Le XVIe siècle est le plus dramatique des annales de l'Angleterre, le plus glorieux de l'histoire de sa littérature. Existe-t-il des personnages plus pittoresques dans la galerie des monarques anglais qu'Henri VIII et la grande Elizabeth ? Existe-t-il une victoire plus légendaire que la défaite de l’Invincible Armada espagnole ? Existe-t-il un poète plus célèbre que Shakespeare ? En seulement cent ans, un pays aux portes de l'Europe, déchiré par une guerre civile, s'est transformé en une grande puissance, prête à se battre pour sa suprématie sur tous les océans, et est passé presque de rien à l'Angleterre, qui sera bientôt à juste titre appelée la "Maîtresse de la Mer."

La Renaissance anglaise a coïncidé en grande partie avec l’ère Tudor. Le point de départ doit être considéré comme la bataille de Botsworth (1485), au cours de laquelle le roi tomba. Richard III, le méchant notoire de la pièce de Shakespeare du même nom. Ainsi se terminèrent les guerres des roses écarlates et blanches. Les deux buissons, écarlates pour les York et blancs pour les Lancaster, furent cueillis jusqu'à la fleur, et Henri VII (1485-1509), fondateur de la nouvelle dynastie Tudor, monta sur le trône. Le pays fut vidé de son sang, de nobles seigneurs furent tués, les possessions françaises furent presque entièrement perdues. Exactement sept ans après la bataille de Botsworth, en 1492, Colomb découvrirait l'Amérique et la grande course aux terres et aux trésors du Nouveau Monde allait commencer. La majeure partie de cette tarte grasse sera dans un premier temps captée par l'Espagne. Mais Henry Tudor (rendons-lui son dû), malgré son avarice proverbiale, n'a même pas épargné d'argent pour le développement de la flotte anglaise. Et les résultats se sont fait sentir - sous le règne de sa glorieuse fille Elizabeth.

Ce n’est pas la soif de pouvoir des rois, mais la logique même des choses qui a poussé le pays, fatigué des conflits, vers une monarchie absolue. Henri VII était déjà guidé par cela, et plus encore par son fils Henri VIII Tudor(1509-1547). En fin de compte, il établit un pouvoir complet non seulement sur l'État, mais aussi sur l'Église anglaise, se proclamant chef suprême (1534). Cela signifiait une rupture avec le pape, mais ici les Britanniques n'étaient plus les premiers ; la Restauration anti-papale, commencée par Luther, docteur en théologie de Wittenberg, avait déjà gagné dans de nombreux pays allemands, ainsi qu'en Hollande ; au fil du temps, l’Angleterre commencera de plus en plus à se concentrer sur ses alliés protestants en Europe.

Henri VIII est entré dans l'histoire comme un despote et « Barbe Bleue » sur le trône anglais. C'était un roi impérieux et têtu qui renforça et unifia le pays, mais en même temps le divisa selon des lignes religieuses, qui résonneront encore un siècle plus tard, à l'époque de la Révolution anglaise et de la guerre civile. Il était bien éduqué et encourageait les connaissances humanistes et la culture de la Renaissance ; C'est sous lui qu'il devint indécent pour le jeune courtisan de ne pas jouer de musique, de ne pas chanter, de ne pas écrire de poésie. Mais cet amoureux des arts, sans pitié, envoya le grand Thomas More à l'échafaud, exécuta le comte Surry et plusieurs autres poètes de la cour. Chevalier couronné qui combattait dans des tournois pour l'honneur de belles dames et composait pour elles des madrigaux de ses propres mains, sans trop d'hésitation il remit au bourreau son épouse la reine Anne Boleyn, puis la reine Elizabeth Howard ; Il est également bon que le roi n'ait pas exécuté toutes ses femmes (il en avait six), mais seulement après une.

Le petit fils d'Henry Édouard VI, couronné en 1547 (il est décrit dans le roman de Mark Twain « Le Prince et le Pauvre »), était en phase terminale et ne régna pas longtemps. Après lui, le trône fut accaparé par la fille d'Henri issue de son premier mariage avec Catherine d'Aragon, Marie Tudor(1553-1558). Après avoir épousé le prince espagnol Philippe, elle ramena brusquement l'Angleterre au catholicisme. S'il y a une dizaine d'années, ceux qui restaient fidèles à la foi catholique et ne reconnaissaient pas l'« Acte de suprématie » royal étaient exécutés, aujourd'hui des dizaines et des centaines de ceux qui ne voulaient pas revenir au règne de l'Église romaine se rendent au bûcher. et sous la hache du bourreau. Il n’est pas surprenant qu’à la mort de Marie la Catholique, de nombreux Anglais aient poussé un soupir de soulagement. La fille d'Henri VIII et d'Anne Boleyn, Elizabeth Tudor (1558-1603), vingt-cinq ans, accède au pouvoir et entame l'un des plus longs règnes de l'histoire anglaise.

Le temps a montré à quel point la nouvelle reine s'est révélée être un « Machiavel en jupe ». Sérieusement instruite, parlant couramment plusieurs langues, elle possédait également des talents politiques et diplomatiques exceptionnels. À cette époque, il y avait des préjugés contre les femmes occupant le trône ; mais Elizabeth a réussi à transformer ce « défaut » à son avantage, en faisant un atout. Elle a proposé une idée aux gens reines vierges comme symbole de l'union mystique entre le monarque et l'État. Le calcul était précis : la femme est l'Ève pécheresse, de qui viennent tous les troubles, mais la vierge est la Très Sainte Marie, de qui vient le salut. Elizabeth ne s'est jamais mariée ; la couronne a remplacé sa couronne de mariage. Mais en même temps, c’est ce qui est intéressant ! - restant comme si fiancée au peuple anglais, la reine tout au long de son règne a négocié le mariage avec de nombreux dirigeants européens, en utilisant elle-même comme appât, et le mariage proposé comme un puissant levier politique, et a habilement, pendant des années, mené les candidats par le nez - en particulier le roi d'Espagne Philippe.

Peu à peu et sans mouvements brusques, Elizabeth restaure l'Église anglicane qui, selon ses dogmes et sa structure, réalise une sorte de compromis entre catholicisme et luthéranisme. Dans le même temps, deux ailes de radicaux se sont formées : les catholiques, partisans du pape, et les puritains, qui défendaient une libération complète des rites romains - avec lesquels l'État devait lutter à l'avenir. Les catholiques étaient particulièrement dangereux, soutenus non seulement par les puissances continentales, mais aussi par l'Écosse, indépendante de l'Angleterre, et les comtés du nord adjacents. Elizabeth devait craindre la reine écossaise Mary Stuart, sa cousine, dont les habitants du Nord s'attendaient à ce qu'elle accède au trône d'Angleterre. Heureusement pour Elizabeth, Mary se retrouva mêlée à des intrigues amoureuses et, accusée d'être impliquée dans le meurtre de son mari Lord Darnley, fut contrainte de fuir en Angleterre, où elle se retrouva bientôt dans la position d'une captive. En 1586, alors que l’Espagne se préparait activement à une attaque contre l’Angleterre, les services secrets d’Élisabeth développèrent et menèrent une opération (on pourrait dire une provocation) visant à impliquer Marie Stuart dans une correspondance criminelle avec l’Espagne et obtinrent toutes les preuves dont elle avait besoin. La reine d'Écosse fut accusée de complot contre l'Angleterre, jugée et exécutée le 8 février 1587. L'année suivante, l'Invincible Armada espagnole, composée de 134 navires avec à son bord un énorme corps expéditionnaire, a navigué vers les côtes de l'Angleterre, avec l'intention d'en finir une fois pour toutes avec la « reine hérétique », mais a été attaquée de manière décisive par la flotte anglaise en la Manche, à proximité du port de Calais. La défaite fut complétée par une tempête qui coula de nombreux navires espagnols ; seuls les pitoyables restes de l'Armada ont réussi à retourner dans leur pays d'origine.

La victoire sur l’Invincible Armada a inspiré les Britanniques. La lutte contre les Espagnols en mer, jusqu'alors épisodique, souvenons-nous des exploits de pirate de Francis Drake, adoubé par Elizabeth ! - prend le caractère d'une véritable guerre navale : raids sur les colonies espagnoles d'Amérique, saisies de « flottilles d'or » et de « flottilles d'argent » allant de là vers la métropole, attaques contre des villes portuaires en Espagne même (par exemple, prise de Cadix en 1596). Des volontaires anglais et des unités régulières combattirent aux Pays-Bas, aidant la jeune République néerlandaise à résister aux mêmes Espagnols. Dans le même temps, le commerce international s’est développé. Depuis 1554, il existait une compagnie moscovite qui envoyait chaque été ses navires à Arkhangelsk ; en 1581, la Compagnie du Levant fut fondée pour commercer avec le Moyen-Orient, et en 1600 la future célèbre Compagnie des Indes orientales fut fondée. Les Britanniques tentent de prendre pied sur les côtes du Nouveau Monde. Sir Walter Raleigh a fait une expédition en Guyane, sur les rives de l'Orénoque, où il a recherché la terre dorée de l'Eldorado. À son initiative, la première colonie anglaise d’Amérique du Nord, la Virginie, est fondée.

Toutes ces nouvelles, innovations et réalisations sont devenues publiques - par le biais d'arrêtés royaux et parlementaires, de récits de voyage, de brochures contenant des ballades sur des sujets d'actualité, enfin de représentations théâtrales. Les horizons de l'Anglais moyen se sont considérablement élargis, le pays se sentait à un grand carrefour historique et géographique ; et ce n'est pas un hasard si précisément ces années d'essor patriotique ont coïncidé avec les années d'épanouissement rapide du théâtre, de la poésie et du théâtre anglais.

Le premier poète anglais de la Renaissance était déjà Geoffrey Chaucer (1340?-1400), un contemporain de Boccace et de Pétrarque. Son poème « Troilus et Cressida », ainsi que les poèmes des Italiens, ont servi de modèle direct aux poètes anglais du XVIe siècle, de Wyatt à Shakespeare. Mais les héritiers de Chaucer n'ont pas réussi à développer ses réalisations. Le siècle qui suivit la mort de Chaucer fut une période de retraite poétique, de pause prolongée. Peut-être est-ce dû à l'instabilité politique de l'Angleterre au XVe siècle ? Jugez par vous-même. Au XIVe siècle - les 50 ans de règne d'Édouard III - et l'apparition de Chaucer. Au XVe siècle, il y a eu une succession de rois, la Guerre des Deux-Roses, et pas un seul grand poète. Au XVIe siècle, les 38 ans de règne d'Henri VIII et la première floraison de la poésie, puis les 45 ans de règne d'Élisabeth et toutes les plus hautes réalisations de la Renaissance anglaise, dont Shakespeare. Il s'avère que la stabilité est ce qui est important pour la poésie, même s'il s'agit d'un pouvoir dur ou du despotisme. Il y a beaucoup de choses à penser ici.

Bien entendu, il y avait d’autres raisons à l’épanouissement de la poésie anglaise. L’un d’entre eux, tout à fait évident, est le début de l’imprimerie anglaise, posé par William Caxton en 1477. Depuis lors, le nombre de livres publiés en Angleterre a augmenté de façon exponentielle, influençant directement l’essor de l’éducation nationale – scolaire et universitaire. Parmi les premiers livres imprimés par Caxton figuraient les poèmes à moitié oubliés de Chaucer, qui devinrent ainsi accessibles à un large public.

Cependant, même au XVIe siècle, le développement de la poésie anglaise s'est déroulé de manière inégale : après l'exécution du comte Surry en 1547, il y a eu un retard de trois décennies - jusqu'à ce que des noms de stars comme Philip Sidney, Edmund Spenser et Walter Raleigh apparaissent sur la scène poétique. horizon. Ce n'est que dans les années 1580 que l'accélération a commencé, et au cours de la dernière décennie de l'ère élisabéthaine, il y a eu une forte augmentation : Christopher Marlowe, William Shakespeare, John Donne.

La culture de la Renaissance anglaise est centrée sur la littérature. Hélas, elle ne peut se vanter de posséder des chefs-d'œuvre de peinture ou de sculpture. Que cela soit dû au manque de soleil ou à la prédominance de l'imagination sur l'observation, caractéristique des peuples des forêts du nord - les Allemands et les Celtes, nous ne le devinerons pas, mais le fait demeure : le héros culturel des Britanniques n'était pas un artiste, mais poète. L'écriture de poésie en Angleterre au XVIe siècle est devenue une véritable manie. Sans parler du fait que l'art de la poésie était considéré comme un élément indispensable de la perfection chevaleresque et, en tant que tel, se répandait à la cour et dans la haute société, les mêmes poèmes - à travers l'école, le théâtre, à travers les livres et les ballades-dépliants - entraient dans la vie. de presque toutes les classes alphabétisées. Il était rare qu'un apprenti londonien ne puisse, si nécessaire, composer un sonnet ou au moins quelques strophes rimées. Non seulement les messages amicaux et les notes d'amour étaient écrits en vers, mais aussi les messages scientifiques, édifiants, historiques, géographiques, etc.

L'ère des rimeurs ; ils grouillent tout autour
Poèmes, comptines... non, je vais te sauver des rimes, -

Ben Jonson a fait remarquer sarcastiquement. Bien sûr, la versification n’est pas encore de la poésie, et la quantité ne se traduit pas toujours en qualité… même si c’est finalement le cas. « L’ère des rimes » s’est avéré être à son apogée le siècle des génies poétiques.

Les poèmes, comme nous l'avons déjà dit, existaient alors à différents niveaux. Ils pouvaient servir de moyen de communication ou d'outil pour une carrière à la cour - les hauts nobles n'étaient pas insensibles à la flatterie poétique ; et en même temps, la poésie était perçue comme un art, c'est-à-dire un service rendu à la beauté. Mais il n'était pas approprié pour un poète-noble de publier ses poèmes, c'est-à-dire de les mettre à la disposition des étrangers. Ni Wyatt ni Sidney n’ont levé le petit doigt pour faire connaître leurs poèmes ; leur ambition ne dépassait pas le cadre d’un cercle restreint d’experts, d’« initiés ».

La situation n’a commencé à changer que vers la fin du siècle, lorsqu’une nouvelle génération d’écrivains ordinaires est entrée dans la littérature. Dans un effort pour gagner du soutien, ils ont dédié leurs livres aux nobles – mécènes des arts ou à la monarque elle-même. Un écrivain professionnel ne peut exister sans le mécénat matériel – qu’il s’agisse d’un mécène des arts ou du public. Mais le commerce du livre n’était pas encore suffisamment développé pour que le poète puisse vivre (ou simplement survivre) de ses poèmes. Seule l'épanouissement des théâtres à l'époque de Shakespeare a donné au poète et dramaturge une opportunité similaire. Des écrivains tels que Shakespeare et Jonson ont en fait utilisé les deux types de soutien : de puissants mécènes et des foules de théâtre. Peu de gens ont réussi à passer entre Scylla et Charybde, en écrivant uniquement « pour l'âme » : parmi eux on compte, par exemple, l'élève le plus talentueux de John Donne, le prêtre George Herbert.

