy bánatából a tudomány keresésében keres vigaszt: filozófiát tanul, filozófiai iskolákat jár, buzgón olvassa Cicerót és legfőképpen a kultúra utolsó képviselőjét. ókori világ, Boethius, aki a görög filozófiai művek, különösen Arisztotelész logikájának fordításával és értelmezésével a hellén gondolkodás egy részét hozzáférhetővé tette a következő generációk számára, és rájuk hagyta a „De Consolatione Philosophiae” [„A filozófia vigasztalása” (latin)) című művet, így a középső nagyra értékelte az évszázadok során. Boethius a börtönben, nem sokkal a kivégzése előtt írta ezt a könyvet, és elmeséli, hogy abban az időben, amikor a helyzete súlya alatt sínylődött, és készen volt arra, hogy kétségbeesésbe essen, fényes látomás kereste fel: meglátta a filozófiát. megjelent, hogy megvigasztalja, emlékeztesse minden földi dolog hiúságára, és a lelket egy magasabb és tartós jó felé irányítsa. A mű közvetlen kapcsolata a szerző sorsával, amely sorsban sokan saját álláspontjuk tükröződését látták, valamint főbb gondolatainak mindenki számára elérhető világossága és a bemutatás nemes melegsége különleges hatást gyakorolt Boethius könyvére. a középkorban; sokan olvasták és vigaszt találtak benne.
„Beatrice halálának évfordulója”, Dante Gabriel Rossetti
Dante fáradhatatlan filozófiai buzgalma, amely időlegesen is meggyengítette látásmódját, rövid időn belül – szavai szerint – olyannyira feltárta előtte e tudomány „édességét”, hogy a filozófia szeretete egy időre az addigi eszményt is elhomályosította. az egyetlen, aki uralkodott a lelke felett. És egy másik hatás küzdött benne az elhunyt emlékével. A Vita Nuova második felében Dante elmeséli, hogy egy napon, amikor elmerült szomorúságában, egy gyönyörű nő jelent meg az ablakban, és együttérző szemekkel nézett rá. Eleinte hálát érzett iránta, de újra és újra látva, fokozatosan olyan gyönyört kezdett találni ebben a látványban, hogy fennállt a veszélye, hogy megfeledkezik az elhunyt Beatrice-ről. Ez az új érzés azonban nem vigasztalta Dantét, tűz lobbant fel a lelkében. erős harc. Kezdett alázatosnak és megvetőnek tűnni önmaga számára, szidta és átkozta magát amiatt, hogy legalább átmenetileg el tudta terelni a figyelmét Beatrice gondolatáról. A költő belső küzdelme nem tartott sokáig, és Beatrice győzelmével végződött, aki olyan látomásban jelent meg számára, amely nagyon felizgatta. Azóta megint csak rá gondol, és csak róla énekel. Később, egy másik művében, a „Convito”-ban, amely a filozófia leglelkesebb méltatását zárta, Dante allegorikus jelleget adott a második szerelmének szentelt verseinek, amelyeket itt „Madonna la Filosofia”-nak nevez. De a valódi létezéséhez aligha lehet kétség, a költőnek ez a kis megtévesztése pedig nagyon is megbocsátható.
Az érzés, amely eleinte a felmagasztalás hatására annyira bűnösnek tűnt, valójában rendkívül ártatlan volt, és gyorsan felvillantotta a plátói szerelem meteorja, amire később ő maga is rájött.
„Üdvözlet Beatrice-nek”, Dante Gabriel Rossetti
De Dante másik szerelme, egy bizonyos Pietra iránt, akiről négy dalt írt, más jellegű. Hogy ki volt ez a Pietra, nem tudni, mint a költő életében; de az említett négy kanzont, ahogy feltételezik, még a száműzetés előtt írta. Bennük van a még fiatalos szenvedély, a fiatalos szerelem nyelve, ezúttal már érzéki. Ez a szerelem akkoriban könnyen összekapcsolódott a misztikus felmagasztalással, a nőideál vallásos kultuszával; A tiszta, tiszta nőimádat ekkor nem zárta ki az úgynevezett „folle amore”-t [őrült szerelem (It.)]. Elképzelhető, hogy szenvedélyes temperamentumára tekintettel Dante tisztelgett előtte, és neki is volt viharos és téveszméi.
Néhány évvel Beatrice halála után – bár valójában nem ismert, de nyilván 1295-ben – Dante feleségül vette egy bizonyos Gemma di Maneto Donati-t. Korábbi életrajzírók arról számoltak be, hogy a költő hét gyermeke született tőle, de a szerint a legújabb kutatás Csak hárman vannak: két fia, Pietro és Jacopo, valamint egy lánya, Antonia.
"Dante in Exile", Sir Frederic Leighton festménye
Nagyon kevés információ maradt fenn a költő feleségéről, Gemmáról. Nyilván túlélte a férjét; legalábbis 1333-ban az ő aláírása szerepelt az egyik dokumentumon. A Boccaccio által közölt információk szerint Dante nem látta többé feleségét Firenzéből való kiutasítása után, ahol a gyerekekkel maradt. Sok évvel később, élete végén a költő magához hívta fiait, és gondoskodott róluk. Írásaiban Dante soha nem mond semmit Gemmáról. De ez akkoriban általános jelenség volt: az akkori költők egyike sem érintette családi kapcsolatait. A feleségnek abban a korszakban prózai szerepet szántak; teljesen kívül maradt a költői horizonton; A neki adott érzés mellett tökéletesen létezhet egy másik magasabbnak tartott érzés. Boccaccio és néhány más életrajzíró azt állítja, hogy Dante házassága boldogtalan volt. De erről semmi határozottat nem tudunk; Csak az igaz, hogy ezt a házasságot mindenféle romantikus kötelék nélkül kötötték: olyan volt, mint egy üzleti megállapodás egy társadalmi kötelesség teljesítésére – egyike azoknak a házasságoknak, amelyekből ma már sok van.
Üzenet idézet
Dante és Beatrice. Szerelmi történet.
Ha magának Dantenak az életét már olyan kevesen ismerik, akkor természetesen ősei története még mindig a nagy ködben veszett. Csak az igaz, hogy a költő, ha nem is előkelő és gazdag firenzei családból, akkor mégis elégséges családból származott, amelynek múltjára némi büszkeséggel tekintett. A költő az Isteni színjátékban emlékművet állított egyik ősének, Kachchagvidának.
Feltételezhető, hogy Dante szerette a rajzolást és a zenét. Plasztikai érzéke nyilvánvaló, ahogy Boccaccio megjegyzi, képeinek tisztaságából.
Dante fiatal korában barátokra talált a művészi, zenei és irodalmi környezetben. Így például Casella, az akkori híres énekesnő láthatóan nagyon barátságos volt Dantéval, hiszen Casella még a „tisztítótűzben” is, amikor találkozott a költővel, szerelméről biztosítja, Dante pedig felidézi az énekét, ami „kioltott minden. egyfajta bánat van benne.” Dante barátságban volt Cimabue művésszel, az akkoriban híres miniaturistával, Oderisivel és Giottóval, az olasz művészet megújítójával a festészet értelmében. Van egy gyönyörű portré az ifjú Dantéról, amelyet Giotto másolt róla, valószínűleg az 1290-1295 közötti időszakban, és csak nemrég, 1840-ben! nyitott a firenzei Chapel del Podesta falán. Dante közeli barátai Lapo Giani, Cino da Pistoia és különösen Guido Cavalcanti költők voltak. Dante láthatóan megismerkedett Cino da Pistoiával, aki öt évvel volt fiatalabb Danténál, a híres jogász és a kor egyik legjobb szövegírója, később Petrarka tanára, később száműzetése során.
Dante fiatalkorának legkiemelkedőbb, legfontosabb eseménye a Beatrice iránti szerelme volt. Akkor látta először, amikor mindketten még gyerekek voltak: ő 9, ő 8 éves volt. „Az ifjú angyal – ahogy a költő mondja – a gyerekkorához illő öltözékben jelent meg a szeme előtt: Beatrice „nemes” vörös színbe öltözött, zajt viselt, és Dante szerint azonnal azzá vált. "az úrnője." szelleme." „Számomra inkább Isten lányának tűnt – mondja Loet –, mint egy halandónak.” „Attól a pillanattól fogva, hogy megláttam, a szerelem olyan mértékben hatalmába kerítette a szívemet, hogy már nem volt erőm. hogy ellenálljak neki, és az izgalomtól remegve egy titkos hangot hallottam: Íme, egy istenség, aki erősebb nálad, és irányítani fog.
Tíz évvel később Beatrice ismét megjelenik neki, ezúttal teljesen fehérben. Sétál az utcán, két másik nő kíséretében, felnéz rá, és „kimondhatatlan irgalmának” köszönhetően olyan szerényen és bájosan meghajol előtte, hogy úgy tűnik, „a boldogság legmagasabb fokát” látta. A költő az örömtől megrészegülve menekül az emberek zaja elől, visszavonul szobájába, hogy kedveséről álmodozzon, elalszik és álmodozik. Felébredve, versben fejti ki. Ez egy látomás formájú allegória: a szerelem Dante szívével a kezében „egy fátyolba burkolt, alvó hölgyet tart a karjában”. Cupido felébreszti, odaadja neki Dante szívét, majd sírva elszalad. A 18 éves Dante e szonettje, amelyben a költőkhöz fordul, álma magyarázatát kérve tőlük, sokak figyelmét felkeltette, köztük Guido Cavalcantit is, aki szívből gratulált az új költőnek. Így kezdődött barátságuk, amely azóta sem gyengült meg. Dante első költői műveiben, a Beatrice-képet fényes kisugárzással és költői aurával körülvevő szonettekben és kánzonokban költői tehetség, nyelvtudás, valamint őszinteség, komolyság és érzés mélysége. Bár ő is ragaszkodik továbbra is ehhez a formai konvencióhoz, a tartalom új: átélt, szívből fakad. Dante hamarosan feladta a rá hagyományozott formát és modort, és új utat választott. A trubadúrok madonnájának hagyományos imádatát a valódi, de lelki, szent, tiszta szeretettel állította szembe. Ő maga is érzelmei igazságát, őszinteségét tekinti költészete „hatalmas karjának”.