La poésie de la Renaissance était étroitement liée à la monarchie, à la vie de la cour royale. Premier grand poète de l'ère Tudor John Skelton fut d'abord le professeur de latin du prince Henri (le futur roi), puis une sorte de bouffon de la cour. Auteur des premiers sonnets anglais Thomas Wyatt une légende romantique s'associe à Anne Boleyn, épouse d'Henri VIII ; lorsque la malheureuse reine tomba, il n'échappa que miraculeusement à la mort. Georges Gascoigne, le meilleur poète du milieu du siècle, a essayé toute sa vie d'attirer l'attention de la cour, de gagner les faveurs du monarque au pouvoir - et est mort, atteignant à peine l'objectif souhaité. Philippe Sidney, le « Pétrarque anglais », après sa mort héroïque sur le champ de bataille, fut canonisé comme chevalier et poète exemplaire, et reçut des funérailles nationales et des honneurs posthumes. Walter Raleigh, largement connu comme soldat, homme politique, scientifique et navigateur, possédait également un don littéraire de premier ordre ; Les poèmes de Raleigh à la « Reine Vierge » font partie des plus belles fleurs de sa couronne poétique. Elizabeth elle-même a dédié des poèmes à son fidèle « Sir Walter » préféré. Hélas, après la mort de la vieille reine, la roue de la Fortune tourna : le puissant favori se retrouva prisonnier de la Tour, et « la tête la plus intelligente du royaume » finit par tomber, abattue par la main du bourreau.

Il est facile de multiplier les exemples de la façon dont les affaires littéraires étaient liées aux affaires de l’État. Beaucoup de ces histoires sont tragiques ; mais l'essentiel est différent. Les poèmes ont reçu de l'importance. Oui, parfois des dénonciations étaient écrites contre leurs auteurs, ils pouvaient être arrêtés et même tués. Et en même temps, les princes et les nobles considéraient qu'il était de leur devoir de protéger les poètes : leurs œuvres étaient réécrites et soigneusement conservées. Sans poètes, l'éclat de la cour, la vie de l'État dans son ensemble et le monde intérieur de l'individu étaient incomplets. Lorsque Charles Ier fut exécuté, il emporta avec lui deux livres sur l'échafaud : un livre de prières et l'« Arcadia » pastorale et lyrique de Philip Sidney. Avec ce geste symbolique, c'est toute une époque qui s'achève : dans l'Angleterre puritaine et bourgeoise, la poésie prend une place fondamentalement différente. Seulement un siècle et demi plus tard, les poètes romantiques ressuscitèrent l’époque de Shakespeare et réévaluèrent le riche héritage de leur poésie de la Renaissance.

Aujourd’hui, en regardant à travers l’épaisseur du temps translucide, nous voyons : c’est toute l’Atlantide, un immense continent englouti sous les eaux. Des centaines de poètes, des milliers de livres, des centaines de milliers de vers de poésie. La trentaine d’auteurs présentés ici ne sont qu’un petit échantillon de cette étonnante diversité. C'est forcément subjectif, même s'il reprend tous les grands noms de cette époque. Des poètes du premier rang seulement Edmond Spencer présenté nominalement, comme un sonnet : s'il s'agissait d'une anthologie bien équilibrée, il faudrait donner au moins un extrait de sa célèbre "Fairy Queen" - un poème allégorique glorifiant la reine Elizabeth.

Parmi les poètes, relativement parlant, du second rang, c'est avec un regret particulier que j'ai dû omettre John Davis, dont les œuvres principales, les poèmes « Nosce Teipsum » et « Orchestra », auraient à peine été perçues dans de courts passages, et il n'y avait tout simplement pas de place pour davantage dans le livre. Parmi les poétesses que je voudrais présenter, tout d'abord, Isabelle Whittney, qui publia le premier recueil de poésie écrit par une femme en Angleterre en 1573. Mais son plein d'esprit «Testament to Londoners», dans lequel elle décrit à ses lecteurs tout son Londres bien-aimé - un guide détaillé des rues, des magasins et des marchés de la ville - perdrait inévitablement son authenticité et son charme en traduction. En général, la dernière partie du travail sur ce livre a été la plus douloureuse, car j'ai dû volontairement abandonner beaucoup et beaucoup - par souci de compacité et d'harmonie, rappelant constamment à l'ordre mes yeux errants. Et pourtant, je voulais montrer l'étendue et la portée de l'ère poétique, la diversité des genres, des thèmes et des personnalités des auteurs. Outre les œuvres classiques de Shakespeare et Donne, le lecteur trouvera également ici des chefs-d'œuvre de la poésie lyrique écrits par des poètes moins connus, par exemple des poèmes Chidika Tichborne, composé avant l'exécution () ou Thomas Nash. Le livre comprend également des poèmes de la royauté : Henri VIII, Elizabeth et Jacques Ier, ainsi que des chansons et des ballades sans titre. La poésie dramatique est représentée par deux extraits de tragédies peu connues - "Le Loup-Garou" Thomas Middleton Et Georges Chapman, et le genre de l'épigramme est à moitié oublié Thomas le Bâtard.

Ce livre couvre principalement l'ère Tudor - d'Henri à Elizabeth. La poésie de l'époque de Jacob Stuart ne se reflète que dans les œuvres d'auteurs déjà familiers, c'est-à-dire « transitionnés en douceur » vers le nouveau siècle et le nouveau règne (y compris Donne et Jonson), ainsi que les noms de leurs étudiants. Georges Herbert Et Robert Guerrick. La dernière section est consacrée Andrew Marvell; nous sommes dans une époque complètement différente : la Révolution anglaise et le protectorat de Cromwell. Et pourtant (telle est l'inertie du style) la poésie de Marvell est encore en grande partie de la Renaissance ; elle représente l'achèvement des traditions à la fois des pétrarchistes anglais et des métaphysiciens anglais - une sorte d'épilogue et de trait d'union avec ce que les poètes du XVIe siècle ont fait. .

Si ses prédécesseurs se concentraient principalement sur la littérature étrangère, alors, sur la base des mêmes influences de la poésie italienne (et en partie française), il essaya de créer une poésie nationale purement anglaise.

Il n'est issu ni d'une famille aristocratique ni d'une famille aisée, mais a reçu une solide éducation classique à l'Université de Cambridge. En 1578, nous le retrouvons à Londres, où ses camarades d'université l'introduisent dans les maisons de Sidney et de Leicester, par l'intermédiaire desquelles il accède probablement à la cour. À cette époque, Spenser créa le Calendrier du Berger et commença probablement à travailler sur le poème The Faerie Queene. Puisque Spencer n'était pas en sécurité financière pour vivre sans service, ses amis lui ont assuré un poste de secrétaire personnel de Lord Grey en Irlande.

En 1589, Spencer retourna à Londres et vécut dans ou à proximité de la capitale pendant environ une décennie, se consacrant entièrement à la créativité littéraire. En 1590, les trois premiers livres du poème « The Faerie Queene », dédié à la reine Elizabeth, furent publiés à Londres, ce qui lui valut une renommée littéraire ; Malgré la petite pension annuelle qui lui a été attribuée par Elizabeth, les affaires financières de Spencer étaient loin d'être brillantes et il a recommencé à réfléchir à une sorte de poste officiel. En 1598, il était shérif d'une petite ville irlandaise, mais cette année-là, un soulèvement majeur éclata en Irlande. La maison de Spencer a été détruite et incendiée ; il s'enfuit lui-même à Londres et y mourut bientôt dans des circonstances extrêmement exiguës.

Peu de temps avant sa mort, il écrivit un traité en prose « Sur l'état actuel de l'Irlande ». Les contemporains ont soutenu que c'était ce travail, qui contenait beaucoup de vérité sur l'exploitation brutale et la ruine des Irlandais par les autorités anglaises, qui était à l'origine de la colère de la reine Elizabeth contre Spenser, qui l'avait privé de tout soutien matériel.

Les premiers poèmes publiés de Spenser furent ses traductions de six sonnets de Pétrarque (1569) ; ils furent ensuite révisés et publiés avec ses traductions des poètes des Pléiades françaises.

Une grande attention a été attirée sur une autre œuvre de Spenser, dont l'idée lui a été inspirée par F. Sidney - «Le calendrier du berger» (1579). Il se compose de douze églogues poétiques, faisant successivement référence aux 12 mois de l'année. L'un d'eux raconte comment un berger (sous l'apparence duquel Spencer prétend être lui-même) souffre d'amour pour l'inaccessible Rosalind ; dans un autre, Elizabeth, « la reine de tous les bergers », est louée ; dans le troisième, des représentants du protestantisme et le catholicisme apparaissent sous l'apparence de bergers, menant des disputes entre eux sur des sujets religieux et sociaux, etc.

Suivant le genre pastoral à la mode à cette époque, les poèmes du « Calendrier du berger » se distinguent par leur style sophistiqué et leur contenu mythologique érudit, mais contiennent en même temps un certain nombre de descriptions très vivantes de la nature rurale.

Les poèmes lyriques de Spenser sont supérieurs en valeur poétique à son poème antérieur ; ils furent publiés en 1591 après le grand succès des premières chansons de sa « Reine des Fées ».

Parmi ces poèmes, certains parlent d'une manière précoce, savante et raffinée (« Les Larmes des Muses », « Les Ruines du Temps »), d'autres se distinguent par la sincérité de leur ton et l'élégance de leur expression (« La Mort d'un papillon ». "), et d'autres, enfin, par leurs traits satiriques (par exemple, "Le conte de fées Mère Guberd", qui raconte la parabole du renard et du singe).

Le poème « Le retour de Colin Clout » (1595) présente également des traits satiriques.

L'intrigue du poème est basée sur l'histoire de l'invitation de Spenser à revisiter Londres et la cour de Cynthia (c'est-à-dire la reine Elizabeth), faite au poète par Walter Raleigh, célèbre navigateur, scientifique et poète (dans le poème, il apparaît sous le nom fantaisiste de « Berger de la Mer »). Raleigh rendit visite à Spenser en Irlande en 1589. Le poème raconte la réception du poète à la cour et, sous des noms fictifs, donne des caractéristiques colorées et vivantes d'hommes d'État et de poètes proches de la reine.

Cependant, l'œuvre la plus populaire et la plus célèbre de Spenser était son poème The Faerie Queene.

Les modèles de ce poème étaient en partie les poèmes de l'Arioste (Roland le Furieux) et de T. Tasso (Jérusalem libérée), mais Spenser doit aussi beaucoup à la poésie allégorique anglaise médiévale et au cycle de romans chevaleresques sur le roi Arthur. Sa tâche était de fusionner ces éléments poétiques disparates en un tout et d'approfondir le contenu moral de la poésie courtoise, en la fertilisant d'idées nouvelles et humanistes. "Par la reine des fées, j'entends généralement la gloire", a écrit Spenser à propos de son poème, "en particulier j'entends par elle la personne excellente et glorieuse de notre grande reine, et par le pays des fées, son royaume." Il souhaitait donner à son œuvre le sens d'une épopée nationale et la créa donc sur la base de légendes chevaleresques anglaises et insista sur son caractère pédagogique, pédagogique.

L'intrigue du poème est très complexe. La reine des fées Gloriana envoie douze de ses chevaliers pour détruire douze maux et vices dont souffre l'humanité. Chaque chevalier représente une vertu, tout comme les monstres qu'il combat représentent des vices et des erreurs.

Les douze premières chansons racontent les douze aventures des chevaliers de Gloriana, mais le poème reste inachevé ; chaque chevalier devait participer à douze batailles et seulement après cela pouvait retourner à la cour de la reine et lui rendre compte de ses exploits.

L'un des chevaliers, Artegall, personnifiant la Justice, combat le géant Injustice (Grantorto) ; un autre chevalier, Guyon, qui est la personnification de la Tempérance, combat l'Ivresse et l'expulse du temple de la Volupté.

Le chevalier Sir Calidor, incarnation de la courtoisie, attaque la calomnie : de manière caractéristique, il trouve ce monstre dans les rangs du clergé et le fait taire après une âpre lutte. "Mais", note Spencer, "à l'heure actuelle, apparemment, il a de nouveau eu l'opportunité de poursuivre ses activités pernicieuses."

L'allégorie morale se conjugue avec la politique : la puissante sorcière Duessa (Marie Stuart) et Géryon (le roi Philippe II d'Espagne) s'opposent à Gloriana (la reine Elizabeth). Dans certaines aventures dangereuses, les chevaliers sont aidés par le roi Arthur (le comte de Leicester préféré d'Elizabeth), qui, ayant vu Gloriana dans un rêve, tomba amoureux d'elle et, avec le sorcier Merlin, partit à la recherche de son royaume.

Le poème se serait probablement terminé avec le mariage du roi Arthur et de Gloriana.

Dans les récits d'aventures des chevaliers, malgré le fait que Spencer leur donne toujours un sens allégorique, il y a beaucoup d'invention, de divertissement et de belles descriptions. « La Reine des Fées » est écrite dans une strophe spéciale (composée de neuf vers poétiques au lieu de l'octave habituelle, c'est-à-dire huit vers dans les poèmes italiens), appelée « strophe spensérienne ». Cette strophe a été adoptée par les poètes anglais du XVIIIe siècle. pendant la période de renouveau d'intérêt pour la poésie « romantique » de Spenser et d'eux il passa aux romantiques anglais (Byron, Keith et autres).

Développement généralisé de la littérature anglaise du XVIe siècle. Les genres lyriques et épiques suscitent également à cette époque un intérêt pour les problèmes théoriques de la poésie. Dans le dernier quart du XVIe siècle. Un certain nombre de poétiques anglaises sont apparues, abordant les questions de versification anglaise, de formes et de style poétiques. Les principaux sont The Art of English Poetry (1589) de George Puttenham et The Defence of Poetry (éd. 1595) de Philip Sidney. Dans le premier, l'auteur, basé sur des exemples de poésie ancienne et de la Renaissance, mais avec une pleine compréhension du caractère unique de la langue anglaise, parle en détail des tâches du poète, du contenu et de la forme des œuvres poétiques.

La « Défense de la poésie » de Sidney, à son tour, part des prémisses théoriques de l'Antiquité et de la Renaissance européenne sur la créativité poétique et, de ce côté, condamne d'ailleurs le drame populaire anglais de l'époque shakespearienne, mais parle en même temps avec sympathie des ballades folkloriques. et proclame le principe réaliste comme base de la poésie. « Il n’existe pas une seule forme d’art qui constitue le patrimoine de l’humanité, dit Sidney, qui n’ait pour objet les phénomènes naturels. » Les poètes de Puttenham et de Sidney étaient probablement aussi connus de Shakespeare.

CONFÉRENCE 15

Poésie anglaise du XVIe siècle. Les premiers poètes humanistes : J. Skelton, T. Wyeth, G. Sarri. Le monde des sentiments et des idéaux élevés : F. Sidney, E. Spencer. Prose et genres dramatiques dans la littérature anglaise du XVIe siècle. D. Lily : tentatives de psychologisme. T. Nash : le monde sans fioritures. Moralité et intermèdes : un sens aigu de la vie. Tragédies : le monde inquiétant des passions humaines. R. Green : l’image d’un homme du peuple. K. Marlowe : le problème du titanisme.

Au 16ème siècle La littérature anglaise, entrant dans la Renaissance, atteint un développement global. Parallèlement à la poésie de la Renaissance, le roman s'impose sur le sol anglais, et ce au tournant des XVIe et XVIIe siècles. Le théâtre de la Renaissance connaît un essor rapide.

Il s'agit d'un essor rapide de la littérature anglaise, qui débute à la fin du XVIe siècle. et a duré plusieurs décennies, se préparant progressivement tout au long du siècle.

Les évêques ne se soucient même pas qu'un voisin vive au jour le jour, que Gill verse sa sueur, que Jack se penche sur les terres arables... (Traduit par O.B. Rumer)

En tant que poète, Skelton est toujours étroitement associé aux traditions de la fin du Moyen Âge. Il s'inspire de Chaucer et des chansons folkloriques. À la suite de Chaucer, il utilise volontiers des doggerels - des lignes courtes et inégalement syllabiques, ainsi que des mots et des phrases courants. La culture populaire du rire soutient l'éclat populaire de ses œuvres (« Beer Elinor Rumming »). C'est le même esprit agité qui se manifestera des décennies plus tard dans Sir Toby et Falstaff de Shakespeare.

Par la suite, le développement de la poésie anglaise de la Renaissance a suivi une voie différente. A la recherche d'un style plus parfait et « élevé », les poètes humanistes anglais s'éloignent des traditions « vulgaires » de la fin du Moyen Âge et se tournent vers Pétrarque et les auteurs anciens. L’heure est venue pour la poésie du livre anglais. Comme nous l'avons vu, la poésie française du XVIe siècle s'est développée de la même manière.

Les premiers poètes de la nouvelle direction furent les jeunes aristocrates Thomas Wyeth (1503-1543) et Henry Howard, comte de Surrey, dans l'ancienne transcription russe de Surrey (1517-1547). Tous deux ont brillé à la cour d’Henri VIII et ont tous deux subi de plein fouet le despotisme royal. Wyeth a passé du temps en prison et Surry a non seulement été emprisonné trois fois, mais a également mis fin à ses jours, comme Thomas More, sur l'échafaud. Leurs œuvres furent publiées pour la première fois dans un recueil publié en 1557. Les contemporains apprécièrent grandement leur volonté de réformer la poésie anglaise, de l'élever à la hauteur de nouvelles exigences esthétiques. L'un de ces contemporains, Puttingham, a écrit dans son livre « The Art of English Poetry » : « Dans la seconde moitié du règne d'Henri VIII, une nouvelle communauté de poètes de cour émergea, dont les dirigeants étaient Sir Thomas Wyeth et Earl Henry. Sarri. En voyageant à travers l'Italie, ils y ont appris la grande douceur du mètre et le style de la poésie italienne... Ils ont soigneusement affiné notre poésie brute et brute et ont mis fin à l'état dans lequel elle se trouvait auparavant. appelés les premiers réformateurs de notre métrique et de notre style"[Cit. Extrait de : Histoire de la littérature anglaise. M. ; L., 1943. T. I, numéro. 1. P. 303.] .

Wyeth fut le premier à introduire le sonnet dans la poésie anglaise, et Sarri lui donna la forme que l'on retrouvera plus tard chez Shakespeare (trois quatrains et un distique final avec un système de rimes : awaw edcd efef gg). Le thème principal des deux poètes était l’amour. Il remplit les sonnets de Wyeth, ainsi que ses chansons lyriques (« The Lover's Lute », etc.). Suivant de près Pétrarque (par exemple, dans le sonnet « Il n'y a pas de paix pour moi, même si la guerre est finie »), il chante l'amour qui se transforme en chagrin (la chanson « Veux-tu me quitter ? », etc.). Ayant vécu beaucoup de choses, ayant perdu confiance en beaucoup de choses, Wyeth commença à écrire des psaumes religieux, des épigrammes et des satires dirigés contre la vanité de la vie de cour (« La vie à la cour ») et la poursuite de la noblesse et de la richesse (« Sur la pauvreté et la richesse » ). En prison, il écrivit une épigramme dans laquelle on retrouve les lignes tristes suivantes :

Je me nourris de soupirs, je verse des larmes, Le tintement des chaînes me sert de musique... (Traduit par V.V. Rogov)

Des tons mélancoliques se font également entendre dans les paroles de Sarri. Et il était un élève de Pétrarque, et un élève très doué en plus. Il a dédié l'un des sonnets à un jeune aristocrate se produisant sous le nom de Giraldine. Le pétrarchiste anglais confère à sa maîtresse un charme surnaturel. Avec ces mots : « Elle est comme un ange au paradis ; Bienheureux soit celui à qui il donne son amour », termine-t-il son sonnet. Quant aux résignations mélancoliques qui surgissent dans la poésie de Sarri, elles avaient de nombreuses raisons. Guerrier courageux, aristocrate brillant, il devient plus d'une fois victime d'intrigues judiciaires. Le donjon est devenu sa deuxième maison. Dans l'un des poèmes écrits en captivité, le poète pleure sa liberté perdue et évoque les jours joyeux passés (« Élégie sur la mort de Richmond », 1546). Sarri est responsable de la traduction de deux chants de l'Énéide de Virgile, réalisés en vers blancs (pentamètre iambique sans rimes), qui devaient jouer un rôle si important dans l'histoire de la littérature anglaise.

Wyeth et Sarri ont jeté les bases des paroles humanistes anglaises, qui témoignent d'un intérêt accru pour l'homme et son monde intérieur. Fin du XVIe et début du XVIIe siècle. fait référence à l'épanouissement de la poésie anglaise de la Renaissance - non seulement lyrique, mais aussi épique. À l'instar des poètes des Pléiades, les fanatiques anglais de la poésie créèrent un cercle solennellement appelé l'Aréopage.

L'un des participants les plus talentueux de l'Aréopage était Philip Sidney (1554-1586), un homme aux intérêts et aux talents divers, qui a élevé la poésie humaniste anglaise à un haut degré de perfection. Il venait d'une famille noble, voyageait beaucoup, effectuait des missions diplomatiques, était bien traité par la reine Elizabeth, mais s'attira sa défaveur en osant condamner le traitement cruel des propriétaires anglais envers les paysans irlandais. A un âge florissant, il termine ses jours sur les champs de bataille.

Le véritable manifeste de la nouvelle école était le traité de Sidney « Défense de la poésie » (vers 1584, imprimé en 1595), qui faisait écho à bien des égards au traité (« Défense et glorification de la langue française » de Du Bellay). Seulement si les adversaires de Du Bellay étaient des pédants érudits qui préféraient le latin « les poètes sont les favoris des dieux », que « la plus haute divinité a daigné, à travers Hésiode et Homère, sous couvert de fables, nous faire descendre toutes sortes de connaissances : rhétorique, philosophie naturelle et morale ». , et infiniment plus. » Avec Scaliger, l'auteur de la célèbre « Poétique » de la Renaissance (1561), Sidney déclare qu'« aucune philosophie ne vous apprendra à devenir un honnête homme mieux et plus tôt que la lecture de Virgile ». En bref, la poésie est une solide école de sagesse et de vertu.

Sidney parle avec un enthousiasme particulier de la « poésie héroïque », puisque le « poète héroïque », glorifiant la valeur, « la générosité et la justice », perce les « brouillards de la lâcheté et les ténèbres de la luxure » avec les rayons de la poésie.

À chaque occasion, Sidney se tourne vers l’autorité et l’expérience artistique des poètes anciens. Ainsi, s'il faut citer le nom d'un héros littéraire capable de « faire revivre » et « éduquer » l'esprit humain, il nomme sans hésiter le nom d'Énée, rappelant « comment il s'est comporté lors de la mort de sa patrie, comment il a sauvé son père âgé et ses objets de culte, comment il a obéi aux immortels en quittant Didon", etc. Cependant, tout en admirant la littérature ancienne et en appelant avec ferveur à puiser à cette source, Sidney ne souhaitait pas du tout que la poésie anglaise perde son identité naturelle. Il a rappelé avec gratitude les expériences poétiques de Wyeth et Sarri, a hautement apprécié le génie poétique de Chaucer et a même admis (« J'avoue ma propre barbarie ») qu'il n'avait jamais écouté l'ancienne ballade folklorique sur Percy et Douglas sans « avoir mon " Le cœur bondit. " , comme au son d'une trompette, et pourtant il n'est chanté que par quelque roturier aveugle, dont la voix est aussi rauque que la syllabe est inachevée. Cependant, le scientifique humaniste note immédiatement que la chanson nommée aurait fait une bien plus grande impression « si elle avait été ornée des magnifiques ornements de Pindare ». Sur cette base, Sidney critique le drame populaire anglais de la période pré-shakespearien, arguant que le drame devrait être soumis à des règles aristotéliciennes strictes. Comme on le sait, le théâtre anglais de la Renaissance, à son apogée, n’a pas suivi la voie tracée par Sidney.

Quant à Sidney elle-même, ses meilleurs exemples sont loin des luxuriantes floraisons pindariques. Comme Ronsard, Sidney gravite vers un dessin poétique clair et complet. Il atteint une grande perfection artistique en développant la forme sonnet. Ses sonnets d'amour (le cycle "Astrophil et Stella", 1580-1584, publié en 1591) connurent un succès bien mérité (Astrophil signifie amoureux des étoiles, Stella - étoile). C'est grâce à Sidney que le sonnet est devenu une forme préférée de la poésie anglaise de la Renaissance. Dans les poèmes de Sidney, des mythes anciens ressuscitent (« Philomèle », « Cupidon, Zeus, Mars fut jugé par Phoebus »). Parfois, Sidney fait écho à Pétrarque et aux poètes des Pléiades, et parfois, d'un geste décisif, il jette tout le livre. Ainsi, dans le 1er sonnet du cycle « J'ai pensé à répandre en vers l'ardeur de l'amour sincère », rapporte-t-il que dans les créations des autres il cherchait en vain des mots qui pouvaient toucher la beauté. « Imbécile », fut la voix de la Muse, « regarde dans ton cœur et écris ».

Sidney a également écrit le roman pastoral inachevé « Arcadia », publié en 1590. Comme d'autres œuvres de ce genre, il a été écrit de manière très conventionnelle. Tempêtes en mer, histoires d'amour, déguisements et autres aventures de ce genre, c'est écrit de manière très conventionnelle. Une tempête en mer, des histoires d'amour, des déguisements et autres aventures et, enfin, une fin heureuse constituent le contenu du roman, qui se déroule dans la légendaire Arcadia. Le texte en prose est entrecoupé de nombreux poèmes, parfois très raffinés, écrits dans une grande variété de tailles et de formes d'origine ancienne et italienne (strophes saphiques, hexamètres, terzas, sextines, octaves, etc.).

Un autre poète marquant de la fin du XVIe siècle. Il y eut Edmund Spencer (1552-1599), qui participa activement à la création de l'Aréopage. Fils d'un marchand de draps, il passa une vingtaine d'années en Irlande comme l'un des représentants de l'administration coloniale anglaise. Il a excellemment écrit des sonnets musicaux (Amoretti, 1591-1595), des hymnes de mariage, dont l'Epithalamus, dédié à son propre mariage, ainsi que les Hymnes platoniciens en l'honneur de l'amour et de la beauté (1596). Un grand succès est arrivé à son « Calendrier du berger » (1579), dédié à Philip Sidney. Adhérant à la tradition de la poésie pastorale européenne, le poème se compose de 12 églogues poétiques selon le nombre de mois de l'année. Les églogues traitent de l'amour, de la foi, de la moralité et d'autres questions qui ont attiré l'attention des humanistes. L'églogue de mai est très bonne, dans laquelle le vieux berger Palinodius, accueillant joyeusement l'arrivée du printemps, décrit avec vivacité la fête folklorique dédiée au Joyeux Mai. L’élément littéraire conventionnel cède ici la place à une esquisse expressive des coutumes et mœurs populaires anglaises.

Mais la création la plus significative de Spenser est le poème chevaleresque monumental « La Reine des Fées », qui a été créé sur de nombreuses années (1589-1596) et a valu à l’auteur une grande renommée en tant que « prince des poètes ». Grâce aux efforts de Spencer, l’Angleterre a finalement acquis une épopée de la Renaissance. Dans la Poétique de la Renaissance, y compris dans la Défense de la poésie de Sidney, la poésie héroïque a toujours été à l'honneur. Sidney appréciait particulièrement l'Énéide de Virgile, qui était pour lui le standard du genre épique. Étant le collègue de Sidney dans l'Aréopage classique, Spencer a choisi une voie différente pour lui-même. Et bien que parmi ses éminents mentors, il nomme, avec l'Arioste et le Tasse, Homère et Virgile, l'élément classique lui-même n'est pas décisif dans son poème. Cependant, « La Reine des Fées » n’est que partiellement liée aux poèmes italiens. Sa caractéristique essentielle peut être considérée comme étant étroitement liée aux traditions nationales anglaises.

Le poème utilise largement des éléments des romans courtois du cycle arthurien avec leur fantaisie féerique et leur exotisme décoratif. Après tout, les légendes sur le roi Arthur sont nées sur le sol britannique et le roi Arthur lui-même a continué à rester pour le lecteur anglais un « héros local », la personnification de la gloire britannique. D’ailleurs, c’était en Angleterre au 16ème siècle. Sir Thomas Malory, dans sa vaste épopée Le Morte d'Arthur, a résumé les contes majestueux du cycle arthurien.

Mais Spencer ne s'est pas appuyé uniquement sur la tradition de T. Malory. Il l'associe à la tradition de W. Langland et crée un poème allégorique chevaleresque censé glorifier la grandeur de l'Angleterre, éclairée par le rayonnement des vertus.

Dans le poème, le roi Arthur (symbole de grandeur), tombé amoureux dans un rêve de la « reine des fées » Gloriana (symbole de gloire, les contemporains la considéraient comme la reine Elizabeth I), la cherche au pays des fées . A l'image des 12 chevaliers, associés du roi Arthur, Spencer allait faire ressortir 12 vertus. Le poème était censé comprendre 12 livres, mais le poète n'a réussi à en écrire que 6. Dans ceux-ci, les chevaliers qui personnifient la piété, la tempérance, la chasteté, la justice, la courtoisie et l'amitié accomplissent des exploits.

Le caractère du poème est donné au moins par le premier livre, consacré aux actes du chevalier de la Croix-Rouge (Piété), que la reine envoie pour aider la belle Una (Vérité) à libérer ses parents emprisonnés dans un château de cuivre. Après une bataille acharnée, le chevalier vainc le monstre. Avec sa dame, il passe la nuit dans une cabane d'ermite. Ce dernier, cependant, s’avère être l’insidieux sorcier Archimago, qui envoie de faux rêves au chevalier, le convainquant de la trahison d’Una. Au matin, le chevalier quitte la jeune fille, qui part aussitôt à la recherche du fugitif. En chemin, le chevalier de la Croix-Rouge accomplit de nouveaux exploits. Una, quant à elle, humilie le redoutable lion par sa beauté, qui désormais ne quitte plus la belle jeune fille. Et voici enfin devant elle le chevalier de la Croix-Rouge qu'elle recherche avec tant d'abnégation. Mais la joie est prématurée. En effet, devant elle se trouve le sorcier Archimago, qui a insidieusement pris l'image d'un chevalier qui lui est cher. Après une série de rebondissements dramatiques, Una apprend que le chevalier de la Croix-Rouge a été vaincu et capturé par un certain géant avec l'aide de la sorcière Duessa. Elle se tourne vers le roi Arthur, qui passe par là à la recherche de la reine des fées. Dans une bataille acharnée, le roi Arthur tue le géant, chasse la sorcière Duessa et réunit les amants. Passant en toute sécurité la Grotte du Désespoir, ils arrivent au Temple de la Sainteté. Ici, le chevalier de la Croix-Rouge combat le dragon pendant trois jours, le bat, épouse Una, puis, heureux et joyeux, se rend à la cour de la reine des fées pour lui raconter ses aventures.