A költő szerelmi története nagyon egyszerű. Minden esemény a legjelentéktelenebb. Beatrice elhalad mellette az utcán, és meghajol előtte; váratlanul találkozik vele egy esküvői ünnepségen, és olyan leírhatatlan izgalomba és zavarba esik, hogy a jelenlévők, sőt maga Beatrice is kigúnyolják, a barátjának pedig el kell vinnie onnan. Beatrice egyik barátja meghal, Dante pedig két szonettet komponál erről; más nőktől hallja, hogy Beatrice mennyire gyászol apja halála miatt... Ezek az események; de egy ilyen magas kultuszhoz, ilyen szerelemhez, amelyre egy ragyogó költő érzékeny szíve képes volt, ez egy egész belső történet, amely tisztaságában, őszinteségében és mély vallásosságában megható.
Ez az ilyen tiszta szerelem félénk, a költő elrejti a kíváncsi szemek elől, érzése sokáig titokban marad. Hogy mások tekintete ne hatolhasson be a lélek szentélyébe, úgy tesz, mintha szerelmes lenne egy másikba, verset ír neki. Pletykák kezdődnek, és úgy tűnik, Beatrice féltékeny, és nem reagál a meghajlására.
Néhány életrajzíró nem is olyan régen kételkedett Beatrice valódi létezésében, és megpróbálta egyszerűen allegóriának tekinteni, valódi tartalom nélkül. De most már dokumentálták, hogy Beatrice, akit Dante szeretett, dicsőített, gyászolt és a legmagasabb erkölcsi és fizikai tökéletesség eszményeként magasztalt, kétségtelenül történelmi személyiség, Folco Portinari lánya, aki az Alighieri család szomszédságában élt. és 1267 áprilisában született, B 1287 januárjában feleségül vette Sismon di Bardit, és 1290. június 9-én 23 évesen halt meg, nem sokkal apja után.
Dante maga beszél szerelméről a „Vita nuova” („Új élet”) című verses prózagyűjteményében, amelyet Guido Cavalcanti költőnek ajánlottak.
A tudós ruhája alatt Dante szíve tisztán dobog, fiatal, érzékeny, nyitott a benyomásokra, könnyen hajlamos az imádatra és a kétségbeesésre; tüzes képzelőerővel van megajándékozva, amely magasan a föld fölé viszi, az álmok birodalmába. Beatrice iránti szerelmében első fiatalkori szerelmének minden jele van. Ez egy nő lelki, szent imádata, és nem iránta érzett szenvedélyes szeretet. Dante számára Beatrice fehérebb, mint egy angyal, mint egy nő; úgy tűnik, szárnyakon repül át ezen a világon, alig érintve, mígnem visszatér a jobbikba, ahonnan jött, és ezért az iránta érzett szeretet „út a jósághoz, Istenhez”. Dantenak ez a Beatrice-szeretete a plátói, spirituális szerelem eszményét testesíti meg legmagasabb kifejlődésében, ezt az érzést nem értették meg azok, akik azt kérdezték, hogy a költő miért nem vette feleségül Beatricét. Dante nem törekedett arra, hogy megszállja kedvesét; a jelenléte, az íja – ez minden, amire vágyik, ami boldogsággal tölti el. Csak egyszer, a „Guido, szeretném...” című versében rabul ejti fantáziája, mesés boldogságról álmodozik, arról, hogy kedvesével távol a hideg emberektől elmegy, vele marad a tenger közepén egy csónakban. , csak néhány, legkedvesebb baráttal. De ezt a gyönyörű verset, ahol a misztikus fátyol felemelkedik, és a kedves közelivé és kívánatossá válik, Dante kizárta a „Vita nuova” gyűjteményből: disszonancia lett volna általános hangvételében.
Azt gondolhatnánk, hogy Dante, aki Beatrice-t imádta, tétlen, álmodozó életet élt. Egyáltalán nem – a tiszta, magas szeretet csak új, elképesztő erőt ad. Dante elmondása szerint Beatrice-nek köszönhetően került ki a hétköznapi emberek sorából. Korán kezdett írni, és ő volt az ösztönzése az írására. „Nem volt más tanárom a költészetben” – mondja a „Vita nuova” című könyvében –, kivéve magamat és a leghatalmasabb tanítót, a szerelmet. A „Vita nuova” összes szövegét mély őszinteség és igazság hatja át, de igazi múzsája a bánat. Valójában Dante rövid szerelmi története ritka pillantásokat vet a tiszta, szemlélődő örömre; Beatrice apjának halála, szomorúsága, halálának és halálának előérzete mind tragikus indítékok. Beatrice halálának előérzete végigvonul az egész kollekción. Már az első szonettben, az első látomásban Ámor rövid öröme keserű sírásba csap át, Beatrice a mennybe kerül. Aztán amikor Beatrice barátját elrabolja a halál, az áldott szellemek kifejezik azt a vágyat, hogy maguk közé kerüljön.
Amikor Beatrice meghalt, a költő 25 éves volt. Kedvese halála súlyos csapás volt számára. Gyásza a kétségbeeséssel határos – ő maga is meg akar halni, és csak a halálban vár vigasztalást. Élet, szülőföld - minden hirtelen sivataggá változott számára. Ahogy Dante sír az elveszett paradicsom miatt az elhunyt Beatrice miatt. De természete túl egészséges és erős volt ahhoz, hogy meghaljon a bánatban. Nagy bánatából a költő békét keres a tudomány keresésében.
A nagy költői művek ötletei általában nem hirtelen jelennek meg, és nem valósulnak meg azonnal; a gondolat róluk sokáig ott lappang a költő lelkében, apránként fejlődik, egyre mélyebbre gyökerezik, tágul és átalakul, míg végül a hosszú, láthatatlan belső munka kiforrott terméke Isten fényébe kerül. Így volt ez az Isteni színjátékkal is. Az első gondolat nagyszerű költeményéről láthatóan nagyon korán felmerült Dante fejében. Már az „Új élet” az „Isteni színjáték” előjátékaként szolgál.
A „Vígjáték” nevet maga Dante adta versének, az „Isteni” jelzőt pedig a csodálkozó utókor később, a 16. században nem a vers tartalma miatt, hanem a költemény legmagasabb fokának megjelöléseként adta hozzá. Dante nagyszerű munkájának tökéletessége. 1 Az „Isteni színjáték” nem tartozik a költészet egyetlen típusába sem: teljesen eredeti, egy az egyben keveréke a különféle költészettípusok minden elemének.
Dante szerelmi történetének folytatása Beatrice iránt az Isteni színjátékban, és ott ez a szerelem egy új szintre lép - a szerelem-halhatatlanság.
Dante és Vergilius
Találkozás Beatrice-vel a halál után
Dante és Beatrice a Paradicsomban
A folytatásban szeretném figyelmükbe ajánlani több e szép szerelem tiszteletére írt szonettet.
Szemében tartja a Szeretetet;
Áldott minden, amire néz;
Séta közben mindenki hozzá siet;
Ha köszön, megremeg a szíve.
Szóval teljesen össze van zavarodva, arccal le fog hajolni
És felsóhajt bűnösségéről.
Az arrogancia és a harag elolvad előtte.
Ó, donnák, ki ne dicsérné meg?
A gondolatok minden édessége és minden alázata
Aki hallja szavát, tudni fogja.
Boldog, akinek az a sorsa, hogy találkozzon vele.
Ahogy mosolyog
A beszéd nem beszél, és az elme nem emlékszik:
Tehát ez a csoda boldogító és új.
Olyan nemes, olyan szerény
Madonna, visszaadja az íjat,
Hogy a közelében a nyelv néma, zavart,
És a szem nem mer felemelkedni rá.
Sétál, nem figyel a gyönyörökre,
És az ő tábora alázatba öltözött,
És úgy tűnik: a mennyből hozták alá
Ez a szellem jön hozzánk, és itt csodát mutat.
Olyan gyönyört hoz a szemébe,
Hogy amikor találkozol vele, örömet találsz,
Amit a tudatlan nem ért meg,
És mintha az ajkáról jönne
A szeretet szelleme édességet önt a szívbe,
Határozottan a lélekhez: „Lélegezz...” – és felsóhajt
Kinek a lelke elragadtatva, akinek a szíve tele van fénnyel,
Mindazoknak, akik előtt megjelenik a szonett,
Ki fogja feltárni előttem süketségének értelmét,
Lady Love nevében, üdv nekik!
Már az órák egyharmada, amikor a bolygóknak adják
Ragyogj erősebben, teljesítsd utad,
Amikor megjelent előttem a szerelem
Olyan, hogy ijesztő, hogy eszembe jut ez:
A szerelem örömben járt; és a tenyéren
Az enyém tartotta a szívemet; és a kezedben
Ő vitte a Madonnát, alázatosan aludt;
És miután felébredt, megkóstolta a Madonnát
Szívből” – és zavartan ette.
Aztán a szerelem eltűnt, könnyek között.
Nevettél rajtam a barátaid között,
De tudtad, Madonna, hogy miért?
Nem ismerheted fel a külsemet,
Mikor állok a szépséged előtt?
Ó, ha tudnád – a szokásos kedvességgel
Nem tudtad visszatartani az érzéseidet:
Végül is a Szeretet az, ami mindannyiunkat magával ragadott,
Olyan kegyetlenséggel zsarnokoskodik,
Hogy félénk érzéseim között uralkodik,
Egyeseket kivégezve, másokat száműzetésbe küldött,
Egyedül rád irányítja a tekintetét.
Ezért szokatlan a megjelenésem!
De akkor is a száműzöttjeik
Így tisztán hallom a gyászt.
Hallottam, ahogy a szívem felébred
A szeretet szelleme, amely ott szunnyadt;
Aztán a távolban megláttam a Szerelmet
Olyan boldog, hogy kételkedtem benne.
Azt mondta: „Ideje meghajolni
Előttem vagy...” - és a beszédben nevetés volt.
De én csak az úrnőre hallgattam,
Drága tekintete rám szegeződött.
És a Monna Bath a Monna Beach I-vel
Láttam őket ezekre a földekre jönni...
A csodálatos csoda mögött példa nélküli csoda áll;
És ahogy az emlékezetemben megőrződik,
Love azt mondta: „Ez a Primavera,
És ez a szerelem, annyira hasonlítunk rá.”
E. Raevszkij költészetének egyik jellemzője, hogy gyakran a klasszikusok vívmányaira támaszkodik, ahogy ma mondják, „óriások vállán” áll. A hagyományokhoz való ragaszkodás nemcsak az elődök témáinak, motívumainak követésében mutatkozik meg, hanem a hagyományos formák kialakításában is, amelyek közé tartozik a szonett is.