Même de résumé Le premier livre à lui seul montre clairement que le poème de Spenser est tissé de nombreux épisodes colorés, ce qui lui confère une grande élégance. L'éclat des épées chevaleresques, les machinations des sorciers maléfiques, les profondeurs sombres du Tartare, la beauté de la nature, l'amour et la loyauté, la tromperie et la méchanceté, les fées et les dragons, les grottes sombres et les temples lumineux - tout cela forme un large décor multicolore. image qui peut captiver l'imagination du lecteur le plus exigeant. Ce scintillement d’épisodes, ces intrigues flexibles, cette prédilection pour les paysages luxuriants et les accessoires romantiques évoquent bien sûr le poème de l’Arioste. Seulement, en racontant les exploits de la chevalerie, l'Arioste ne cachait pas un sourire ironique : il créait un monde magnifique dont il se moquait lui-même. Spencer est toujours sérieux. En cela, il est plus proche du Tasse et de Malory. Il crée son monde non pas pour amuser le lecteur, mais pour le spiritualiser, l'initier aux idéaux moraux les plus élevés. Il monte donc sur le Parnasse, comme si la chaire d'un prédicateur était devant lui.

Bien sûr, il comprend bien que l’ère de la chevalerie est révolue depuis longtemps. Les chevaliers de Spenser existent sous la forme de figures allégoriques clairement définies, signifiant le bien ou le mal. Le poète cherche à glorifier la force et la beauté de la vertu, et les chevaliers victorieux qu'il représente ne sont que des facettes individuelles de la nature morale de l'homme, sur laquelle les humanistes de la Renaissance ont écrit à plusieurs reprises. Ainsi, le poème de Spenser répond à la question de savoir ce que devrait être une personne parfaite, capable de triompher du royaume du mal et du vice. C'est une sorte de magnifique tournoi chevaleresque, se terminant par le triomphe de la vertu. Mais le poème ne contenait pas seulement une tendance morale. Les contemporains, non sans raison, y percevaient également une tendance politique. Ils ont identifié la reine des fées avec la reine Elizabeth I et la méchante sorcière Duessa avec Mary Stuart. Sous les voiles allégoriques, ils trouvèrent des allusions à la guerre victorieuse de l'Angleterre contre l'Espagne féodale et serf. À cet égard, le poème de Spenser représentait l’apothéose du royaume anglais.

Le poème est écrit dans une « strophe spensérienne » complexe, répétant la strophe de Chaucer dans la première partie, à laquelle sont cependant ajoutés les huitième et neuvième vers (schéma de rimes : awavvsvss). Le pentamètre iambique dans la dernière ligne cède la place à l'hexamètre iambique (c'est-à-dire le vers alexandrin). DANS début XIX V. Les romantiques anglais ont montré un très grand intérêt pour l'héritage créatif de Spenser. Byron a écrit son poème « Le pèlerinage de l'enfant Harold » dans la « Strophe spensérienne » et Shelley a écrit « La montée de l'Islam ».

Au 16ème siècle La formation du roman anglais de la Renaissance a également eu lieu, qui n'était cependant pas destiné à atteindre les sommets atteints par les romans français (Rabelais) et espagnols (Cervantes). Seulement au XVIIIe siècle. La marche victorieuse du roman anglais à travers l’Europe commence. C’est néanmoins en Angleterre, à la Renaissance, que naît le roman utopique, avec toutes les caractéristiques inhérentes à ce genre. Les contemporains ont chaleureusement accueilli le roman pastoral "Arcadia" de F. Cindy. Le succès bruyant, bien que peu durable, revient au « roman pédagogique de John Lyly « Euphues, ou l'anatomie de l'esprit » (1578-1580), écrit dans un style élaboré et sophistiqué, appelé « euphuésisme ». Le roman est l'histoire du jeune noble athénien Euphues, voyageant en Italie et en Angleterre. Les faiblesses et les vices humains sont opposés dans le roman par des exemples de haute vertu et de noblesse spirituelle. Dans "Euphues", il y a peu d'action, mais grande attention consacré aux expériences des héros, à leurs effusions sincères, aux discours, à la correspondance, aux histoires de divers personnages, dans lesquels Lily montre toute sa virtuosité de précision. Il cherche et trouve constamment de nouvelles raisons pour de longues discussions sur les sentiments et les actions des gens. C'est cette approche analytique du monde spirituel de l'homme, le désir de l'auteur d'« anatomiser » ses actions et ses pensées, qui constituent, en substance, le trait le plus remarquable et le plus nouveau d'« Euphues », qui a eu une influence notable sur la littérature anglaise de l'époque. la fin du XVIe siècle. Et « l'eufuisme » lui-même, avec ses métaphores et antithèses anglaises, n'était probablement pas seulement une manifestation d'affectation de salon, mais aussi une tentative de trouver une nouvelle forme plus complexe pour refléter le monde, cessant d'être élémentaire et intérieurement intégrale [Voir : Urnov D.M. Formation du roman anglais de la Renaissance // Littérature de la Renaissance et problèmes de la littérature mondiale. M., 1967. P. 416 et suiv.].

Proche du roman picaresque espagnol se trouve le roman de Thomas Nash « Le vagabond malheureux ou la vie de Jack Wilton » (1594), qui raconte les aventures d'un jeune Anglais espiègle dans divers pays européens. L'auteur rejette la sophistication « aristocratique » de l'eufuisme ; les mascarades pastorales de cour lui sont complètement étrangères. Il veut dire la vérité sur la vie, sans cesser d'en décrire les côtés sombres, voire repoussants. Et bien qu’à la fin le héros du roman emprunte le chemin de la vertu, se marie et trouve la paix désirée, l’œuvre de Nash reste un livre dans lequel le monde apparaît sans fioritures ni illusions. Seules des figures marquantes de la culture de la Renaissance, apparaissant parfois dans les pages du roman, sont capables d'éclairer ce monde avec la lumière du génie humain. Reliant l'action du roman au premier tiers du XVIe siècle, T. Nash a l'occasion de composer une belle légende sur l'amour du poète anglais Count Surry pour la belle Géraldine, ainsi que de dessiner des portraits d'Erasmus de Rotterdam, Thomas More, le poète et publiciste italien Pietro Aretino et le « scientifique prolifique » allemand Cornelius Agrippa de Nettesheim, connu comme un puissant « sorcier ». Loin des romans raffinés de Sidney et Lily se trouvaient également les romans domestiques ou « industriels » (comme on les appelle parfois) de Thomas Deloney (« Jack of Newbury », 1594, etc.).

De cette courte liste, il ressort clairement qu'à la fin du XVIe siècle. En Angleterre, dans un laps de temps relativement court, parurent un certain nombre de romans de nature très différente, indiquant que le puissant ferment créatif qui s'emparait du pays pénétrait dans toutes les sphères de la littérature, traçant partout de nouvelles voies.

Mais, bien entendu, les succès les plus étonnants ont été obtenus par la littérature anglaise du XVIe siècle. dans le domaine du théâtre. Quand on pense à la Renaissance anglaise, on pense sans doute d’abord à Shakespeare. Mais Shakespeare n’était pas du tout seul. Il était entouré d'une galaxie de dramaturges talentueux qui ont enrichi le théâtre anglais d'un certain nombre de pièces merveilleuses. Et bien que l'apogée du drame de la Renaissance anglaise n'ait pas duré très longtemps, elle a été exceptionnellement orageuse et colorée.

Cette floraison, qui a débuté dans les années quatre-vingt du XVIe siècle, s'est préparée sur plusieurs décennies. Cependant, le drame de la Renaissance lui-même ne s’est pas immédiatement imposé sur la scène anglaise. Pendant très longtemps, le théâtre populaire apparu au milieu du siècle a continué à jouer un rôle actif dans le pays. S'adressant à un public de masse, il répond souvent sous des formes traditionnelles aux questions soulevées par l'époque. Cela a maintenu sa popularité et a fait de lui un élément important de la vie publique. Mais toutes les formes traditionnelles n’ont pas résisté à l’épreuve du temps. Le mystère rejeté par la Réforme s’éteignit relativement vite. Mais l'interlude a continué à se déclarer haut et fort - le genre le plus mondain et le plus joyeux du théâtre médiéval et du jeu moral - une pièce allégorique qui posait certaines questions importantes de l'existence humaine.

Parallèlement aux personnages traditionnels, des personnages ont commencé à apparaître dans les pièces de moralité, censés affirmer de nouvelles idées avancées. Ce sont des figures allégoriques comme l'Esprit et la Science, victorieuses de la Scolastique. Dans une pièce datant de 1519, la soif de connaissance, malgré tous les efforts de l'ignorance et de la luxure, aide une personne à écouter attentivement les sages instructions de Dame Nature. La pièce véhicule avec persistance l’idée que le monde terrestre visible mérite une étude plus approfondie. Vers le milieu du XVIe siècle. inclure une pièce de théâtre morale écrite pour défendre la réforme de l'Église. L'un d'eux (« An Entertaining Satire of the Three Estates » du poète écossais David Lindsay, 1540) expose non seulement les nombreux vices du clergé catholique, mais soulève également la question de l'injustice sociale. Le pauvre homme (Pauper) qui apparaît sur scène présente au public son amer sort. C'était un paysan travailleur, mais un écuyer (propriétaire terrien) avide et un vicaire (prêtre) tout aussi avide l'ont transformé en mendiant, et un vendeur espiègle d'indulgences a pris possession de ses derniers sous. Que peut espérer un pauvre quand les trois classes (clergé, noblesse et citadins) permettent à la tromperie, au mensonge, à la flatterie et à la corruption de diriger l’État ? Et ce n'est que lorsque l'honnête petit Jean, personnifiant les forces saines de la nation, intervient énergiquement au cours des événements, que la situation dans le royaume change pour le mieux. Il est clair que les plus hautes sphères désapprouvaient les pièces contenant des pensées séditieuses, et la reine Elizabeth en 1559 a simplement interdit la mise en scène de telles pièces de moralité.

Malgré toutes les conventions évidentes du genre allégorique dans les livres de morale anglais du XVIe siècle. Des scènes quotidiennes vivantes sont apparues et même les personnages allégoriques ont perdu leur abstraction. C'était par exemple la figure clownesque de Vice. Parmi ses ancêtres, nous trouvons l'Obedala du poème allégorique de W. Langland, et parmi ses descendants le pécheur obèse Falstaff, décrit de manière vivante par Shakespeare.

Mais, bien sûr, les scènes de genre colorées doivent avant tout être recherchées dans les interludes (interludes), qui sont une variété anglaise de farce française. Ce sont les intermèdes de John Gaywood (c. 1495-1580) - gai, spontané, parfois grossier, avec des personnages directement arrachés au quotidien. Sans prendre le parti de la Réforme, Gaywood voyait en même temps clairement les lacunes du clergé catholique. Dans l'interlude "Le vendeur d'indulgence et le moine", il oblige les serviteurs avides de l'église à déclencher une bagarre dans le temple, car chacun d'eux veut prendre autant de pièces que possible dans les poches des croyants. Dans « Un acte amusant sur le mari Joan Joan, sa femme Tib et le prêtre Sir Jan » (1533), un mari stupide est intelligemment mené par le nez par sa femme escroc et son amant, le prêtre local. Parallèlement aux pièces de moralité, les intermèdes ont joué un rôle de premier plan dans la préparation du drame anglais de la Renaissance. Ils lui ont conservé les compétences du théâtre populaire et ce sens aigu de la vie, qui ont ensuite déterminé les plus grandes réalisations du théâtre anglais.

En même temps, la pièce de moralité et les intermèdes étaient à bien des égards démodés et assez élémentaires. Le théâtre de la Renaissance anglaise avait besoin à la fois d'une forme plus parfaite et d'une compréhension plus profonde de l'homme. La dramaturgie antique lui vient en aide, comme dans d’autres pays à la Renaissance. Retour au début du XVIe siècle. les comédies de Plaute et de Terence étaient jouées en latin sur la scène de l'école. Du milieu du 16ème siècle. les dramaturges anciens ont commencé à être traduits en anglais. Les dramaturges ont commencé à les imiter, en s’appuyant sur l’expérience de la comédie « scientifique » italienne, qui elle-même renouait avec les modèles classiques. Cependant, l’élément classique n’a pas privé la comédie anglaise de son identité nationale.

Sénèque a eu une influence notable sur la formation de la tragédie anglaise. Il fut facilement traduit et en 1581 parut une traduction complète de ses tragédies. Les traditions de Sénèque se font clairement sentir dans la première tragédie « sanglante » anglaise, « Gorboduc » (1561), écrite par Thomas Norton et Thomas Sekville et qui connut un grand succès. L'intrigue est empruntée à la chronique médiévale de Geoffroy de Monmouth. Comme le Lear de Shakespeare, Gorboduc partage de son vivant son état entre ses deux fils. Mais, essayant de s'emparer de tout le pouvoir, le plus jeune fils tue l'aîné. Vengeant la mort de son premier-né, la reine mère poignarde à mort le fratricide. Le pays est plongé dans les flammes de la guerre civile. Le roi et la reine meurent. Le sang des roturiers et des seigneurs est versé. La pièce contient certaines tendances politiques - elle prône l'unité étatique du pays, qui devrait servir de garantie de sa prospérité. Ceci est directement indiqué par la pantomime qui précède le premier acte. Six sauvages tentent en vain de casser un tas de verges, mais, arrachant une verge après l'autre, ils les cassent sans difficulté. A cette occasion, la pièce dit : « Cela signifiait qu'un État uni résiste à toute force, mais que, étant fragmenté, il peut facilement être vaincu... » Ce n'est pas un hasard si la reine Elizabeth a regardé la pièce avec intérêt. Au canon classique de Gorboduc correspondent les messagers qui racontent les événements dramatiques qui se déroulent en coulisses et le chœur qui apparaît à la fin de l'acte. La pièce est écrite en vers blancs.

Gorboduc fut suivi d'une longue série de tragédies, indiquant que ce genre avait trouvé un terrain fertile en Angleterre. L'esprit de Sénèque continue de planer sur eux, mais les dramaturges dépassent volontiers le canon classique, combinant, par exemple, le tragique avec le comique ou violant des unités chères. En se tournant vers la nouvelle italienne, les légendes anciennes ainsi que diverses sources anglaises, ils ont affirmé sur scène un vaste monde de passions humaines. Même si cet univers était encore dépourvu de réelle profondeur, il rapprochait déjà le public de l'époque où commençait soudain l'épanouissement remarquable du théâtre de la Renaissance anglaise.

Cet âge d'or a commencé à la fin des années quatre-vingt du XVIe siècle. de la performance de talentueux dramaturges humanistes, généralement appelés « esprits universitaires ». Tous étaient des personnes instruites, diplômées de l’Université d’Oxford ou de Cambridge. Dans leur travail, les traditions classiques se sont largement fusionnées avec les réalisations du théâtre populaire, formant un puissant courant de drame national anglais, qui a rapidement atteint une puissance sans précédent dans les œuvres de Shakespeare.

La victoire remportée par l'Angleterre sur l'Espagne en 1588 a été d'une grande importance, car elle a non seulement renforcé la conscience nationale de larges cercles de la société anglaise, mais a également aiguisé l'intérêt pour un certain nombre de questions importantes liées au développement de l'État. La question des énormes capacités de l’homme, qui a toujours attiré l’attention des humanistes, a également acquis une nouvelle urgence. Dans le même temps, le caractère concret et la profondeur de la pensée artistique se sont accrus, ce qui a conduit aux victoires remarquables du réalisme de la Renaissance. Et si l'on prend en compte cela à partir de la fin du XVIe siècle. la vie sociale de l'Angleterre devenait de plus en plus dynamique - après tout, le moment n'était pas loin où éclatait la révolution bourgeoise dans le pays - l'atmosphère de quêtes créatives intenses et parfois contradictoires, si caractéristiques du « drame élisabéthain », qui forme le plus haut sommet de l'histoire, la littérature anglaise de la Renaissance sera compréhensible.

Les « esprits universitaires », unis par les principes de l'humanisme de la Renaissance, ne représentaient en même temps aucun mouvement artistique. Ils sont différents à bien des égards. Ainsi, John Lyly, l'auteur du roman exquis « Euphues », a écrit d'élégantes comédies sur des thèmes anciens, s'adressant principalement au public de la cour. Et Thomas Kyd (1558-1594), plus dur, voire grossier, continue de développer le genre de la « tragédie sanglante » (« Tragédie espagnole », vers 1589).

Robert Greene et surtout Christopher Marlowe, les prédécesseurs les plus importants de Shakespeare, méritent un examen plus approfondi. Robert Greene (1558-1592) a obtenu le diplôme supérieur de maîtrise ès arts de l'Université de Cambridge. Cependant, il était attiré par la vie de bohème. Il a visité l'Italie et l'Espagne. Il gagne rapidement en popularité en tant qu'écrivain. Mais le succès ne lui monte pas à la tête. Peu de temps avant sa mort, Green a commencé à écrire un essai pénitentiel dans lequel il condamnait sa vie pécheresse et mettait en garde les lecteurs contre une voie fausse et dangereuse. L'héritage créatif de Green est diversifié. Il possède de nombreuses histoires d'amour, des romans sur des thèmes historiques (l'un d'eux - "Pandosto", 1588 - utilisé par Shakespeare dans "Le Conte d'hiver"), des brochures, etc.

Greene est entré dans l’histoire de la littérature anglaise principalement en tant que dramaturge doué. Sa pièce « Monk Bacon et Monk Bongay » (1589) connaît un grand succès. Pour y travailler, Green s'est appuyé sur le livre populaire anglais sur le sorcier Bacon, publié à la fin du XVIe siècle. Comme le Faust allemand, le moine Bacon est un personnage historique. Le prototype du héros de la légende populaire était Roger Bacon, un philosophe anglais et naturaliste exceptionnel du XIIIe siècle, persécuté par l'Église, qui le considérait comme un libre penseur dangereux. La légende a transformé le moine Bacon en sorcier et l'a mis en relation avec de mauvais esprits. Dans la pièce de Greene, Bacon joue un rôle important. À une époque où l’intérêt pour la magie et toutes sortes de sciences « secrètes » grandissait en Europe, Green fit entrer sur scène la figure colorée d’un sorcier anglais possédant un livre magique et un miroir magique. En fin de compte, Bacon se repent de ses aspirations pécheresses et devient un ermite. Mais le thème principal de la pièce n’est toujours pas la magie, mais l’amour. La véritable héroïne de la pièce est une jeune fille belle et vertueuse, Margarita, la fille du forestier. Le prince de Galles tombe amoureux d'elle, mais elle donne son cœur au courtisan du prince, le comte de Lincoln. Aucune épreuve ou mésaventure ne peut briser sa fermeté et sa loyauté. Frappé par la résilience de Margaret, le prince de Galles stoppe ses avancées. Les liens du mariage unissent les amoureux. Les complexités démoniaques ne sont pas nécessaires là où règne le grand amour humain.

La « Pleasant Comedy of George Greene, Wakefield Warden », publiée après la mort de Greene (1593) et qui lui appartient probablement, est également étroitement liée aux contes populaires anglais. Le héros de la pièce n'est plus un sorcier arrogant qui renonce à son métier pécheur, mais un vaillant roturier, glorifié dans les chansons folkloriques comme Robin des Bois. À propos, Robin des Bois lui-même apparaît dans les pages de la comédie. Ayant entendu parler du courage de George Green, il cherche à le rencontrer. La pièce recrée une situation dans laquelle l'État anglais est menacé par un danger à la fois interne et externe, car un groupe de seigneurs féodaux anglais, dirigés par le comte de Kendal et en alliance avec le roi écossais, se rebelle contre le roi anglais Édouard III. Cependant, les plans des seigneurs féodaux rebelles sont détruits par le gardien de terrain George Green, qui, d'abord, au nom des habitants de Wakefield, refuse catégoriquement d'aider les rebelles, puis capture astucieusement le comte de Kendal lui-même et ses associés. Voulant récompenser George Green, Édouard III veut le faire chevalier. Mais le gardien de campagne rejette cette faveur royale, déclarant que son seul désir est de « vivre et mourir en yeoman », c'est-à-dire un paysan libre. Le dramaturge a réussi à créer une image très expressive d'un roturier : habile, fort, honnête, ingénieux, courageux, dévoué à sa patrie et au roi, en qui s'incarnent pour lui la grandeur et l'unité de l'État. Ce héros est placé infiniment plus haut que les seigneurs féodaux arrogants et égoïstes. À cela, il faut ajouter que la comédie contient des esquisses colorées de coutumes et de morales populaires, et qu'une grande partie est directement issue du folklore. Ce n'est pas un hasard si les contemporains considéraient Green comme un dramaturge populaire. Rejoignant cette opinion, l'éminent scientifique russe, expert du théâtre anglais de l'époque shakespearienne N.N. Storozhenko a écrit : « En effet, le nom d'un dramaturge national ne convient à personne aussi bien qu'à Greene, car chez aucun de ses dramaturges contemporains nous ne trouverons autant de scènes, pour ainsi dire, arrachées vivantes à la vie anglaise et, de plus, écrites en pur vernaculaire, sans aucun mélange d'eufuisme et d'ornementation classique"[Storozhenko N. Robert Green, sa vie et ses œuvres. M., 1878. P. 180.].

L'ami de R. Greene était autrefois le talentueux poète et dramaturge Christopher Marlowe (1564-1593), véritable créateur de la tragédie anglaise de la Renaissance. Étant le fils d'un cordonnier, il s'est retrouvé, grâce à une heureuse coïncidence, à l'Université de Cambridge et, comme Greene, a obtenu le diplôme de Master of Arts. Marlowe connaissait bien les langues anciennes, lisait attentivement les œuvres d'auteurs anciens et connaissait les œuvres des écrivains italiens de la Renaissance. Après avoir obtenu son diplôme de l'Université de Cambridge, ce fils de roturier énergique pouvait compter sur une carrière ecclésiastique fructueuse. Cependant, Marlowe ne voulait pas devenir ministre de l’orthodoxie de l’Église. Il était attiré par le monde coloré du théâtre, ainsi que par les libres penseurs qui osaient remettre en question les vérités religieuses et autres actuelles. On sait qu'il était proche du cercle de Sir Walter Raleigh, tombé en disgrâce sous le règne d'Elizabeth et qui finit sa vie sur l'échafaud en 1618 sous le roi Jacques Ier. Si l'on en croit les informateurs et les fanatiques de l'orthodoxie, Marlowe était un « athée » ; il critiquait les preuves La Bible, en particulier, niait la divinité du Christ et soutenait que la légende biblique de la création du monde n'était pas étayée par des données scientifiques, etc. Il est possible que les accusations d’« athéisme » de Marlowe aient été exagérées, mais il restait sceptique en matière religieuse. De plus, n’ayant pas l’habitude de cacher ses pensées, il a semé le « trouble » dans l’esprit de son entourage. Les autorités étaient alarmées. Les nuages ​​devenaient de plus en plus épais au-dessus de la tête du poète. En 1593, dans une taverne près de Londres, Marlowe fut tué par des agents de la police secrète.

Le destin tragique de Marlowe fait en quelque sorte écho au monde tragique qui apparaît dans ses pièces. A la fin du 16ème siècle. il était clair que ce grand siècle n’était pas du tout idyllique.

Marlowe, contemporain des événements dramatiques survenus en France, leur a dédié sa dernière tragédie « Le massacre parisien » (mise en scène en 1593).

La pièce pourrait attirer l'attention du public par son actualité aiguë. Mais il ne contient pas les grands personnages tragiques qui constituent le côté fort de l’œuvre de Marlowe. Le duc de Guise, qui y joue un rôle important, est un personnage plutôt plat. C'est un méchant ambitieux, convaincu que tous les moyens sont bons pour atteindre l'objectif visé.

La figure de Barrabas dans la tragédie « Le Juif de Malte » (1589) est bien plus complexe. Le Shylock de Shakespeare du Marchand de Venise est sans aucun doute étroitement lié à ce personnage de Marlowe. Comme Guise, Barrabas est un machiavélique convaincu. Seulement si Gizeh est soutenue par des forces puissantes (Reine Mère Catherine de Médicis, Espagne catholique, Rome papale, associés influents), alors le marchand et prêteur maltais Barrabas est livré à lui-même. De plus, le monde chrétien, représenté par le souverain de Malte et son entourage, lui est hostile. Afin de sauver ses coreligionnaires des exactions turques excessives, le souverain de l'île ruine sans hésiter Varrava, qui possède d'énormes richesses. Saisi par la haine et la méchanceté, Barrabas prend les armes contre un monde hostile. Il met même à mort sa propre fille parce qu’elle a osé renoncer à la foi de ses ancêtres. Ses projets sombres deviennent de plus en plus grandioses jusqu'à ce qu'il tombe dans son propre piège. Varrava est une personne inventive et active. La quête de l’or fait de lui un personnage d’actualité, menaçant et significatif. Et bien que la force de Barrabas soit indissociable de la méchanceté, elle contient quelques aperçus du titanisme, témoignant des énormes capacités de l'homme.

Nous trouvons une image encore plus grandiose dans la première tragédie en deux parties de Marlowe, « Tamerlan le Grand » (1587-1588). Cette fois, le héros de la pièce est un berger scythe, devenu un puissant dirigeant de nombreux royaumes asiatiques et africains. Cruel, inexorable, versant « des fleuves de sang aussi profonds que le Nil ou l'Euphrate », Tamerlan, tel que le décrit le dramaturge, n'est pas sans traits d'une grandeur incontestable. L'auteur lui donne une apparence attrayante, il est intelligent, capable de grand amour et fidèle en amitié. Dans son désir effréné de pouvoir, Tamerlan semblait avoir attrapé cette étincelle de feu divin qui brûlait dans Jupiter, qui renversa son père Saturne du trône. La tirade de Tamerlan, glorifiant les possibilités illimitées de l'homme, semble avoir été prononcée par l'apôtre de l'humanisme de la Renaissance. Seul le héros de la tragédie de Marlowe n’est pas un scientifique, ni un philosophe, mais un conquérant, surnommé « le fléau et la colère de Dieu ». Simple berger, il atteint des sommets sans précédent ; personne ne peut résister à son impulsion audacieuse. Il n'est pas difficile d'imaginer quelle impression les scènes dans lesquelles Tamerlan victorieux triomphait de ses ennemis de haute naissance, qui se moquaient de ses basses origines, produisaient sur le peuple qui remplissait le théâtre. Tamerlan est fermement convaincu que ce n'est pas l'origine, mais la valeur qui est la source de la vraie noblesse (I, 4, 4). Admiré par la beauté et l'amour de son épouse Zénocrata, Tamerlan commence à penser que seule la beauté est la garantie de la grandeur, et que « la vraie gloire n'est que dans la bonté, et c'est seulement cela qui nous donne la noblesse » (I, 5, 1). Mais quand Zénocrate meurt, dans un accès de désespoir furieux, il condamne la ville dans laquelle il a perdu sa bien-aimée. Tamerlan s'élève de plus en plus haut sur les marches du pouvoir jusqu'à ce que la mort inexorable arrête sa marche victorieuse. Mais même lorsqu’il donne la vie, il n’entend pas déposer les armes. Il imagine une nouvelle campagne inédite, dont le but devrait être la conquête du ciel. Et il fait appel à ses camarades, brandissant la bannière noire de la mort, dans une terrible bataille pour détruire les dieux qui s'élevaient fièrement au-dessus du monde des hommes (II, 5, 3).

Les titans représentés par Marlowe incluent également le célèbre sorcier Docteur Faustus. Le dramaturge lui a dédié son « Histoire tragique du docteur Faustus » (1588), qui a eu une influence significative sur le développement ultérieur du thème faustien. À son tour, Marlowe s'est appuyé sur le livre populaire allemand sur Faust, publié en 1587 et bientôt traduit en langue anglaise.

Si Barrabas personnifiait la cupidité, qui transformait une personne en criminel, Tamerlan avait soif d'un pouvoir illimité, alors Faust était attiré par une grande connaissance. Il est caractéristique que Marlowe ait sensiblement renforcé l'impulsion humaniste de Faust, à propos de laquelle le pieux auteur du livre allemand a écrit avec une condamnation non dissimulée. Ayant rejeté la philosophie, le droit et la médecine, ainsi que la théologie comme la science la plus insignifiante et la plus trompeuse (Acte I, scène 1), le Faust de Marlowe place tous ses espoirs dans la magie, qui peut l'élever à un sommet colossal de connaissance et de pouvoir. La connaissance passive des livres n'attire pas Faust. Comme Tamerlan, il veut gouverner le monde qui l’entoure. L'énergie bouillonne en lui. Il conclut avec confiance un accord avec les enfers et reproche même de lâcheté au démon Méphistophélès, qui pleure le paradis perdu (I, 3). Il voit déjà clairement ses actes futurs qui peuvent surprendre le monde. Il rêve d'entourer son Allemagne natale d'un mur de cuivre, de changer le cours du Rhin, de fusionner l'Espagne et l'Afrique en un seul pays, de prendre possession de richesses fabuleuses avec l'aide des esprits et de soumettre l'empereur et tous les princes allemands à son pouvoir. . Il imagine déjà comment il traverse l'océan avec ses troupes via un pont aérien et devient le plus grand des souverains. Même Tamerlan ne pouvait pas penser à des pensées aussi audacieuses. Il est curieux que Marlowe, qui était étudiant il n'y a pas si longtemps, oblige Faust, plongé dans des fantasmes titanesques, à se souvenir de la maigre vie des écoliers et à exprimer son intention de mettre fin à cette maigreur.