Ennek a költői formának a neve az olasz sonare szóból ered, amely a vers hangzásának sajátosságát hangsúlyozza. Végül is ez a szó olaszul azt jelenti, hogy „hangozni”. Ugyanígy, miután megjelent Németországban, ezt a költői típust Klieggedichtnek hívták, ami fordításban „csengő verseket” jelent. Mindkét név a szonett hangzási eredetiségét, muzikalitását és rímeinek hangzatosságát közvetíti. A szonett ugyanakkor különösen tiszta formájú, főként tizennégy sorból álló, egyedileg strófákba rendezett alkotás. De ennek a formának megvan a maga rugalmassága. Ahogy a kutató írja: „a rímek sokfélesége, mindennek ritkasága és értéke vizuális művészetek vers, ritmusainak hajlékonysága, a különféle strofikus típusoknak való alávetés képessége – mindez kivételes teljességgel jelenik meg ebben a legigényesebb költői formában” 42.
A szonett, mint tudjuk, Szicíliában keletkezett a 13. században, amikor az európai kultúra a reneszánsz korszakába készült. Dante már jól ismerte a szonettet, és meglehetősen nagyvonalúan használta „La Vita Nuova” című művében. Tehát a „Szerelmes lelkeknek...” szonettben látható az első rész, melyben nagy költőüdvözletét küldi a nemesség hordozóinak, választ kérve, és a második részt, ahol a szerző jelzi, mire vár választ a 43-ra. A firenzei korszak verseinek korpuszában találunk kortársaknak (Guido Cavalcanti, Lippo stb.) címzett, vagy szíve szépasszonyát dicsőítő szonetteket is. Íme egy példa egy Dante-szonettre:
A szeretett szemek fényt bocsátanak ki
Olyan nemes, hogy előttük
Minden tárgy más lesz,
És egy ilyen tárgyat nem lehet leírni.
Látni fogom ezeket a szemeket, és válaszul
Ismétlem, remegve rettegnek tőlük:
– Mostantól nem találkoznak az enyémmel!
De hamar elfelejtem fogadalmamat;
És megint megyek, belecsepegtetem a bűnösöket
Bizalom a szememnek, ott,
Ahol vereséget szenvedek, de sajnos bezárom őket
A félelemtől, ahol nyomtalanul elolvad
A vágy, amely útmutatóul szolgál,
Ámoron múlik, hogy mit kezdjen velem 44 .
Dante szonettjei még nincsenek felosztva külön négysorokra és tercekre, bár valójában ezekből állnak. Az „Isteni színjáték” alkotójának ilyen formájú alkotásainak többsége rendszeres szonett (I., III., VI., VIII. stb.), vannak már szabadok és bonyolultak (IV., V., XIII.), amelyek nem. szigorú szabályokat betartani. Dante legjobb szonettje a következő sorokkal kezdődik: Tanto gentile e tanto onesta pare:
Olyan nemes, olyan szerény
Madonna, visszaadja az íjat,
Hogy a közelében a nyelv néma, zavart,
És a szem nem mer rá emelkedni... 45
Nem véletlenül mondja Puskin, hogy „a szigorú Dante nem vetette meg a szonettet...”. Dante ilyen formájú művei általában két négysort (első tétel) és két tercet (második tétel) tartalmaznak. A versek jambikus pentaméterben születnek; A felépítésre az a jellemző, hogy a négysorosokban először egy rím van körülvéve, majd a terzettekben két-három rím adható meg, amelyek egyetlen komplexummá kapcsolják össze őket, pl.
Olyan gyönyört hoz a szemébe,
Hogy amikor találkozol vele, örömet találsz,
Amit a tudatlan nem fog megérteni.
És mintha az ajkáról jönne
A szeretet szelleme édességet önt a szívbe,
Határozottan a léleknek: „lélegezz” – és ő felsóhajt 46.
Ugyanakkor a hangzatos, hangzatos rímeket úgy választják meg, hogy azok teljes mértékben megfeleljenek e költői forma nevének. Ezek a „hord” – „megérti” – „megy” – „sóhaj” és „öröm” – „édesség” a megadott példában.
Dante munkáját Petrarcha, a reneszánsz első humanistája folytatta, szenvedélyesen érdeklődve a személyiség problémái és az ókor kultúrája iránt. Laura iránti szerelmét, a hírnév imádatával ötvözve, mint ideált igyekszik bemutatni, és ennek érdekében a szonett szolgálja őt a legjobban. Petrarcha tartalmilag és formailag is tökéletessé tette a szonettet. Petrarka szonettjeiben különleges szavakat talál kedvese dicsérésére, és egyben közvetíti lelkességét. saját érzéseit. Laura Petrarch szerint nemcsak szépségében múlja felül az összes többi nőt, hanem a Naphoz hasonlóan ragyogásával a kis csillagokat is felülmúlja. Az „énekeskönyv” lényegét nagyon pontosan körvonalazta Fr. irodalomtörténész. De Sanctis: „Dante Beatrice-t az Univerzumba emelte, lelkiismerete és hírnöke lett; Petrarcha az egész Univerzumot Laurában koncentrálta, saját világát teremtette meg belőle és önmagából. Első pillantásra ez egy visszalépés, de valójában egy előrelépés. Ez a világ sokkal kisebb, csak egy kis töredéke Dante hatalmas általánosításának, de egy töredéke, amely valami teljessé változott: egy teljes értékű, konkrét világ, amely adott a fejlődésben, elemezve, feltárva a rejtett mélyedéseiig” 47 .
Francesco Petrarch az első szonettben közvetítette dalszövege felépítésének tartalmát és eredetiségét, amit itt kell megadni:
A fiatalos szenvedélyhez hű dalgyűjteményben
A sóhajok fájdalmas visszhangja nem halványult el
Mivel először tévedtem
Nem ismerve a jövőbeli részét.
Hiábavaló álmok és hiábavaló kínok a hatalomban,
Néha megszakad a hangom
Amiért nem kérek bocsánatot,
Szerelmesek, de csak a részvételről.
Végül is az a tény, hogy mindenki rajtam nevetett,
Nem azt jelenti, hogy a bírák túl szigorúak voltak:
Most látom magamon, hogy nevetséges voltam.
És az előbbi szomjúságra a hiábavaló áldások után
Most kivégzem magam, miután végre rájöttem
Milyen világi örömök a rövid alvás 48 .
Ebből a szövegből az következik, hogy a szonettkönyv a szerelemről szóló dalok gyűjteménye, amelyben időnként megszakad a fiatal szenvedély hangja, és végül a szerző megszólítja az olvasókat, felszólítva a részvételre. Az érzések tartománya a következő: „a hiábavaló álmoktól” a „hiábavaló kínokig”. A szerelem eredménye – mondja a szonett utolsó része – a bűnbánat és annak megértése, hogy „a világ örömei egy rövid alvás”.
Ennek ellenére a költő nem utasítja el Cupido által ihletett mély érzését, és nem bánja meg. Emlékezni fog annak születésére, érésére, elmélyülésére, reflexiójára, az érzések kettősségére és a beteljesületlen reményekre, számítva arra, hogy szomorú tapasztalatait átadja másoknak. Laura ezekben a dalszövegekben egy teljesen valóságos, bár kissé idealizált nőként jelenik meg. Ugyanolyan élő és valóságos lírai hőse, aki egy új humanistával azonosul, aki tudja, hogyan kell elemezni szerelmét. A szerelem új felfogása egy teljes kinyilatkoztatás volt, amely „új társadalmi ideálra intett”, ahogy A. N. Veselovsky megjegyezte 49.
Minden Petrarch szonett valami teljeset képvisel, ugyanakkor bekerül a szerelmes dalok könyvének művészi terébe, és az egész egyik láncszemeként érzékeli. Mára megváltozott kinézet szonett. Két egymástól elválasztott négysorból (két hangzatos rím köt össze) és két független tercetből áll, amelyeket három rím hegesztett össze. Petrarch mind a 365 szonettje olasz nyelven íródott. anyanyelvén. Van bennük a trubadúrok költészetének visszhangja, Dante szövegeinek hatása, római költők visszaemlékezései (Ovidius), de alapvetően valóban eredetiek. Vallomásos nyelvezetüket megszemélyesítések, finom allegóriák és mitológiai összehasonlítások gazdagítják, de ez a nyelv mentes minden filozófiai absztrakciótól és szimbólumtól, és valóban hozzáférhető az olvasók számára. Petrarch néha eljátszik kedvese nevével (Laura, Cauro, laura), elragadja ezeket a harmóniákat, valamint a ritmus- és rímkombinációkat, ami némi művésziséget és kecsességet ad a dalszövegeinek, 50 de ezek a hobbik nem jellemzőek a költő.
Petrarch szonettjei nagy hatással voltak a világ költészetére. Figyelemre méltó, hogy Boccaccio a „Philostrato” című költeményébe belevette Petrarcha „Áldott a nap, a hónap, a nyár, az óra...” szonettjét, Poliziano pedig ezzel a petrarkai kifejezéssel kezdte 51. egyik versét. Petrarcha stílusa a reneszánsz stílusává vált. Franciaország, Anglia, Spanyolország, Portugália, valamint a szláv világ országainak 52 valamennyi nagy lírikusa átment a petrarkizmus iskoláján.
A szonett történetében új oldal fűződik Pierre Ronsard nevéhez. Újban történelmi viszonyokat ez a francia költő folytatta Petrarka hagyományait. Az olasz szövegírót utánozva Ronsard 1552-ben szonettgyűjteményt készített „Szerelmi versek Cassandra számára” címmel. A fiatal lány, Cassandra Salviati, akivel Ronsard a blois-i kastély udvarában találkozott, és szenvedélyesen beleszeretett, a költő teremtésének forrása lett. költői kép, ideálisra emelve, hasonlóan Petrarch Laurájához. Íme az egyik ilyen szonett, amelyet S. Shervinsky fordított:
Ha, hölgyem, a kezedben halok meg,
Aztán örülök: nem akarom
Megbecsülésre méltó, mint meghalni,
A csók pillanatában feléd hajolva.
Mások, akik a Marssal zavarják a melleiket,
Hadd menjenek háborúba, folytatni akarva
Mennydörögni erővel és páncéllal,
Spanyol acélt keres a mellkasában.
És nincs más vágyam:
Meghalni dicsőség nélkül, száz évet élve,
És tétlenségben - a lábadnál, Cassandra!
Bár lehet, hogy az enyém a hiba,
Feláldoznék ezért a halálért
Caesar ereje és Sándor erőszakossága 53.
Nem nehéz belátni, hogy Ronsard, az ókor mély ismerője, szonettjét görög és római uralkodók és mitológiai hősök nevével telíti, élesen szembeállítva a csatatéren végzett hőstetteket kedvese lovagi szolgálatával a tétlenség és a béke légkörében. . Felépítésében Ronsard szonettje eredeti: mindkét négysort egy bizonyos integritásba húzza, két rímre építve, de mindkét tercettót elválasztja egymástól, különböző szomszédos rímekkel hangoztatja, és egy harmadikkal egyesíti ("Cassandra" - " Alexandra”). A szonett a magasztos platonizmus jegyében íródott. A petrarkizmus szelleme még itt is érezhető, de felülkerekedik rajta a „Szerelmes versek folytatása” (1555) és a „Szerelmes versek új folytatása” (1556), amelyek szonettjeit Marie Dupinnek ajánljuk. E versek sajátossága a szonettekhez választott „alacsony stílus” 54 egyszerűsége és természetessége, hiszen e versek címzettje egy egyszerű, vidám, ravasz és földi parasztasszony volt. És az iránta érzett szerelem ugyanolyan egyszerű természetű.
Ronsard legmagasabb eredménye a szonett terén a „Szonettek Helenához” (1578) késői ciklusa volt, amelyet klasszicista tisztasága jellemez. Ennek a gyűjteménynek, a „Szerelem harmadik könyvének” címzettje Helena de Surgères, Catherine de Medici kisasszonya volt, aki kitűnt erényével és szépségével. Felkeltette a költő figyelmét, és felkeltette későbbi érzéseit. Amint azt Z. V. Gukovskaya megjegyzi, Ronsard lírai szonettjeinek harmadik, egyben utolsó ciklusát egy szinte idős férfi fiatal és büszke lány iránti szerelmének szomorú varázsa töltötte el. Ezek a szonettek „nyugodt és fenséges egyszerűségükkel tűntek ki: végül is Ronsard ezekben az években jutott el egy bizonyos egységes stílushoz költeményeiben, fenségesen és világosan:
Nem túl alacsony, nem túl buja stílus:
Horatius így írt, Vergilius pedig 55-öt.
Íme egy példa Ronsard szonettjeiből, amelyeket késői ciklusában mutattak be, amely a költői élet utolsó jelentős eseménye lett francia szerző, aki a Plejádok és általában a 16. századi Franciaország költőinek csoportját egyesítette maga körül:
Ha öreg leszel, gyertyával, hőség előtt
Az esti órában csavarod és pörögsz, -
Miután elénekelte a verseimet, csodálkozva azt mondod majd:
Fiatalkoromban Ronsard dicsőített!
Aztán az utolsó szobalány a régi házban,
Félálomban, egy hosszú napon át keményen dolgozva,
A nevemre, kiűzve a szememből az álmosságot,
Nem ok nélkül vesz majd körül halhatatlan dicsérettel.
A föld alatt leszek, és - egy szellem csont nélkül -
A mirtusz lombkorona alatt megtalálom a békémet.
A szén közelében hajlott öregasszony leszel
Sajnálom, hogy szerettem, hogy büszke voltam a visszautasításodra...
Élj, hidd el, ragadj meg minden órát,
Az élet rózsáiról azonnal szedd le az 56-os azonnali színt.
Ez nagyon érdekes történelmi tény: amikor Mary Stuart a londoni Towerben a kivégzésére várt, a nagy Ronsard szonettjeinek éneklésével vigasztalta magát. Legjobb eredmények A költőt az általa alkotott „Plejád” folytatta.
A szonettforma fejlődésében jelentős mérföldkő Shakespeare munkája volt. Kiadva eleje XVII században, 1609-ben a T. Thorpe kiadó által a nagy drámaíró szonettjei az angol költészet egyik csúcsalkotásává váltak. Shakespeare mind a 154 szonettje egy lírai hős képét festi, aki tudja, hogyan kell értékelni a hűséges barátságot, és megtapasztalni egy titokzatos hősnő iránti összetett, fájdalmas szerelmet. A lírai érzelem ezekben a művekben az érzések drámájával és a gondolat filozófiai mélységével ötvöződik. Shakespeare szonettjei többsége egy meg nem nevezett fiatalembernek szól. Kisebb részüket egy olyan nőnek szentelik, akit Shakespeare-tanulmányokban a „Dark Lady”-nek neveztek. Shakespeare-kutatók a fiatal férfit, a költő barátját Henry Risley-vel, Southampton grófjával vagy William Herberttel, Pembroke grófjával azonosítják. A címzettek egyikének címzett szonettekben az idő mulandóságának, a szépségnek, mint az élet örök értékének, valamint a neoplatonizmus filozófiájának témája bontakozik ki. A szerző hisz a szépség, a jóság és az igazság felbonthatatlanságában. Ami a „Sötét Hölgyet” illeti, a vele való harmonikus kapcsolat feltárása után a hűtlenséget és árulást elkövető nő iránti szeretet-gyűlölet fokozatosan kezd dominálni a versekben. Shakespeare előtt a világköltészet nem ismerte az ilyen körülmények és érzések szonett formájában való feltárását. Shakespeare szonettjeinek elemzésekor azonban az utolsó dolog, amit tennie kell, az életrajzi természet és az irodalomhoz közeli tények keresése, amit V. S. Florova 57 helyesen jegyzett meg. Shakespeare jellemzett művei tehát két részből állnak: az 1–126. szonettek egy barátnak címzett ciklust alkotnak; A 127–154. szonettek a Sötét Hölgynek szentelt ciklust alkotnak. De mivel a hős és a hősnő szorosan összefügg egymással, szerelmi háromszögbe lépnek a szerzővel, mind a 154 szonett szerves egységet képvisel.
Shakespeare szonettjeinek felépítéséről szólva meg kell jegyezni, hogy szerzőjük néha az olasz szonett szerkezetét reprodukálta, de gyakrabban folyamodott saját, „drámainak” nevezett kompozíciójához. A harmadik négysoros volt a csúcspontja a téma kidolgozásában, majd az utolsó páros következett – ami gyakran váratlan végkifejlet. Ez látható a 30., 34. és 66. szonettek 58 elolvasásával. Ez a szerkezet leginkább a drámaíró-költő számára volt alkalmas lírai vallomására, a szív életére, az akkori társadalomra jellemző csalás, képmutatás, kegyetlenség haragos feljelentésére. Ilyen például a 66. szonett, amely a valóság bajairól beszél, és Hamlet monológjait visszhangozza.
Shakespeare szonettjének tökéletessége lakonizmusában, átgondolt rímrendszerében nyilvánul meg: ABAB, SVSV, EFEF, GG. A téma drámai fejlődését szembenállások, ellentétek, kontrasztok és motívumok ütköztetései közvetítik. A befejező disztich általában aforisztikusan közvetít egy jelentős, általában filozófiai gondolatot.
Shakespeare szonettjeinek nyelvezete az összhang és alliteráció váltakozásán alapul. Szókincsük olyan rétegeket tartalmaz, amelyek képesek megragadni a valóság ellentmondásait. Vannak itt könyvesboltok is haragos beszéd, és az élet mindennapi szférájából származó megnyilvánulások, sőt a harag kifejezéséhez szükséges durva „házilagos” mondások is. Így a híres 130. szonettben Shakespeare nemcsak az eufusztikus (modoros, kifinomult) összehasonlításokat utasítja el, hanem olyan „illetéktelen” szavakhoz is folyamodik, mint pl. angol ige füstöl. Sem N. Gerbel, O. Rumer, A. Finkel fordításai, sem S. Marshak klasszikus fordítása nem közvetíti ennek a szonettnek a karakterét, amely „a hölgyem” portréját festi. Ezért R. Kushnerovich ezt a Shakespeare-szonettet még lefordítatlan 59-nek nevezi.
Amit Shakespeare zsenialitása megalkotott, az a későbbi költészet tulajdona lett. A szonettek szerzői gyakran fordultak drámai formájához. Igaz, a tragikus kortárs Edmund Spenser (1552–1599) nagyon összetett rendszer mondókák és „Spenseri strófa”. De nem vertek gyökeret az új generációk költőinek munkáiban, és maga Shakespeare sem használta ki ezeket a bölcsességet, nem volt szüksége rájuk.
A szonett művészete is Németországban fejlődött. Igaz, Schiller nem ezt a művészi formát használta, hanem Schlegel, Werner, Zacharius és Goethe fordult hozzá.
Goethe szonettjei a legjelentősebbek. A költő életének késői szakaszában, 1807-től kezdve alkotja meg őket. E forma választása Petrarka költészete iránti szenvedélyhez kapcsolódik. Goethe szonettjei önéletrajzi jellegűek. Nem véletlen, hogy a IV. szonettben a hősnő a lírai hőshöz fordulva a következő szavakkal fejezi ki szemrehányását:
Olyan kemény vagy, szerelmem! Egy szoborral
Hasonló vagy a jeges testtartásodban...
Ezeket a szonetteket főként Minna Herzliebnek, egy tizennyolc éves lánynak ajánljuk, aki iránt a már középkorú költő szerelmet érzett. A szerző számára szerelmi bágyadtsága „olyan dicsőséges, hogy egy másik dalba önti bele”. Goethe szonettjei ebben a szakaszban ilyen dalokká váltak.
Ezeknek a műveknek sajátosságai vannak. Először is, tizenhét szonettből álló nagy ciklus egyetlen cselekményen alapul. A tipikusan romantikus, magas sziklák és zúgó patakok hátterében találkozik egy fiatal lánnyal, akit egykoron gyerekként ismert. A vallomásokat és az öleléseket felváltja az elválás, a szeretett siratása, az új találkozások, a lehűlés. Ennek a formának másik jellemzője Goethében belső és külső dramatizálásuk. Belső – az érzéki vonzalom és a korlátozó visszafogottság, a laza viselkedés és a figyelmeztető tilalom ütközéséből fakad. A külső dramatizálást a szkeptikusok és szerelmesek (XIV. szonett), egy lány és egy költő (XV. szonett) párbeszéde közvetíti. Goethe szonettjeinek másik jellemzője az érzések lírai kifejezésének ötvözése az episztoláris formával: a ciklus egyes töredékei egy lány levelei a szeretőjének. Ezek a VIII., IX. és X. szonettek. Végül a költőnek e ciklus műveiben sikerült összehoznia és egyúttal szembeállítania két költői korszakot: Petrarka korát (az ő szonettformáját örökli) és a sajátját. időt, amelyet a költő „ezernyolcszázhetedik évtől” számol ( XVI. szonett). Ezért Goethe szonettjei jelentősen átlépik a lírai „én” határait, és magukba foglalják mások tapasztalatait és a korszak jeleit. Mint a kutató megjegyzi, „a szonett merev formájába jól illeszkedik az intimitás és az elhatárolódás, az újdonság nélküli ismerősség ellentéte. A forma fokozza az őszinte érzékiséget, ugyanakkor romantikus epizódmá változtatja a valóságot ‹…›. A szonettek kapocs a költő múltja és jelene között” 60. A szonettek annyira terjedelmesnek és fontosnak bizonyultak Goethe számára, hogy bizonyos mértékig elkészítették a „Lélekaffinitást”, a „Mignont” és a „Faust” egyes jeleneteit.