Mais Faust, avec l'aide de la magie, acquiert un pouvoir magique. Réalise-t-il ses intentions ? Change-t-il la forme des continents, devient-il un monarque puissant ? La pièce ne nous apprend rien à ce sujet. Il semble que Faustus n’ait même pas tenté de mettre en pratique ses déclarations. Des paroles du chœur du prologue du quatrième acte, on apprend seulement que Faust a beaucoup voyagé, visité les cours des monarques, que tout le monde s'étonne de son savoir, que « les rumeurs à son sujet tonnent de toutes parts ». Et la rumeur gronde à propos de Faust principalement parce qu'il agit toujours comme un magicien talentueux, époustouflant les gens avec ses tours et ses extravagances magiques. Cela réduit considérablement l’image héroïque du magicien audacieux. Mais en cela, Marlowe a suivi le livre allemand, qui était sa principale, sinon la seule, source. Le mérite de Marlowe est d'avoir donné plus de vie au thème faustien. Les adaptations dramatiques ultérieures de la légende, à un degré ou à un autre, remontent à son « Histoire tragique ». Mais Marlowe ne cherche pas encore à modifier de manière décisive la légende allemande, conçue sous la forme d’un « livre populaire ». De telles tentatives ne seront faites que par Lessing et Goethe dans des domaines complètement différents. conditions historiques. Marlowe chérit sa source, en extrayant des motifs à la fois pathétiques et farfelus. Il est clair que la fin tragique, décrivant la mort de Faust, devenu la proie des forces infernales, aurait dû être incluse dans la pièce. Sans cette fin, la légende de Faust était inimaginable à cette époque. Le renversement de Faust en enfer était le même élément nécessaire de la légende que le renversement de Don Juan en enfer dans la célèbre légende de Don Juan. Mais Marlowe s'est tourné vers la légende de Faust non pas parce qu'il voulait condamner l'athée, mais parce qu'il voulait dépeindre un libre penseur courageux, capable d'empiéter sur des fondements spirituels inébranlables. Et bien que son Faust s'élève parfois très haut, mais tombe bas, se transformant en magicien de foire, il ne se confond jamais avec la foule grise des philistins. Dans chacun de ses tours de magie, il y a une part d’audace titanesque, élevée au-dessus de la foule sans ailes. Certes, les ailes acquises par Faust se sont révélées, selon le prologue, être en cire, mais elles étaient toujours les ailes de Dédale, planant vers des hauteurs incommensurables.

Voulant améliorer le drame psychologique de la pièce, ainsi que sa portée éthique, Marlowe se tourne vers les techniques des pièces de moralité médiévales. Les anges bons et mauvais se battent pour l'âme de Faust, confronté à la nécessité de choisir enfin le bon chemin dans la vie. Le pieux ancien l'appelle au repentir. Lucifer lui organise un défilé allégorique des sept péchés capitaux « sous leur vraie forme ». Parfois, Faust est envahi par le doute. Soit il considère le tourment de l'au-delà comme une invention absurde et assimile même le monde souterrain chrétien à l'ancien Elysée, dans l'espoir d'y rencontrer tous les anciens sages (I, 3), alors le châtiment à venir le prive de tranquillité d'esprit, et il plonge dans le désespoir ( V, 2). Mais même dans un accès de désespoir, Faust reste un titan, le héros d’une puissante légende qui a captivé l’imagination de nombreuses générations. Cela n'a pas empêché Marlowe, conformément à la coutume répandue du drame élisabéthain, d'introduire dans la pièce un certain nombre d'épisodes comiques dans lesquels le thème de la magie est représenté sur un plan réduit. Dans l’un d’eux, Wagner, le fidèle disciple de Faust, fait peur au bouffon clochard avec des démons (I, 4). Dans un autre épisode, Robin, le palefrenier de l'auberge, qui a volé un livre de magie au docteur Faustus, tente de jouer le rôle d'un exorciste des mauvais esprits, mais a des ennuis (III, 2).

Les vers blancs sont entrecoupés de prose dans la pièce. Les scènes de prose comique gravitent vers la moquerie vulgaire. Mais le vers blanc, qui remplaça le vers rimé, qui dominait la scène du théâtre populaire, atteint sous la plume de Marlowe une souplesse et une sonorité remarquables. Après Tamerlan le Grand, les dramaturges anglais ont commencé à l'utiliser largement, y compris Shakespeare. L'ampleur des pièces de Marlowe et leur pathos titanesque sont assortis d'un style élevé et majestueux, rempli d'hyperboles, de métaphores luxuriantes et de comparaisons mythologiques. Dans « Tamerlan le Grand », ce style se manifeste avec une force particulière.

Il convient également de mentionner la pièce de Marlowe Edward II (1591 ou 1592), proche du genre de la chronique historique, qui a attiré l'attention de Shakespeare dans les années 90.

L'œuvre de Shakespeare constitue l'apogée de la Renaissance anglaise et la plus haute synthèse des traditions de la culture paneuropéenne.

INTRODUCTION

a) sonnet classique ;

b) Sonnet shakespearien.

CONCLUSION

"L'âme de notre époque, le miracle de notre scène, il n'appartient pas à une époque, mais à tous les temps", a écrit à propos de Shakespeare son jeune contemporain, le dramaturge anglais Ben Jonson. Shakespeare est considéré comme le plus grand humaniste de la fin de la Renaissance, l'un des plus grands écrivains du monde, la fierté de toute l'humanité.

Des représentants de nombreuses écoles et mouvements littéraires à différentes époques se sont tournés vers son travail à la recherche de solutions morales et esthétiques actuelles. La variété infinie des formes nées sous une influence si puissante est d'une manière ou d'une autre de nature progressiste, qu'il s'agisse de citations dans le « Beggar's Opera » satirique de John Gay ou de lignes passionnées dans les tragédies politiques de Vittorio Alfieri, l'image d'un « homme sain » l'art » dans la tragédie du « Faust » de Johann Goethe ou les idées démocratiques exprimées dans l'article-manifeste de François Guizot, un intérêt accru pour état interne personnalités parmi les romantiques anglais ou la « représentation libre et large des personnages » dans « Boris Godounov » d'Alexandre Pouchkine...

Ceci, probablement, peut expliquer le phénomène « d'immortalité » de l'héritage créatif de Shakespeare - un don poétique indéniablement grand, réfractant les conflits moraux les plus aigus cachés dans la nature même des relations humaines, est perçu et repensé par chaque époque ultérieure sous un nouvel aspect. , caractéristique seulement d'un moment donné, tout en restant un produit (pour ainsi dire) de son époque, ayant absorbé toute l'expérience des générations précédentes et réalisant le potentiel créatif qu'elles avaient accumulé.

Prouver que l'œuvre de Shakespeare est le summum de la Renaissance anglaise et la plus haute synthèse des traditions de la culture paneuropéenne de la Renaissance (sans revendiquer les lauriers de Georg Brandes, qui a présenté ce sujet de manière assez approfondie et significative dans son ouvrage « William Shakespeare » ( 1896)), je prendrai peut-être l'exemple de ses Sonnets, comme genre né à la veille de l'époque en question et précisément à la Renaissance, et par la suite XVIIIe siècle, connaissant l’époque de sa plus grande prospérité.

BRÈVES CARACTÉRISTIQUES DE LA RENAISSANCE

Renaissance (Renaissance), période du développement culturel et idéologique des pays d'Europe occidentale et centrale (en Italie XIVe - XVIe siècles, dans d'autres pays la fin du XVe - début XVII siècles), transition de la culture médiévale à la culture des temps modernes.

Caractéristiques distinctives de la culture de la Renaissance : anti-féodalisme dans son essence, caractère laïc et anticlérical, vision du monde humaniste, appel à héritage culturel l'antiquité, une sorte de « renaissance » de celle-ci (d'où son nom).

Le renouveau est né et s'est manifesté le plus clairement en Italie, déjà au tournant des XIIIe et XIVe siècles. ses précurseurs étaient le poète Dante, l'artiste Giotto et d'autres. La créativité des personnages de la Renaissance est imprégnée de foi dans les possibilités illimitées de l'homme, de sa volonté et de sa raison, et du déni de la scolastique et de l'ascèse catholiques (éthique humaniste). Le pathos de l'affirmation de l'idéal d'une personnalité créatrice harmonieuse et libérée, la beauté et l'harmonie de la réalité, l'appel à l'homme comme principe le plus élevé de l'existence, le sentiment d'intégrité et les modèles harmonieux de l'univers confèrent à l'art de la Renaissance une grande idéologie. signification et une échelle héroïque majestueuse.

En architecture, les bâtiments laïques ont commencé à jouer un rôle de premier plan - bâtiments publics, palais, hôtels de ville. A l'aide de galeries cintrées, de colonnades, de voûtes, de thermes, les architectes (Alberti, Palladio en Italie ; Lescaut, Delorme en France, etc.) ont donné à leurs édifices majestueuses clarté, harmonie et proportionnalité à l'homme.

Les artistes (Donatello, Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Titien et autres en Italie ; Jan van Eyck, Bruegel aux Pays-Bas ; Dürer, Niethardt - en Allemagne ; Fouquet, Goujon, Clouet en France) ont constamment maîtrisé le reflet de toute la richesse de la réalité - le volume de transfert, l'espace, la lumière, la représentation de la figure humaine (y compris nue) et l'environnement réel - intérieur, paysage.

La littérature de la Renaissance a créé des monuments d'une valeur durable comme "Gargantua et Pantagruel" (1533 - 1552) de Rabelais, les drames de Shakespeare, le roman "Don Quichotte" (1605 - 1615) de Cervantes, etc., qui combinaient organiquement un intérêt dans l'Antiquité avec un appel à culture populaire, le pathétique du comique avec la tragédie de l'existence. Les sonnets de Pétrarque, les nouvelles de Boccace, poème héroïque Aristo, grotesque philosophique (traité d'Erasme de Rotterdam "Éloge de la folie", 1511), essai de Montaigne - dans différents genres, formes individuelles et options nationales incarnait les idées de la Renaissance.

Dans une musique imprégnée d'une vision humaniste du monde, la polyphonie vocale et instrumentale se développe, de nouveaux genres de musique profane apparaissent - chant solo, cantate, oratorio et opéra, qui contribuent à l'établissement de l'homophonie.

À la Renaissance, des découvertes scientifiques exceptionnelles ont été réalisées dans les domaines de la géographie, de l’astronomie et de l’anatomie. Les idées de la Renaissance ont contribué à la destruction des idées féodales et religieuses et ont largement répondu objectivement aux besoins de la société bourgeoise naissante.

RENOVATION EN ANGLETERRE

En Angleterre, la Renaissance a commencé un peu plus tard qu'en Italie, par exemple, et elle a ici ses propres différences importantes.

Ce fut une période difficile et sanglante en Angleterre. Il y a eu une lutte difficile à l'intérieur du pays avec ceux qui ne voulaient pas qu'il soit libéré de l'influence du Vatican. Les idées de la Renaissance se sont établies dans la lutte. L'Angleterre s'est battue avec l'Espagne, qui a protégé la puissance du catholicisme dans toute l'Europe.

Naturellement, les premiers à exprimer les pensées et les sentiments des temps modernes dans les livres furent les humanistes. Ils ne pouvaient pas simplement dire à quel point il était merveilleux d'être humain : ils voyaient la souffrance des Anglais ordinaires. Au début du XVIe siècle. Le livre du premier grand humaniste d'Angleterre, Thomas More, « Utopia » est paru. Il décrivait l’île fictive de l’utopie – une société du futur où règnent la justice, l’égalité et l’abondance. Le livre de Thomas More a eu une énorme influence non seulement sur ses contemporains, mais aussi sur le développement des idées communistes à l'avenir.

Les idées de la Renaissance en Angleterre s'incarnaient le plus fortement sur les scènes des théâtres. Un grand groupe de dramaturges talentueux a travaillé dans le théâtre anglais - Greene, Marlowe, Kyd et d'autres. Ils sont généralement appelés les prédécesseurs de Shakespeare, dont le travail a absorbé et développé tout le meilleur de leurs œuvres.

CARACTÉRISTIQUES DISTINCTIVES DE LA VISION DU MONDE RENAISSANCE

Depuis le XVe siècle. Un certain nombre de changements se produisent dans la vie socio-économique et spirituelle de l'Europe occidentale, marquant le début de la période considérée. Les changements socio-économiques (l'émergence des conditions pour la formation de nations européennes modernes et d'une société bourgeoise moderne, l'émergence des fondements du commerce mondial ultérieur et la transition de l'artisanat vers l'industrie manufacturière, etc.) se sont accompagnés de changements significatifs dans les mentalités. Le processus de sécularisation détermine l'indépendance par rapport à l'Église de tous les domaines de la vie culturelle et sociale, y compris la science, la philosophie et l'art.

À l’époque considérée, une nouvelle interprétation « renaissance » de l’existence apparaît en philosophie et les bases d’une nouvelle dialectique européenne sont posées.

Se réalisant comme un renouveau d'une culture ancienne, d'une ancienne façon de penser et de ressentir, et s'opposant ainsi au christianisme médiéval, la Renaissance est néanmoins née du développement de la culture médiévale. La caractéristique distinctive la plus importante de la vision du monde de la Renaissance est l’accent mis sur l’art. Si l'Antiquité était au centre de la vie naturelle et cosmique, au Moyen Âge - Dieu et l'idée de salut qui y est associée, alors à la Renaissance, l'homme est au centre.

L'homme n'a pas ressenti une telle force et un tel pouvoir sur tout ce qui existe ni dans l'Antiquité ni au Moyen Âge. Il n’a pas besoin de la miséricorde de Dieu, sans laquelle, comme on le croyait au Moyen Âge, il ne pourrait pas faire face aux défauts de son « essence pécheresse ». Il est lui-même désormais créateur. L'activité créatrice acquiert ainsi une sorte de caractère sacré à la Renaissance - avec son aide, il crée un nouveau monde, crée la beauté, se crée lui-même. C’est cette époque qui a donné au monde un certain nombre d’individus exceptionnels dotés d’un tempérament brillant, d’une éducation complète, d’une forte volonté, d’une détermination et d’une énergie énorme.

Le goût artistique sophistiqué a partout reconnu et souligné l'originalité et le caractère unique de chaque individu, sans tenir compte du fait que la valeur intrinsèque de l'individualité signifie l'absolutisation d'une approche esthétique d'une personne, alors que la personnalité est plutôt une catégorie morale et éthique. Ce sont les héros de Shakespeare - caractéristiques distinctives la personnalité (la capacité de reconnaître le bien et le mal, d'agir conformément à cette distinction et d'assumer la responsabilité de ses actes), me semble-t-il, est remplacée par des critères purement esthétiques (en quoi et comment le héros diffère de tout le monde, à quel point il est original ses actions le sont). On en trouve facilement des exemples dans chacune des œuvres de Shakespeare.

Ce n'est pas un hasard, à mon avis, si le sonnet a prospéré précisément à la Renaissance ; la pensée anthropocentrique de cette période, l'interprétation Renaissance de la dialectique ont contribué à l'émergence d'œuvres remarquables. personnalités créatives, a donné une puissante impulsion progressiste à la fois à la science et à l’art.

BRÈVES CARACTÉRISTIQUES DE L'ŒUVRE DE SHAKESPEARE

Les informations biographiques sur Shakespeare sont rares et souvent peu fiables. Les chercheurs pensent qu'il a commencé à jouer comme dramaturge à la fin des années 80 du XVIe siècle. Le nom de Shakespeare est apparu pour la première fois sous forme imprimée en 1593 dans la dédicace du poème « Vénus et Adonis » au comte de Southampton. Entre-temps, au moins six pièces du dramaturge avaient déjà été mises en scène.