A 18. században egy ideig a szonett feledésbe merült: a század ideológiai csatáinak nem volt ideje művelésére. De a romantikus mozgalom visszatért ehhez a formához. Augustin de Sainte-Beuve francia költő összefoglalta mindazt, amit a szonettek szerzői több évszázadon keresztül tettek. Írt:
Ne a szonettet hibáztasd, gúnyos zoil!
Egyszer elbűvölte a nagy Shakespeare-t,
Úgy szolgálta Petrarchát, mint egy panaszos lírát,
Tass pedig láncra verve könnyítette a lelküket.
Camões lerövidítette száműzetését,
Szonettekben énekelve egy szerelmi bálvány erejét,
Dante számára ünnepélyesebbnek tűnt, mint a papság,
És mirtuszokkal borította be a költő homlokát.
Spencer varázslatos látomásokba öltöztette őket
És lassú versszakokban kimerítette bágyadtságát,
Milton bennük újjáélesztette a szív kialudt melegét.
Szeretném feléleszteni a váratlan rendszerüket.
Du Bellay volt az első, aki Toszkánából hozta őket hozzánk,
És hányan énekelték közülük a mi elfeledett Ronsardunkat.
Figyelemre méltó, hogy A.S. Puskin pontosan ez a Sainte-Beuve-szonett vezérelte híres remekművét: „A szigorú Dante nem vetette meg a szonettet...”. Puskin természetesen nemcsak az európai, hanem a hazai szerzők eredményeit is figyelembe vette e forma fejlesztésében: az utolsó terzettót teljesen Delvignek, hat pompás szonett szerzőjének dedikálta. Erről a költői formáról szólva Puskin megjegyzi:
Leányaink még nem ismerték őt,
Hogy Delvig megfeledkezett róla
Hexameter szent énekek.
Puskin maga is kisebb mértékben híve volt a szonetteknek, mint korán elhunyt barátja. Csupán három ilyen formájú alkotása van: a „Szonett”, a „Költő” és a „Madonna”, de ezek tartalmazzák a leggazdagabb tartalmat, és a strofikus ritmusok rendkívüli harmóniájával és hangzatosságával tűnnek ki. Ugyanakkor Puskin nem vette túlságosan figyelembe azt a kánont, amely e költői forma körül keletkezett. Igaz, a szonett külső mintáját követi, 14 versből építi fel, két négysorosra és két terzettóra bontja Petrarch és főleg Wordsworth szellemében, akinek szavai a „Szonett” epigráfiája lettek, és akinek az egész második négysoros dedikált:
Ma pedig rabul ejti a költőt:
Wordsworth őt választotta hangszerének,
Amikor távol a hiú világtól
Természeteszményt fest.
Puskin azonban nem fogadja el a szonettköltői gyakorlat néhány más szabályát. Újító módon elutasítja az övrímet az első két négysorban, és keresztrímeket használ, akárcsak a fenti második terzettóban. Puskin nem reagál arra a követelményre sem, hogy a szonettben gazdag vagy változatos rímeket használjon: „Súlyos Dante ...” öt verbális rímre épül („kiöntött” - „felöltözve” - „kiválasztott” - „megkötött” - „elfelejtett”), kiegészítve az „ideál” főnévvel. Ugyanakkor a terzetekben négysoros mondókákat alkalmaztak, amit nemkívánatosnak tartottak.
A „Költőhöz” című szonettben Puskin az első négysor keresztrímét a második körrímével keveri, bár itt megőrzi a rím egységét. A „Madonna” szonettben visszatér a rímek ilyen keveredéséhez és egyöntetűségéhez, és maga vezet be egy szonett számára tiltott átvitelt (enjambement) a második négysorból az első terzettóba. Ahogy a szonettteoretikus írja, „a forma súlyossága nem fogadja el az olyan hétköznapi kombinációkat, mint a „szerelem heve”, „hiábavaló fény”, „lelkes dicséret”. Megengedhető ebben a formában – melynek lényegi jellemzője a kifogástalanság – megkérdőjelezni olyan nyilvánvalóan „kitöltő” sorokat, mint: Szűzeink még nem ismerték őt ‹…› Mindez, ami egy hétköznapi versben egészen elfogadható, egy szonettben tűrhetetlen. , amely határozottan elvesz magától minden költői engedélyt, szándékosan növeli és bonyolítja a nehézségeket" 61. Ezenkívül Puskin gyakran megengedi a szonettben a szavak ismétlésének tiltott technikáját, amely mind a „Madonnában”, mind a „Költőhöz” című szonettben megtalálható.
El kell azonban mondani, hogy a verselméletet és a versifikáció gyakorlatát kiválóan ismerő Puskinnál ezek a szabadságjogok korántsem a hanyagság megnyilvánulása, hanem tudatos újítás, Puskin örökké jelenlévő újításának kifejeződése. . A szabadság fontos a nagy költő számára, többek között a számára jelentős tartalom közvetítésében, amelyet ez a három szonett tartalmaz, ahol a Teremtő függetlensége megerősíti mind a dicsérettől és a bolondok ítéletétől, mind a hideg tömeg nevetésétől. és az őt korlátozó szabályokból:
Te vagy a király: élj egyedül. A szabadság felé vezető úton
Menj bárhová a szabad elméd,
Kedvenc gondolataid gyümölcsének javítása...
Vitatható, hogy Puskin újításai szonettjeiben egyben azok emancipációja és továbbfejlesztése is. Hiszen a „Madonna” költőjének fontos hangsúlyoznia, hogy csak egy festményről álmodott, ezért ismétli ezt a szót. Fontos számára, hogy kiemelje és dicsőítse Madonnája tisztaságát, és ezt a szót szuperlatívuszban ismétli:
A tiszta szépség legtisztább példája.
Ez az ismétlés szükséges. Használata Puskin „szabad elméjének” és saját „legfelsőbb bíróságának” a megnyilvánulása 62.
Puskinnal párhuzamosan Adam Mickiewicz lengyel költő („Krími szonettek”) hozott zseniális példákat a szonettre.
Delvig és Puskin nyomán olyan orosz költők fordultak a szonettforma felé, mint P. Katenin, E. Baratinszkij, N. Scserbina, A. Fet, M. Lermontov, V. Benediktov, J. Polonszkij, K. Pavlova, A. Grigorjev. P. Buturlin, V. Brjuszov, Vjacs. Ivanov, M. Kuzmin, N. Gumiljov, M. Volosin, I. Annensky, O. Mandelstam, Yu. Verhovsky.
BAN BEN szovjet idő a szonettformát L. Visseslavszkij művelte. Az 1960-as évek művei, mint a „Borszonett” és a „Kertkés szonettje” a Petrarcha által kidolgozott szerkezetet reprodukálják: két négysort két tercet helyettesít, bár az általa kialakított kánonra jellemző rím nem marad fenn: először keresztrím hangzik el, majd – terzetto – szomszédos. L. Vyseslavszkij dalszövegeinek egy különleges ciklusa a „Csillagszonettek”-ből állt, amely 22 művet tartalmazott. Itt ugyanazt a szerkezetet alkalmazzuk, mint a már nevezett versekben. Szenvedélyes tér téma, a költő sok tekintetben variálja: „Csillagom szonettje”, „Főtervező”, „Álomszonett”, „Száznyolc perc” (Yu. A. Gagarin emlékére), „A szonett Path” stb., és kevésbé figyel a versírás szabályaira, a rímek hangzatosságára és teljességére, valamint a rímelés törvényességére. Csak a „Katona” és az „Obeliszk a mezőn” szonettekben használt négysoros körbefutó rímet, de a rímek pontossága és teljessége („obeliszk” - „ölelkezve”) hagy kívánnivalót maga után. L. Visseslavszkij szonettjeinek témája és felépítése egyaránt meglehetősen monotonnak bizonyul, egyetlen csillagtémának szentelve 63.
A szonettművészet fejlődésének áttekintése természetesen Jevgenyij Raevszkij munkásságához vezet bennünket. Költőnk erre a költői formára fordítja a legnagyobb figyelmet. Gyűjteményről gyűjteményre fejleszti azon képességét, hogy szonettet konstruáljon, és annak formáját a tervezett tartalomnak rendelje alá.
Emlékszünk rá, hogy már az első gyűjteménye is a „Szonett hatalmát” hirdette. Első ilyen formájú művét („Magáról és a szonettről”) a szonett iránti elkötelezettsége megértésének szentelte; kitartóan vonzza az olvasókat, hogy hallgassák a sorok aforizmáit:
Akinek van hangja, annak nincs joga hallgatni;
Hallgasd meg a szonettemet.
Figyelemre méltó, hogy a költő egy különleges „tizennégy soros varázslatot” említ. Ez a varázslat magát Jevgenyij Raevszkijt is lenyűgözi.
Az első gyűjtemény következő szonettjei a Shakespeare-féle reformművészetre jellemző szerkezetet öltik: a szonettek három négysorost és egy zárókuplet tartalmaznak. A költő a jövőben is ehhez a sémához ragaszkodik. Lehetővé teszi E. Raevsky számára, hogy három négysorosban alaposan kidolgozza témáját, hogy aztán a szonettet aforizmájában tiszta és tágas kupellel egészítse ki. Így az „A megszentségtelenített hitről” című szonettet harapós maxima koronázza meg:
Csak aljas gazdag bolondok
Felgyújtják a templomokat, ahol apáik imádkoztak.
Az „Az öregségről” szonett pedig bölcs következtetéssel zárul az elmondottakból:
Csak akkor tiszteljük őt,
Amikor értékeljük ősz hajunk fényét.
A Raevszkij utolsó sorai általában nem valami váratlanok, amint azt sok szonettista gyakorlatában megfigyelték. Ellenkezőleg, ezek a maximák természetesen következnek a szonett törzsének tartalmából. Így az „A részegség könyörtelenségéről” című szonett természetesen a következő, kétségekkel teli és hipotézisen alapuló reflexióval végződik:
Khayyam csábítóan énekelt a borról,
De nem valószínű, hogy ő maga is túl sokat ivott.
A költői munka intenzitásának, az igazi művész által átélt nagyfokú szenvedésnek a reflexiója pedig a felismeréssel zárul:
De most elrontottam a tervezetet -
Újra minden, nem szenvedtem, nem értettem.
Ami a három fő négysor felépítését illeti, Raevszkij gyakran ragaszkodik ahhoz a jól ismert követelményhez, hogy a környező rímre épüljenek. Így szerveződnek a „A költőhöz”, „A részegség irgalmatlanságáról”, „Az ember saját erejébe vetett hitéről”, „A féltékenységről”, „A vak szerelemről” és mások szonettek. A költő egy másik követelményhez is hű: a szonettben rejlő hangzatos, telt rímeket használ: „kés - „hasonló”, „kutya” - „harc”, „siet” - „láncban” („Az uralkodásról” rabszolga”), „tévedések” – „remegő”, „szenvedélyek” – „részek” („A vak szerelemről”).
Raevszkij szonettjeinek egyik jellemzője előre meghatározott tonalitásuk. Például az első kollekcióban találkozunk a „Winter Sonnet”-vel. A címben ilyen definíciót kapva ez a mű igyekszik a végsőkig megőrizni moll hangját és programozott hidegségét. A hideg, a hideg és a sötétség motívumai végigvonulnak az egész versen. Az első sorban hangzanak („Miért, a hideg és a sötétség közepette...”), az utolsó kettő pedig: „A hideg gúnyol, a sötétség fröcsög... A tél teljes mértékben megtérít.” De a központi versek olyan jelenségekről is beszélnek, amelyek elkerülhetetlenül apró hangnembe állítják az embert: hibák, elkerülhetetlen aggodalmak, szégyen, fáradtság, frázisok mindennapi élete, kételyek, szomorú kimenetel, megbánó beszélgetés, szemrehányás, gyengédség elvesztése, viszály. Mindez teljesen összhangban van a téli hideggel és az azt kísérő sötétséggel. A tartalom tehát igazolja a szonett címében megadott megjelölést.
„Szonett-zavar” – ez a neve a második gyűjtemény egyik miniatúrájának. És itt a vers szokatlan címét a hangvétele indokolja. Minden komor, amiről a szerző mesélni akar, mi alkotta élményeinek tartalmát (unalom, fáradtság, lelki fájdalom, szorongás, dalok tehetetlensége, ellenszenv, szenvedés, szomorúság, tehetetlenség érzése, hízelgés) olyan érzések sora, amelyek egyértelműen nem felelnek meg a költő főhangulatának, amelyet a gyűjtemény az élet fényes kezdetéről közvetít. Innen ered az a zavar, amely elkerülhetetlenné válik a szerző számára, és amely a szonett címében is kifejezésre jut.
Egy másik szonett, amely a második gyűjteményben található, a „Peaceful” nevet viseli. Mennyire indokolt ez a meghatározás? Hiszen úgy tűnik, háborúról beszélnek. Ennek a műnek a szókincsét olyan szúrós szavak alkotják, mint a szuronyok: „szúrt”, „kiáltás”, „háború”, „szuronyok”, „rémálom”, „brutális”, „korcs”, „ellenséges”, „vakmerőség”. , „erőszak”, „fogság”. Úgy tűnik, hogy a vers tartalma egyértelműen ellentmond a címnek. De a vers hangvétele korántsem derűs, pátosza semmiképpen sem harcias. Bár hangosan, de a háború megengedhetetlenségéről, megengedhetetlenségéről kiált. A „szúrós” szavakkal ellentétben a költő észrevétlenül bevezeti a „puha”, „csendes”, békés szavakat, amelyek a maguk módján ragaszkodóan hangzanak: „szomorúság”, „béke”, „pihenés”, „ágy”, „ sajnálkozás”, „élő”, „család”, „józan ész”, Isten, „élő nevek”, „egyházak”. A békés elv érvényesül, a költő a jövendő Haza nevében kívánja „elfogni a háborút”. Ez indokolja a „szonett” – „Békés szonett” szó melletti meghatározást.
„Fényes szonett” – ez a címe a „Szerelmem egy varázsgyerek” gyűjtemény egyik versének. A címet itt sokféle motívum és különféle kép támasztja alá. A „gyertyák” szóval kezdődik, és a „szeretet gyertyáinak” képével végződik. Ezeknek a gyertyáknak a fénye vibrál a szöveg minden töredékében, mind a három négysorosban és az utolsó kupléban. A fényt „táncol”, a költészetet is fény kíséri, a hősnő „könnyű nyelvű”, a hős igyekszik visszatartani a fényét, bár az behatol barátnője táncművészetébe és megvilágítja azt, „garanciája annak, jutalom". Hogyan lehet nem nevezni a szonettet „fénynek”? A legmegfelelőbb meghatározás.
Egy másik szonett ebben a könyvben a "Rowan ..." címet viseli. És még egyszer, nem önkényesen. A kőris képe központi helyet foglal el a versben. Csokorjai olyanok, mint a dallamok „vidám harmóniája”. A szeretett rubin ajka a berkenyefák harmóniájával párosul. Mennyire indokolt egy másik vers címe - „Tiszta szonett”? Hiszen egyáltalán nem beszél a férfi és nő plátói kapcsolatáról... Itt „az álmok és a kezek érzékien összefonódnak”. De ki mondta, hogy a szerelmesek szövetsége nem lehet tiszta? E. Raevszkij művében pedig a tisztaság jelenik meg az olvasó előtt. Nemcsak azért, mert a szerelem zenéjét tiszta fehér hó kíséri az ablakon kívül. És nem csak azért, mert az ember – ahogy a szonett mondja – „a tiszta zene misztériumát” érzi. Hanem azért is, mert a szerelmesek érzése tiszta, durvaságtól, tapintatlanságtól és megengedhetetlenségtől mentes. Elmúlt a fáradtság, megérkezett a béke varázsa, a szonett szereplőit szelíd álom béklyózza meg, némaság, szelíd és néma „romantikus hó scherzója” és egyéb rejtvényeket suttogó hangok vonják be. Végül mindent, amit a szonett ábrázol és kifejez, beárnyékol a jóság. Ezért magát a szonettet pontosan és bölcsen nevezik „tisztának”.
Az „Edifying Sonnet”-t nem véletlenül nevezik a nevén. A forma szempontjából nem minden makulátlan benne. Ha az első négysort egy környező rím korlátozza, akkor a második és harmadik négysor keresztrímekre épül, és a „szépség” - „magasság” nem nevezhető friss összhangpárnak. De a költő számára számos gondolat kifejezése válik az egyik szerelmes szolgai alávetettségéről, a térdre rogyott szépség megaláztatásáról, a hazugság és az őszintétlenség megengedhetetlenségéről az emberi kapcsolatokban. itt jelentős és legfontosabb. És mindezek a gondolatok itt maximák, didaktikai utasítások formáját öltik egy életet átélt embertől, bölcs építkezések. A lényegi formájuk itt lényeges, és egyáltalán nem csontos és kanonikus. Éppen ezért a szonett egyáltalán nem előnyös, de indokolt meghatározást kapott.
Nem tűnik helyénvalónak Szergej Jeszenint szonett formájában megszólítani. Az „Anna Snegina” és a „Levél egy nőnek” szerzője nem komponált szonetteket. Sőt, teljesen szabadon és gátlástalanul idegennek tűnik tőle a szonett formájának megszorító helyessége. Raevszkij maga emlékszik vissza arra, hogy a „föld énekese” „huliganizált és hancúrozott”, bort ivott és „veszekedett a láthatatlan Istennel”. De Jeszenyin szerzőnk kedvenc költője. Egyik interjújában Raevszkij csodálattal beszélt arról, hogy „Jeszenyin korának művelt, haladó embere volt. Akkor egy plébániai iskola öt osztálya valószínűleg tíz osztálynak felelt meg modern iskola. Nagyon érdeklődő volt, mint egy szivacs, magába szívta az orosz versifikáció minden újítását, tisztában volt az orosz és külföldi irodalmi élettel. Folyamatosan fejlődött" 64. Emiatt Jeszenin semmiképpen sem ellenjavallt a magas európai és orosz kultúra szülte formájában. Ezenkívül a költő a szerelemről írt, és ez a téma gyakran kéri, hogy az erre szánt szonett formában testesüljön meg, amelyet Jevgenyij Raevszkij figyelembe vett. Jeszenyin, Puskin mellett szerzőnk hosszú távú bálványa. „Egy álom dalára / Fiú koromig berúgtam veled” – vallja Raevszkij Jeszenyinnek címzett szonettjében. Nem véletlenül vett részt a Yesenin versmondó versenyen, és büszke a költőről elnevezett éremre. Ezért bizonyul belsőleg indokoltnak a nagy költő emlékére készült szonett. Szerzője szívből jövő szavakkal fejezi ki szeretetét elődje iránt:
...a föld énekese vagy, és itt örökkévaló vagy, mint a kereszt,
Mint egy templom, mint minden, ami szent és drága.
Raevszkij szonettjeinek másik jellemzője, hogy elsősorban a szerelem témájának szentelik magukat. Ebben a nagy elődök - Dante, Petrarch, Ronsard, Goethe, Puskin - követője. Szergej Novikov megjegyzi, „mint Petrarka szonettkölteményei, amelyek költői nagyságában eltörölhetetlenek, Jevgenyij Raevszkij szonettjei annak a nőnek szólnak, akit szeret. Képe változatlanul visszatükröződik a költő lelkében, de mi, olvasók, nem tudjuk ezt a képet tudatunkban konkretizálni, és tükröződésként érzékeljük. távoli csillagok, eljutva a költő költői világába..." 65.
Éppen ezért a költő verseiben gyakran felcsendülő csillagmotívum az égbolthoz és a térhez kapcsolódik, ahol Raevszkij verseinek lírai hőse gyakran szárnyal. Lírai hős„a mesés csillagokhoz” kíván repülni. Ha Lermontov verseiben „a csillag beszél a csillaggal” anélkül, hogy magányos emberrel érintkezne, akkor szerzőnk más, különleges viszonyt alakít ki a csillagokkal: „Boldog barátságban vagyok minden csillaggal” („Te hallgatsz az álmokra” hallgatásaimból...”). „Mindenben hittem Hajnalcsillag– emlékszik vissza a költő a „Blues-szonettben”. Észreveszi, hogyan „megérinti egy csillag az ablakot” kedvese („Álom”). A költő hajlamos az emberek életét a fényesek életéhez hasonlítani: „És maradunk, mint a csillagok, romolhatatlanok” („Fény hangja”). A figyelemreméltó képalkotás fenséges hangzást ad Raevszkij szonettjeinek.