Les premières pièces de théâtre sont empreintes d'un principe d'affirmation de la vie : les comédies « La Mégère apprivoisée » (1593), « Le Songe d'une nuit d'été » (1596), « Beaucoup de bruit pour rien » (1598), la tragédie « Roméo et Juliette » " (1595.). Les chroniques historiques « Richard III » (1593), « Henri IV » (1597-98) dépeignent la crise du système féodal. L'approfondissement des contradictions sociales a conduit à la transition de Shakespeare vers le genre de la tragédie - "Hamlet" (1601), "Othello" (1604), "Le Roi Lear" (1605), "Macbeth" (1606). Les enjeux sociopolitiques sont typiques des tragédies dites « romaines » : « Jules César » (1599), « Antoine et Cléopâtre » (1607), « Coriolan » (1607). La recherche d'une solution optimiste aux tragédies sociales a conduit à la création de drames romantiques « Cymbeline » (1610), « Le Conte d'hiver » (1611), « La Tempête » (1612), qui ont la teinte d'une sorte de parabole instructive . Le canon de Shakespeare (ses pièces incontestées) comprend 37 drames écrits principalement en vers blancs. Un aperçu subtil de la psychologie des personnages, des images vives, une interprétation publique des expériences personnelles et un lyrisme profond distinguent ces véritables grandes œuvres qui ont survécu aux siècles, devenant un atout inestimable et une partie intégrante de la culture mondiale.

ANALYSE IMAGURATIVE ET THÉMATIQUE DU CYCLE « SONNETS »

Shakespeare possède un cycle de 154 sonnets, publié (à l'insu ou sans le consentement de l'auteur) en 1609, mais écrit, apparemment, dans les années 1590 (en tout cas, déjà en 1598 un message sur ses " doux sonnets connus des amis proches ") et fut l'un des exemples les plus brillants de poésie lyrique d'Europe occidentale de la Renaissance. La forme, devenue populaire parmi les poètes anglais, scintille de nouvelles facettes sous la plume de Shakespeare, contenant un large éventail de sentiments et de pensées - des expériences intimes aux pensées et généralisations philosophiques profondes. Les chercheurs attirent depuis longtemps l'attention sur le lien étroit entre les sonnets et la dramaturgie de Shakespeare. Ce lien se manifeste non seulement dans la fusion organique de l’élément lyrique avec le tragique, mais aussi dans le fait que les idées de passion qui inspirent les tragédies de Shakespeare vivent également dans ses sonnets. Tout comme dans ses tragédies, Shakespeare aborde dans ses sonnets les problèmes fondamentaux de l'existence qui troublent l'humanité depuis des siècles ; il parle du bonheur et du sens de la vie, du rapport entre le temps et l'éternité, de la fragilité de la beauté humaine et de ses la grandeur, sur l'art qui peut surmonter le passage inexorable du temps. , sur la haute mission du poète.

Le thème éternel et inépuisable de l'amour, l'un des thèmes centraux des sonnets, est étroitement lié au thème de l'amitié. Dans l'amour et l'amitié, le poète trouve une véritable source d'inspiration créatrice, qu'ils lui apportent joie et bonheur ou qu'ils lui apportent les affres de la jalousie, de la tristesse et de l'angoisse mentale.

Thématiquement, l'ensemble du cycle est généralement divisé en deux groupes : on pense que le premier

(1 - 126) est adressé à l'ami du poète, le second (127 - 154) est adressé à sa bien-aimée - la « dame noire ». Le poème qui distingue ces deux groupes (peut-être précisément en raison de son rôle particulier dans la série générale) n'est pas à proprement parler un sonnet : il ne comporte que 12 vers et un agencement adjacent de rimes.

Le leitmotiv du chagrin face à la fragilité de tout ce qui est terrestre, traversant tout le cycle, l'imperfection du monde clairement réalisée par le poète ne viole pas l'harmonie de sa vision du monde. L'illusion du bonheur de l'au-delà lui est étrangère - il voit l'immortalité humaine dans la gloire et la progéniture, conseillant à son ami de voir sa jeunesse raviver chez les enfants.

Dans la littérature de la Renaissance, le thème de l’amitié, notamment masculine, occupe une place importante : elle est considérée comme la plus haute manifestation de l’humanité. Dans une telle amitié, les préceptes de la raison se conjuguent harmonieusement avec l'inclination spirituelle, libre du principe sensuel.

Non moins significatifs sont les sonnets dédiés à la bien-aimée. Son image est résolument non conventionnelle. Si les sonnets de Pétrarque et de ses disciples anglais (pétrarchistes) glorifient habituellement une beauté angélique aux cheveux dorés, fière et inaccessible, alors Shakespeare, au contraire, consacre des reproches jaloux à une brune brune - incohérente, n'obéissant qu'à la voix de passion.

Shakespeare a écrit ses sonnets dans la première période de son œuvre, alors qu'il gardait encore foi dans le triomphe des idéaux humanistes. Même le désespoir du célèbre 66e sonnet trouve une issue optimiste dans la « clé du sonnet ». L'amour et l'amitié agissent encore, comme dans Roméo et Juliette, comme une force qui affirme l'harmonie des contraires. La rupture d'Hamlet avec Ophélie est encore à venir, tout comme la fragmentation de la conscience incarnée par le prince danois. Plusieurs années passeront - et la victoire de l'idéal humaniste pour Shakespeare se situera dans un avenir lointain.

La chose la plus remarquable dans les sonnets de Shakespeare est le sentiment constant de l'incohérence interne du sentiment humain : quelle est la source du plus haut bonheur donne inévitablement lieu à la souffrance et à la douleur, et vice versa, le bonheur naît dans de graves tourments.

Cette confrontation des sentiments de la manière la plus naturelle, aussi complexe que soit le système métaphorique de Shakespeare, s’inscrit dans la forme du sonnet, à laquelle le dialecticisme est inhérent « par nature ».

CARACTÈRE DIALECTIQUE DE LA FORME SONNET

SONNET CLASSIQUE

Parmi une grande variété d'œuvres poétiques de genres divers, il existe un nombre relativement restreint de formes dites solides - des combinaisons strophiques strictement canonisées et stables. En termes de popularité et de prévalence, aucune des formes solides - triolet italien et français (du Moyen Âge), viril, sextine, ghazal iranien ou tanka de la poésie japonaise - ne peut être comparée au sonnet.

Apparu vers le début du XIIIe siècle. en Italie (sonnet - de l'italien Sonet (chanson), basé sur le mot Son (son)), ce genre acquit très vite des règles canoniques formulées en 1332 par l'avocat padouan Antonio da Tempo, qui furent ensuite affinées et resserrées à plusieurs reprises.

Les caractéristiques structurelles les plus stables d'un sonnet classique :

• volume stable - 14 lignes ;
• division claire en quatre strophes : deux quatrains (quatrains) et deux tercets (terzettoes) ;
• répétition stricte des rimes - dans les quatrains, il y a généralement deux rimes quatre fois, dans les terzettos, il y a trois autres rimes deux fois ou deux rimes trois fois) ;
• système de rimes stables - la séquence « française » préférée : abba abba ccd eed (ou ccd ede), « italien » : abab abab cdc dcd (ou cde cde) ;
• mètre constant - il s'agit généralement du mètre le plus courant dans la poésie nationale : pentamètre iambique ou hexamètre dans la poésie russe, allemande, néerlandaise et scandinave ; pentamètre - en anglais ; vers de onze syllabes - en Italie, en Espagne et au Portugal ; le vers dit alexandrin - douze syllabes avec une césure au milieu - dans un sonnet français classique.

De plus, le canon du sonnet contient également d'autres exigences plus ou moins universelles :

• chacune des quatre parties (quatrains et terzets) doit, en règle générale, avoir une complétude et une intégrité syntaxiques internes ;
• les quatrains et les tercets diffèrent par l'intonation - la mélodie du premier est remplacée par le dynamisme et l'expression du second ;
• les rimes doivent être de préférence précises et sonores, et un changement régulier des rimes masculines (en mettant l'accent sur la dernière syllabe) est recommandé ;
• Il est extrêmement déconseillé de répéter les mêmes mots dans le texte (à l'exception des conjonctions, des pronoms, etc.), si cela n'est pas dicté par l'intention consciente de l'auteur.

Les thèmes des sonnets sont extrêmement divers : l'homme avec ses actions, ses sentiments et son monde spirituel ; la nature qui l'entoure ; expression du monde intérieur de l'homme à travers des images de la nature ; société dans laquelle un individu existe. La forme sonnet est utilisée avec autant de succès dans les paroles amoureuses, psychologiques et philosophiques, que dans les paroles descriptives, paysagères et politiques. À travers lui, les sentiments tendres, le pathos colérique et la satire acérée sont parfaitement véhiculés. Et pourtant, la spécificité de la forme tient avant tout à sa capacité d’adaptation universelle à transmettre le sens de la dialectique de l’être.

Dans l'ouvrage de Johannes R. Becher "La Philosophie du Sonnet, ou Petites Instructions sur le Sonnet", la définition du sonnet comme genre dialectique .

Selon Becher, le sonnet reflète les principales étapes du mouvement dialectique de la vie, du sentiment ou de la pensée depuis la thèse, en passant par l'antithèse jusqu'à la synthèse (position - opposition - suppression des contraires). Dans la forme classique d'un sonnet, le premier quatrain contient la thèse, le second - l'antithèse et les tercets (sextet) - la synthèse. Mais « la relation entre position et opposition peut être extrêmement complexe, et peut-être, à première vue, imperceptible, tout comme la suppression des deux opposés dans la partie finale ».

Toutes les exigences fondamentales du canon du sonnet sont étroitement liées à la nature dialectique de cette forme poétique et sont nées de la recherche de la manière la plus parfaite d'incarner le contenu dialectique. Néanmoins, les manières de transmettre les formes de mouvement de la pensée humaine, réalisant sa dialectique interne, sont infiniment variées dans le sonnet. Le canon du sonnet n’est pas aussi figé qu’il y paraît à première vue. Les formes non canoniques de sonnet comprennent, par exemple, les « sonnets à queue » (les sonnets avec une coda - un vers supplémentaire, un ou plusieurs tercets), le « sonnet renversé » - commence par des tercets et se termine par des quatrains, le « sonnet sans tête » - le il manque le premier quatrain, "sonnet boiteux" - les quatrièmes couplets des quatrains sont plus courts que les autres, etc.

LE SONNET DE SHAKESPEARE

L'histoire de la forme sonnet elle-même est profondément dialectique : la stabilité interne et la stabilité du canon se conjuguent avec son mouvement et son amélioration constants.

De nombreux dictionnaires classent encore le sonnet « shakespearien » comme un sonnet conditionnel, le qualifiant de rime anglaise. Bien que les premiers poètes anglais qui se sont intéressés à ce genre n'aient probablement pas réalisé qu'ils violaient hardiment le canon du sonnet.

Les poètes Thomas Wyeth et Henry Howard, comte de Surrey, ont écrit leurs sonnets dans les années 1530. Il ne fait aucun doute que leur connaissance des sonnets de Pétrarque et de ses disciples italiens les a motivés. De plus, ils se sont rendus en France à plusieurs reprises. Ainsi, leurs sonnets étaient structurés selon le schéma : abba abba cdd cee. Mais dans les premières éditions, la division en quatrains et terzetts n'était le plus souvent pas indiquée, donc ce schéma commença bientôt à être perçu comme une combinaison de trois quatrains et d'un distique : abba abba cddc ee. Surrey fait un pas de plus en violation du canon classique - dans douze des seize sonnets, il divise le poème en trois quatrains avec une rime croisée et un distique final avec une rime appariée : abab cdcd efef gg, c'est-à-dire qu'il ne se limite pas à un sextuor, comme les poètes français et Wyeth, mais reconstruit toute la structure d'un sonnet.

Les chercheurs expliquent l'utilisation de rimes appariées à la fin d'un sonnet et de rimes croisées dans les quatrains par l'influence de la ballade anglaise, et aussi en partie par le fait que la langue anglaise est relativement pauvre en rimes. De plus, la présence d'une « clé sonnet » (un distique final avec une rime appariée) correspondait aux goûts des poètes anglais, à leur prédilection pour l'exhaustivité épigrammatique du poème.

La main de Shakespeare a fait de la norme ce qui n'était qu'une timide tentative parmi ses prédécesseurs. Le type de sonnet que Surrey a introduit dans la poésie anglaise s'appelait « shakespearien » et est devenu après Shakespeare la version nationale anglaise du canon.

CONCLUSION

Ainsi, à partir de l’exemple des « Sonnets » de Shakespeare, qui font partie intégrante et, à mon avis, un exemple assez frappant de son œuvre, on peut arriver aux conclusions suivantes :

1). Changements développés et consolidés par Shakespeare dans le contexte national version anglaise Le canon du sonnet, dit « shakespearien », permet non sans raison de considérer ses « Sonnets », comme faisant partie de son œuvre, l'apogée de la Renaissance anglaise.

2). Les traditions de la culture paneuropéenne de la Renaissance, définies comme la renaissance de l'ancienne façon de penser et de ressentir et étant le résultat du développement de la culture médiévale, ont créé les conditions de l'émergence de personnalités créatrices exceptionnelles, qui sont sans aucun doute W. Shakespeare. Le système figuratif et thématique et la forme même de ses « Sonnets » reflètent la pensée anthropocentrique de cette période, sur la base d'une nouvelle dialectique européenne, révélant le monde intérieur complexe du grand poète, incarnant avec brio son projet créatif. Ainsi, l'œuvre de W. Shakespeare peut être considérée comme la plus haute synthèse des traditions de la culture paneuropéenne de la Renaissance.

LITTÉRATURE

Le matériel de la section est construit à partir de l'article d'introduction de Z.I. Plavskin au livre Western European Sonnet F, Leningrad : Maison d'édition de l'Université de Leningrad, 1998

Je voudrais noter qu'il existe un cycle solide (poème) composé de 15 sonnets architecturalement liés (le dernier vers du premier vers est le premier des suivants, et à partir des premiers vers de 14 sonnets, la « autoroute » du 15e siècle) est compilé, qui porte la charge sémantique principale), portant un nom poétique « couronne de sonnets ».

Bekher I.R. Philosophie du sonnet, ou Petites instructions sur le sonnet // Questions de littérature. 1965. N° 10. P.194.

La littérature anglaise de la Renaissance s'est développée en lien étroit avec la littérature d'autres pays européens, principalement l'Italie humaniste.

Tout au long du XVIe siècle, la littérature italienne jouit d'une popularité particulière en Angleterre, étant une source préférée de thèmes, d'intrigues et de formes pour les écrivains anglais. Dans les originaux et les traductions en Angleterre, les œuvres de Pétrarque, de Boccace, de l'Arioste, du Tasse et de divers romanciers italiens se sont répandues. L'«Italomanie» était alors si répandue dans divers cercles de la société anglaise que Roger Asham, dans son «School Teacher», comparait l'Italie à Circé, dont le chant remplissait tous les cœurs et menaçait, à son avis, de la corruption finale des mœurs. Les amateurs de littérature italienne, dit-il, « respectaient les Triomphes de Pétrarque avec plus de respect que le livre de la Genèse, et les nouvelles de Boccace étaient plus valorisées que l’histoire biblique ».