Barátok és hasonló gondolkodású költők, akik nagyra értékelik Jevgenyij Raevszkij munkásságát, mindig elidőznek szonettjein. Alekszandr Ozsegov úgy véli, nem véletlen, hogy a költő „egy hét és fél évszázaddal ezelőtt keletkezett, zűrzavaros időkig fennmaradt tiszta, kanonizált szonettet választott” művei formájául.
Ozsegov nem magyarázza meg, hogy a szonetthez való felhívás miért nem volt véletlen. Szerintem ez annak köszönhető, hogy Raevszkij verseinek élénk érzelmisége paradox módon párosul a józan racionalitással és racionalitással. A költő maga is érzi ezt a szintézist, az ingadozásoknak ezt az amplitúdóját „a szerelemtől a tudat forralásáig” („Őszi öröm”). Néha azért vezeti be ezt az összefüggést, hogy az érzelmi élményekről szóló verseit filozófiaivá tegye. „Az esti fantasy egyszerűsége ésszerű” – olvashatjuk például a Videoszonnetben. Éppen ezért a szonett szigorú, racionálisan értelmes, világos formája közel áll E. Raevszkijhoz mint költőhöz.
Jevgenyij Iljin joggal hiszi el, hogy Raevszkij szonettjei innovatív jellegűek, mert felszabadultak és különböző intonációkat, stílusokat és korszakokat szintetizálnak 67. Ez egy helyes megfigyelés. Például a „Köszönöm” gyűjteményben szereplő „Bármerre nézel!..” civil hangvételű szonettben egészen konkrét, a költő által megragadott jelenségek mellett („szegények kiáltásai”, „a hatalom szemérmetlensége”). ”, „a háború sikere”, „az erőszak bűne”) absztrakt kategóriák szomszédosak („az igazság bizonyítéka”, „az el nem ismertek abszolútuma”, „a szerencsétlenség sorsa”). Az utolsó pár következtetései ugyanolyan sarkosak:
A gondolat elől a delíriumba menekülni mélység a sötétben.
Az én országom! Elment az eszed?
Ha az első versszak filozófiai és elvont természetű, akkor a második őszintén újságírói. Az ellentétes jelenségek ezen kombinációja E. Raevszkij számos szonettjének eredetisége.
Szerzőnk szonettjeinek lexikális gazdagsága tagadhatatlan. Szergej Szkacsenkov kölcsönözetlen szavakat talál benne, tele frissséggel és tisztasággal, és a „Szonett-ébredés” 68-at idézi, hogy megerősítse ezt az ítéletet.
Jevgenyij Raevszkij merészen elsajátítja a szonettforma különféle változatait. A „Rainbow Duet” egy rövidített szonett: két négysoros páros rímekkel és egy zárókuplettel rendelkezik. Ugyanez a séma Poletnoye-ban. A "The Crystal Garden" a négysorosok számát háromról négyre növeli, és ezzel egyidejűleg a hagyományos jambikus pentamétert trochee tetraméterre változtatja. Ugyanezt a kiterjesztett szonettet mutatja be „A szél kulcsa...”. Az úgynevezett „Long Sonnet” hat négysorból és egy kupletből áll.
Raevszkij szonettkoszorút is mert készíteni, amihez a szerző kellett több találékonyságés ügyesség: ez a „Szabad erotikus szonettek nyaklánca”, amelyet a „Köszönjük” gyűjteményben találunk. Itt a következő szonett első sora „tapad” az előző szonett hasonló utolsó sorához. Így a műveket rokon rím köti össze. Néha Raevszkij négysort és terzettet váltogat egy meg nem valósult sorral. Éppen ezért egyet kell érteni D. Kirshinnel, aki ezt írja: „Valóban, Jevgenyij Raevszkij a szonett mestere. Azt hiszem, itt beszélhetünk arról, hogy a szerző „veleszületett” megérti ezt az összetett formát, technikai, ritmikus, érzéki törvényeit - Jevgenyij Raevszkij szonettjei annyira eredetiek és változatosak. Találhatunk bennük társadalmi, sőt civil témákat is („Egy rabszolga, aki a rabszolgák ostobaságán keresztül jutott hatalomhoz...”), de a szonettek többsége mégis a szerelemnek szól” 69.
Maga E. Raevsky, felismerve, hogy a szonettek túlságosan szigorú formájuk és emelkedett tartalmuk miatt ma nem divatosak, ennek ellenére nagyra értékeli ezt a fajta strofikus konstrukciót. „Kipróbáltam magam különböző ritmusokban és méterekben” – mondta a költő egy interjúban. – És hirtelen rájöttem, hogy egy szonett 14 sora ideális. Mindent elmondhatsz bennük. És ennek a formának megvan a maga miszticizmusa. A szonett diktálja a feltételeit – egyszerűség, rövidség” 70.
Raevszkij szonettjei a szerző által feljegyzett e tulajdonságok által kitűnnek neki, hogy fegyelmezze gondolatait, 14 sorba terelje be a terjedelmes tartalmat, és kétsoros aforisztikus befejezéssel fejezze be. E tekintetben nem Petrarcha, hanem Shakespeare szonettjének szerkezetét műveli, amely, mint emlékszünk, mindig két hangsúlyos versszakkal zárult. De Raevszkij soha nem másolja a Hamlet és a híres szonettek alkotóját, tartalma lényegesen eltér attól, amit Shakespeare a Barát és a Sötét Hölgy megszólítása során megfogalmazott. Raevszkijnek megvan a maga nyelve, saját gondolati szerkezete és saját címzettjei, megvan a maga ruganyossága a lírai cselekményben és saját, kiváló tömörsége. S. Makarovnak igaza volt, amikor megjegyezte, hogy „a klasszikus és a szabad szonett nyilvánvaló támogatója, Jevgenyij Raevszkij soha nem felejti el, hogy a rövidség a tehetség testvére” 71 .
Ilyen Raevszkij szonettjének varázsa, amely soha nem hagyja el a költőt, és jótékony fogságában tartja.
Dante a reneszánsz küszöbén áll, annak a korszaknak a küszöbén, „...amelynek titánokra volt szüksége, és amely titánokat szült gondolat erejében, szenvedélyében és jellemében, sokoldalúságában és tanulásában”. Dante könnyen e titánok közé sorolható, akinek művei az olasz kreativitás és az emberek öröksége klasszikusai.
A családi hagyomány szerint Dante ősei a római Elisei családból származtak, akik részt vettek Firenze alapításában. Dante Alighieri (1265-1321) korának tipikus képviselőjeként, átfogóan képzett, aktív, a helyi kulturális hagyományokhoz és közérdekekhez szorosan kötődő értelmiségként jelenik meg életében.
Mint ismeretes, Dante költői formációja a fordulópont és az irodalmi középkorból az új alkotói törekvések felé való átmenet körülményei között történik. Mivel a költő nagyon vallásos volt, nagyon erősen átélte ezt a fordulópontot.
Ezenkívül Dante az akkori legbefolyásosabb olasz lírai költő, Gvittone d'Arezzo utánzásával kezdte, de hamarosan megváltoztatta poétikáját, és idősebb barátjával, Guido Cavalcantival együtt egy különleges költészet alapítója lett. költői iskola Dante maga az „édes új stílus” („Dolce style nuovo”) iskolájának nevezte.
Dante saját bevallása szerint a költő felébredésének lendületét az apja barátjának, Folco Portinarinak a lánya, a fiatal és gyönyörű Beatrice iránti tiszteletteljes és nemes szeretete adta. Ennek a szerelemnek a költői megerősítése volt az „Új élet” („Vita nuova”) önéletrajzi vallomás, amelyet 1290-ben meghalt kedvese friss sírjánál írt. Az „Új Élet”-ben szereplő két tucat szonett, több kanzona és egy ballada az átélt és lángoló érzéseket élénken tükrözi.
Formáját tekintve az „Új élet” egy bonyolult felépítésű, költészettel és prózával tarkított, nehezen értelmezhető szimbólumokkal és allegóriákkal teli szöveg. Fiatalkori szövegei közül Dante 25 szonettet, 3 dalt, 1 balladát és 2 költői töredéket választott ki az „Új élethez”.
A költő a szerelmet elemi erőként fogja fel, „a szemen keresztül a szívbe hatol”, és annak vágyával gyújtja fel, „aki az égből a földre jött, hogy csodát tegyen”. Meg kell jegyezni, hogy Dante számára a szeretet a tudományhoz hasonlított, amely felkészíti az emberi lelket az Istennel való kommunikációra. Az Új életben Dante nagy szerelméről beszélt Beatrice Portinari, egy fiatal firenzei hölgy iránt, aki Simone dei Bardihoz ment feleségül, és 1290 júniusában halt meg, amikor még nem volt huszonöt éves.
Szeretném megjegyezni, hogy a költő beleszeretett egy hölgybe, akit életében háromszor látott - skarlátvörös ruhában, amikor a költővel egyidős 9 éves volt, fehérben, amikor 18 évesek lettek. - válaszolta Betrice mosolyogva a meghajlására - és hamarosan utoljára, amikor Dante meghajolt előtte, de nem kapott választ. Elmondhatom, hogy nem véletlenül választották ezt a színvilágot, mert a ruha piros színe az első életévek örömét szimbolizálja, a fehér - a tisztaságot és a tisztaságot.
A. Dante megjegyzi, milyen édesek voltak ezek a pillanatnyi találkozások, amelyektől egy idő után megremegett a lelke:
Szemében tartja a Szeretetet;
Áldott minden, amire néz;
Séta közben mindenki hozzá siet;
Ha köszön, megremeg a szíve.
A gondolatok minden édessége és minden alázata
Aki hallja szavát, tudni fogja.
Boldog, akinek az a sorsa, hogy találkozzon vele.
Dante írta: Új élet"akár 1292-ben, akár 1293 elején. A korszak intenzíven kereste az új utakat publikus élet, költészet, művészet, filozófia. Az „Új Életről” szólva Dante a szerelmére gondolt, de ezt a szerelmet a világot és az egész emberiséget megújító hatalmas objektív erőként is értelmezte.
Természetesen sokan tanulmányozták ennek a műnek a kompozíciós felépítését, ezeknek az anyagoknak a tanulmányozása után arra a következtetésre jutottam, hogy az összes vers a második dal körül gyűjtötték össze, amely a kompozíciós központ:
A fiatal Donna az együttérzés lángjában,
Minden földi erény ragyogásában,
Mindig ott ültem, ahol a Halált hívtam;
És gyötrődéssel teli szemekbe nézve,
És hallgatva erőszakos szavaim hangját,
Döbbenetében szenvedélyesen zokogni kezdett.
Más donnák, sietnek a részvételre
Besírni a kamrájába, ahol feküdtem,
Látva, hogy szenvedtem,
Miután elküldték, szigorúan meghajoltak előttem.
Egy reklám: "Figyelj egy kicsit"
És ő: "Ne sírj hiába."
Mikor kezdett oszlani a delíriumom,
Madonnát a nevén szólítottam.
Emellett a költő figyelmét a 9-es szám misztikus szimbolikájára összpontosítja, amely jellemző fontos események egy író életében.
A híres író és kritikus Alekseev M.P. úgy véli, hogy „A 3-as szám a 9-es szám gyöke, így egy másik szám segítsége nélkül 9-et ad; mert nyilvánvaló, hogy 3 x 3 kilenc. Így ha a 3 képes a 9-re, és a csodák teremtője önmagában a Szentháromság, vagyis az Atya, a Fiú és a Szentlélek - három az egyben, akkor azt a következtetést kell levonni, hogy ezt a hölgyet (Beatrice) elkísérte a 9-es szám, hogy mindenki megértse, hogy ő maga 9, vagyis egy csoda, és hogy ennek a csodának a gyökere az egyetlen csodálatos Szentháromság.” Véleményem szerint a 9-es szám szimbolikája könnyen megmagyarázható, ha odafigyelünk arra a korszakra, amelyhez Dante tartozott. Mint tudják, az ilyen szimbolika a középkor alkotásainak szerves eleme volt.
Figyelemre méltó, hogy az "Új élet" vége egy utalást tartalmaz a " Isteni vígjáték", ami a költő számára Beatrice dicsőítéséért vállalt vállalkozásnak tűnik. Kedvesének képe egész életében inspirálja a költőt, egy nagyszerű gondolatot támogatva benne.
Ahogy O. Mandelstam írta: „...Danténak egyetlen lelki esemény is elég volt egész életére.”
Óratervezés.
A táblára felírják az óra témáját és elhelyezik Dante, Michelangelo, Petrarka, Ronsard, Shakespeare portréit, lejegyzik a „szonett” és a „szonáta” szavakat, a klasszikus szonett és Shakespeare szonett kompozícióját és rímsémáit.
Minden diáknak készült szóróanyag: Shakespeare befejezetlen 65. szonettje és Petrarch 13. szonettje.
Az órák alatt
Megszólal egy részlet a „Pathetique” szonátából
Beethoven
– Miért gondolja, hogy a szonettnek szentelt lecke az egyik költői formák– Beethoven-szonátával kezdtük? Van valami közös a szonáta és a szonett között?
– Igen, teljesen igazad van, a „szonett” és a „szonáta” szavak azonos gyökök, és a latin „SONARE” szóból származnak, ami fordításban „hangozni”, „csengeni”. A költészetben ez az egyedülálló 14 soros költői forma Szicíliában keletkezett a 13. században. A szonett, mint kanonikus forma, a reneszánsz idején érte el tökéletességét Dante és különösen Petrarch műveiben. Michelangelo csodálatos szonetteket is írt. Olaszországból a szonett Franciaországba került, ahol a 12. században Ronsard költészetében a klasszikus versformaként honosodott meg. Szinte ugyanebben az időben Shakespeare szonetteket írt Angliában.
Most hallani fogunk több szonettet az általunk megnevezett költőkről. Kezdjük Dante Alighieri szonettjével, akit a középkor utolsó és a reneszánsz első költőjének neveznek. Szonettjeinek nagy részét Beatrice Portinarinak dedikálta, akinek szerelme Dantéval kezdődött, amikor még kilenc éves volt, és egész életében tartott. Messziről jött szerelem volt. Mélyen elrejtőzött, csak ritka véletlen találkozásokból táplálkozott, kedvese röpke pillantásából, felületes meghajlásából. Beatrice halála után pedig (nagyon fiatalon, 1290-ben halt meg) a szerelem tragédiává válik. ÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁÁ
(A diák felolvassa Dante 15. szonettjét)
Francesco Petrarch szonettjeiben ugyanolyan szép képet alkot szeretett Lauráról. A huszonhárom éves Petrarka 1327 tavaszán találkozott a húszéves Laurával. Egy másik férfihoz ment feleségül. Huszonegy évvel a találkozás után a költő Laurát énekelte szonettjeiben és kánonjaiban. A verseket, amelyekben a költő Laura iránti szenvedélyét énekelte, két ciklusra osztotta: az első ciklus „Madonna Laura életéről”, a második „Madonna Laura haláláról”. Petrarka számára a világ minden szépsége, minden tökéletessége, minden bölcsessége egybeolvadt ennek a nőnek a képében. Egyszerre az a nő, akit a költő önzetlenül szeret, és a dicsőség szimbóluma, amelyről álmodik, és a költészet legmagasabb szintű kifejezője. Petrarch verseiben megszületik a szerelem reneszánsz felfogása – egy hatalmas erő, amely képes feltárni az egyén minden gazdagságát, betölti az egész életét, örömet és kínt hoz. Ez az új korszak szeretete. Érzéki és lelki, félelmetes és irgalmas, fényt adó és szenvedést hozó, mindenki számára más, minden alkalommal egyedi, egyéni, de mindig diadalmas.
(A tanuló felolvassa a Petrarcha 13. szonettjét, majd a tanulók megkapják a szövegét)
Áldott az év, és a nap és az óra,
És az az idő, az idő és a pillanat,
És az a gyönyörű föld, és az a falu,
Hová vittek, tele két édes szemmel;
Áldott legyen a titkos izgalom,
Amikor a szerelem hangja utolért,
És az a nyíl, ami a szívemben ragadt,
És ennek a sebnek égető bágyadtsága van.
Fáradhatatlanul Donna nevét kiáltozva,
És sóhajok, és bánatok és vágyak;
Áldott minden írásom
Az ő dicsőségére, és a gondolatra, hogy menthetetlenül
Róla beszél nekem – egyedül róla!
– Próbáljuk meg Petrarch szonettjének szövege alapján meghatározni a klasszikus olasz szonett kompozíciójának és rímének jellemzőit.
Tehát a szonett 14 sorból áll, 2 négysorosra (quatrain) és 2 tercetra (terzettoes) osztva. A vers leggyakrabban tizenegy szótagos (ritkábban tíz szótagos). A négysorok két rímnégyesre épülnek, általában a következőképpen vannak elrendezve: abba/abba. A tercettókat leggyakrabban három rímpárra építik fel a következő sémával: vvg/dgd
Sőt, ha a női rím, akkor b férfinem, c férfinem, d nőnemű, d férfinem. Ha a férfias, akkor fordítva.
Így a szonett kifogástalan és átgondolt szerkezete jön létre. A négysorosban, elsöprő rímekkel, ugyanazok a rímek hol összeérnek, hol szétváltak, harmonikus játékot adva az „elvárásoknak”. Terzetben a rendszer megváltozik, ami sokszínűséget teremt. A négysoros rím egysége a téma egységét hangsúlyozza, amit az első négysorban kell feltenni, a másodikban kidolgozni, így az első terzettóban „ellentmondás”, a második „feloldásban” pedig szintézis adható. gondolat vagy kép, megkoronázva egy végső formulával, az utolsó sorral, a szonett „zárával”.
Shakespeare kissé módosította a klasszikus szonettet. Általában fenntartva a belső szonettkompozíciót, három négysorból álló szonetteket írt, és azokat egy, a fő gondolatot tartalmazó kupellel zárta. A rímrendszerük is más. 154 szonettet írva Shakespeare úgy tűnt, hogy versenybe száll a líra nagy mestereivel. Nem annyira az egyenlőségre törekedett, mint inkább arra, hogy a helyzetek és képek újszerűségével, eredetiségével megkülönböztesse magát tőlük. A több éven át írt, látszólag huszonnyolc és harmincnégy év közötti szonettek heterogének. Sokan közülük, különösen a kezdeti, egy barátnak szentelt, nyilvánvaló idealizálás bélyegét viselik, míg a későbbiek ugyanazzal a lélektani igazságerővel ámulatba ejtik, amely Shakespeare legjobb drámáira is jellemző. Ám az egyes szonettcsoportok közötti belső különbségek ellenére egy közös költői elv egyesíti őket. Shakespeare, miután teljesen elsajátította e kis lírai költemények formáját, bátran vezet be bennük az élet minden területéről, így a prózai hétköznapokból is merített képeket és összehasonlításokat. Shakespeare felerősítette a szonettköltészet drámaiságát, és elődeinél jobban közelítette a dalszövegeket az emberek valódi érzéseihez.
(A felkészített tanulók Shakespeare több szonettjét is elolvasták: 90, 91, 130.)
– Nos, most, hogy megismerkedtünk a szonettkészítés alapelveivel, teszteljük kreatív lehetőségeket- hozzáadjuk Shakespeare befejezetlen szonettjét, létrehozzuk a szonett „kastélyát”, az utolsó két sort, aminek tartalmaznia kell fő gondolat verseket.
(A srácok kapnak egy papírlapot Shakespeare befejezetlen szonettjével (65. sz.), és dolgoznak a befejezésén)
Nos, ha réz, gránit, szárazföld és tenger
Nem állnak ki, ha eljön az idejük,
Hogyan élhet túl, a halállal vitatkozva,
Tehetetlen virág a szépséged?
Amikor nehéz az ostrom
A rendíthetetlen összetöri a sziklákat
És elpusztítja a bronzszobrokat és oszlopokat?
Ó, keserű gondolat! Hol mi
Menedéket talál a szépség számára?
Mintha megállítanál egy ingát a kezeddel,
Időnként menteni a színeket?
Következtetés
Munkánk során a „Szövegtanulmányozás az iskolában Shakespeare szonettjeinek példái alapján” témát vettük figyelembe.
A dalszöveg iskolai elemzése összetett probléma, hiszen a dalszöveg tanulmányozása, egyfajta irodalom legmagasabb fokozat konvencionális, finom, sajnos gyakran csak felületes.
Legrosszabb esetben irodalomórán újramondanak egy lírai költeményt, legjobb esetben a lírai szöveg nyelvének kompozícióját, vizuális és kifejező eszközeit elemzik, sokszor nem is gondolva rájuk. funkcionális célja. De egy iskolás csak akkor éri el a dalszöveg érzékelésének mélységét, ha megérti annak általános sajátosságait.