Sous l'influence des modèles italiens (et en partie français, eux-mêmes sous influence italienne), de nombreux genres littéraires furent réformés en Angleterre et de nouvelles formes poétiques furent adoptées. Tout d’abord, la réforme a touché la poésie. DANS dernières années Sous le règne d'Henri VIII, un cercle de poètes de la cour transforma la poésie lyrique anglaise en style italien. Les personnages les plus importants de cette réforme furent Wyeth et Surrey.

Thomas Wyeth (Thomas Wyatt, 1503 - 1542) appartenait à une famille aristocratique éminente, étudia à Cambridge et se distingua parmi les associés du roi par son éducation approfondie et complète. En 1527, il visita l'Italie et ce voyage fut aussi important pour lui que pour Chaucer. En Italie, il se familiarise avec la culture de la Renaissance, s'intéresse à la poésie italienne et tente de l'imiter dans sa propre œuvre poétique.

Le thème principal des premières paroles de Wyeth sont les angoisses et les aspirations amoureuses, qu'il chante parfois avec un sérieux total, parfois en plaisantant à moitié. Dans la seconde moitié de sa vie, Wyeth a effectué un certain nombre de missions diplomatiques, vivant en Espagne et en France. Bien que même maintenant les thèmes d'amour n'aient pas complètement disparu de l'œuvre de Wyeth, des tons plus sérieux résonnaient dans ses poèmes ; on y entendait souvent une profonde déception face à la vie de cour, et au lieu de sonnets et de chansons d'amour au contenu intime, il se tournait plus souvent vers des épigrammes et satiriques. En 1540, Wyeth retourna dans son pays natal, fut arrêté et accusé de trahison. Après sa libération, il se retira de la cour dans ses domaines et écrivit ici trois satires basées sur les modèles d'Horace, de Perse et des Italiens contemporains, où il critiquait vivement et avec une grande amertume l'environnement et la morale de la cour, les contrastant avec une vie tranquille dans la nature, loin de la cour et de la capitale.

La poésie de Wyeth a un caractère livresque et artificiel. La plupart de ses poèmes sont des imitations de modèles étrangers, principalement italiens. Wyeth se passionne surtout pour la poésie de Pétrarque et, sous son influence, introduit dans la littérature anglaise la forme du sonnet, jusqu'alors inconnue en Angleterre. Sur les 32 sonnets écrits par Wyeth, 12 sont des traductions des sonnets de Pétrarque.

L'influence de Pétrarque se fait également sentir dans d'autres œuvres de Wyeth. Cependant, Pétrarque a attiré Wyeth non pas tant par la fraîcheur et la nature de ses expériences lyriques, mais par la complexité particulière et même la prétention de la forme d'expression verbale inhérente à certains de ses sonnets. Les sonnets de Wyeth, distingués par une certaine artificialité et lourdeur, conservent cependant le mérite d'avoir introduit cette forme dans la poésie anglaise, provoquant de nombreuses imitations. Outre les sonnets, Wyeth a également écrit, en partie sur la base de modèles français (Clément Marot), des rondos et des odes (selon sa compréhension, des poèmes d'amour, des chansons pour accompagnement musical) ; dans ses poèmes, il y a aussi des imitations de poètes espagnols et anglais anciens (Chaucer).

La poésie de son successeur et ami, Surrey, était encore plus importante que les paroles de Wyeth. Henry Howard, comte de Surrey (Henry Howard, comte de Surrey, 1517 - 1547), appartenait à l'une des familles les plus nobles d'Angleterre et, comme Wyeth, connut toutes les vicissitudes de la vie à la cour du « sanglant » roi Henri VIII. Ayant été un proche collaborateur du roi pendant plusieurs années, il fut, sur la base de quelques paroles imprudentes prononcées par lui, accusé de haute trahison et exécuté en janvier 1547, quelques jours avant la mort d'Henri VIII, étant une de ses dernières victimes.

L'activité poétique de Surrey débute par l'imitation de Wyeth (à qui il dédia l'un de ses meilleurs poèmes) et de ses modèles. Surrey n'était jamais allé en Italie, mais était profondément imprégné de l'esprit de la poésie italienne. Si Wyeth suivait toujours consciencieusement les modèles italiens, Surrey les traitait déjà plus librement, s'écartant de la forme stricte du sonnet italien, mais suivant l'essence lyrique de ce genre, en la poursuivant et en l'améliorant dans la poésie anglaise. Une partie importante des poèmes de Surrey est consacrée aux thèmes de l'amour.

Parmi les autres œuvres de Surrey, il convient de noter sa traduction de deux chansons de « L'Énéide » de Virgile, intéressante non seulement parce qu'elle est l'une des premières traductions anglaises d'un classique latin assez réussie et proche de l'original, mais surtout parce que cette la traduction est la première dans la poésie anglaise (sous influence italienne), on a utilisé des vers blancs (pentamètre iambique sans rime), qui ont rapidement commencé à jouer un rôle important en Angleterre, principalement dans la poésie dramatique (Marlowe et Shakespeare).

Les œuvres de Wyeth et de Surrey ne furent accessibles à un plus grand nombre de lecteurs anglais que lorsqu'elles furent publiées par le libraire R. Tottel en 1557, avec des poèmes de nombreux autres auteurs (les soi-disant "Collection Tottel" ). Suite à ce livre, d'autres recueils de poésie similaires ont commencé à paraître.

En particulier, le modèle de la poésie italienne commença à être largement diffusé en Angleterre. forme sonnet . A la fin du 16ème siècle. Il y avait déjà des dizaines de « sonnetistes » en Angleterre. Parmi les meilleurs auteurs de sonnets figuraient Philip Sidney, Edmund Spenser et enfin Shakespeare.

Philippe Sydney (Philip Sidney, 1554 - 1586) est né dans le château familial du Kent dans une famille aristocratique éminente, a étudié à l'Université d'Oxford, après quoi il a été nommé membre de l'ambassade en France. A Paris, il poursuit ses études, mais évolue également à la cour et fait la connaissance de nombreux écrivains huguenots français.

La Nuit de Saint-Barthélemy (24 août 572) l'oblige à quitter précipitamment la France ; Ainsi commença le temps de ses pérégrinations à travers l’Europe. Sydney s'est rendu à Francfort-sur-le-Main, puis à Vienne, a visité la Hongrie, les terres italiennes, Prague, plusieurs villes allemandes et est retourné dans son pays natal via la Hollande.

On peut dire qu'il a voyagé dans toute l'Europe et visité tous les principaux centres du mouvement d'éducation et de réforme humaniste de l'époque, dont il était un ardent défenseur.

En Angleterre, Sidney fut invité à la cour et y vit pour la première fois Penelope Dever, fille du comte d'Essex, qu'il glorifia plus tard sous le nom de Stella dans un recueil de sonnets ( "Astrophel et Stella" , éd. en 1591). Les intrigues de la cour ont forcé Sidney à se retirer dans le château rural de sa sœur, et c'est ici qu'il a écrit la plus importante de ses œuvres - un roman pastoral. "Arcadie" , dans lequel sont également tissés nombre de ses poèmes lyriques, et un traité "Défense de la poésie" (1579-1580).

Par la suite, Sidney retourna à la cour, mais en 1585, il rejoignit les troupes anglaises envoyées aux Pays-Bas pour lutter contre l'Espagne catholique et fut tué ici dans l'une des batailles.

Le plus grand poète de la Renaissance anglaise est Edmond Spencer (Edmond Spenser, 1552 - 1599). Si ses prédécesseurs se concentraient principalement sur la littérature étrangère, alors, sur la base des mêmes influences de la poésie italienne (et en partie française), il essaya de créer une poésie nationale purement anglaise.

L'environnement dans lequel Spencer a grandi ne ressemblait guère à celui de Wyeth, du Surrey ou de Sydney.

Il n'est issu ni d'une famille aristocratique ni d'une famille aisée, mais a reçu une solide éducation classique à l'Université de Cambridge. En 1578, nous le retrouvons à Londres, où ses camarades d'université l'introduisent dans les maisons de Sidney et de Leicester, par l'intermédiaire desquelles il accède probablement à la cour. La création de Spencer remonte à cette époque "Calendrier du berger" et probablement le début du travail sur le poème "Reine fée" . Puisque Spencer n'était pas en sécurité financière pour vivre sans service, ses amis lui ont assuré un poste de secrétaire personnel de Lord Grey en Irlande.

En 1589, Spencer retourna à Londres et vécut dans ou à proximité de la capitale pendant environ une décennie, se consacrant entièrement au travail littéraire. En 1590, les trois premiers livres du poème furent publiés à Londres. "Reine fée" , dédié à la reine Elizabeth, qui lui a valu une renommée littéraire ; Malgré la petite pension annuelle qui lui a été attribuée par Elizabeth, les affaires financières de Spencer étaient loin d'être brillantes et il a recommencé à réfléchir à une sorte de poste officiel. En 1598, il était shérif d'une petite ville irlandaise, mais cette année-là, un soulèvement majeur éclata en Irlande. La maison de Spencer a été détruite et incendiée ; il s'enfuit lui-même à Londres et y mourut bientôt dans des circonstances extrêmement exiguës.

Peu avant sa mort, il écrivit un traité en prose "Sur l'état actuel de l'Irlande" . Les contemporains ont soutenu que c'était ce travail, qui contenait beaucoup de vérité sur l'exploitation brutale et la ruine des Irlandais par les autorités anglaises, qui était à l'origine de la colère de la reine Elizabeth contre Spenser, qui l'avait privé de tout soutien matériel.

Les premiers poèmes publiés de Spenser furent ses traductions de six sonnets de Pétrarque (1569) ; ils furent ensuite révisés et publiés avec ses traductions des poètes des Pléiades françaises.

Une grande attention a été attirée sur une autre œuvre de Spencer, dont l'idée lui a été inspirée par F. Sidney - "Calendrier du berger" (1579). Il se compose de douze églogues poétiques, faisant successivement référence aux 12 mois de l'année. L'un d'eux raconte comment un berger (sous l'apparence duquel Spencer prétend être lui-même) souffre d'amour pour l'inaccessible Rosalind ; dans un autre, Elizabeth, « la reine de tous les bergers », est louée ; dans le troisième, des représentants du protestantisme et le catholicisme apparaissent sous l'apparence de bergers, menant des disputes entre eux sur des sujets religieux et sociaux, etc.

Suivant le genre pastoral à la mode à cette époque, les poèmes du « Calendrier du berger » se distinguent par leur style sophistiqué et leur contenu mythologique érudit, mais contiennent en même temps un certain nombre de descriptions très vivantes de la nature rurale.

Les poèmes lyriques de Spenser sont supérieurs en valeur poétique à son poème antérieur ; ils furent publiés en 1591 après le grand succès des premières chansons de sa « Reine des Fées ».

Parmi ces poèmes, d’autres répondent de manière précoce, savante et raffinée ( "Larmes des Muses", "Ruines du Temps" ), d'autres se distinguent par la sincérité de leur ton et la grâce de leur expression ( "La mort d'un papillon" ), d'autres enfin, avec leurs traits satiriques (par exemple, "Le conte de Mère Guberd" , qui raconte la parabole du renard et du singe).

Le poème a également des traits satiriques. "Le retour de Colin Clout" (1595).

L'intrigue du poème est basée sur l'histoire de l'invitation de Spenser à revisiter Londres et la cour de Cynthia (c'est-à-dire la reine Elizabeth), faite au poète par Walter Raleigh, célèbre navigateur, scientifique et poète (dans le poème, il apparaît sous le nom fantaisiste de « Berger de la Mer »). Raleigh rendit visite à Spenser en Irlande en 1589. Le poème raconte la réception du poète à la cour et, sous des noms fictifs, donne des caractéristiques colorées et vivantes d'hommes d'État et de poètes proches de la reine.

Cependant, l'œuvre la plus populaire et la plus célèbre de Spenser était son poème "Reine fée" .

Les modèles de ce poème étaient en partie les poèmes de l'Arioste (Roland le Furieux) et de T. Tasso (Jérusalem libérée), mais Spenser doit aussi beaucoup à la poésie allégorique anglaise médiévale et au cycle de romans chevaleresques sur le roi Arthur. Sa tâche était de fusionner ces éléments poétiques disparates en un tout et d'approfondir le contenu moral de la poésie courtoise, en la fertilisant d'idées nouvelles et humanistes. "Par la reine des fées, j'entends généralement la gloire", a écrit Spenser à propos de son poème, "en particulier j'entends par elle la personne excellente et glorieuse de notre grande reine, et par le pays des fées, son royaume." Il souhaitait donner à son œuvre le sens d'une épopée nationale et la créa donc sur la base de légendes chevaleresques anglaises et insista sur son caractère pédagogique, pédagogique.

L'intrigue du poème est très complexe. La reine des fées Gloriana envoie douze de ses chevaliers pour détruire douze maux et vices dont souffre l'humanité. Chaque chevalier représente une vertu, tout comme les monstres qu'il combat représentent des vices et des erreurs.

Les douze premières chansons racontent les douze aventures des chevaliers de Gloriana, mais le poème reste inachevé ; chaque chevalier devait participer à douze batailles et seulement après cela pouvait retourner à la cour de la reine et lui rendre compte de ses exploits.

L'un des chevaliers, Artegall, personnifiant la Justice, combat le géant Injustice (Grantorto) ; un autre chevalier, Guyon, qui est la personnification de la Tempérance, combat l'Ivresse et l'expulse du temple de la Volupté.

Le chevalier Sir Calidor, incarnation de la courtoisie, attaque la calomnie : de manière caractéristique, il trouve ce monstre dans les rangs du clergé et le fait taire après une âpre lutte. "Mais", note Spencer, "à l'heure actuelle, apparemment, il a de nouveau eu l'opportunité de poursuivre ses activités pernicieuses."

L'allégorie morale se conjugue avec la politique : la puissante sorcière Duessa (Marie Stuart) et Géryon (le roi Philippe II d'Espagne) s'opposent à Gloriana (la reine Elizabeth). Dans certaines aventures dangereuses, les chevaliers sont aidés par le roi Arthur (le comte de Leicester préféré d'Elizabeth), qui, ayant vu Gloriana dans un rêve, tomba amoureux d'elle et, avec le sorcier Merlin, partit à la recherche de son royaume.

Le poème se serait probablement terminé avec le mariage du roi Arthur et de Gloriana.

Dans les récits d'aventures des chevaliers, malgré le fait que Spencer leur donne toujours un sens allégorique, il y a beaucoup d'invention, de divertissement et de belles descriptions. « La Reine des Fées » est écrite dans une strophe spéciale (composée de neuf vers poétiques au lieu de l'octave habituelle, c'est-à-dire huit vers dans les poèmes italiens), appelée "Strophe spencerienne" . Cette strophe a été adoptée par les poètes anglais du XVIIIe siècle. . pendant la période de renouveau d'intérêt pour la poésie « romantique » de Spenser et d'eux il passa aux romantiques anglais (Byron, Keith et autres).

Large développement de la littérature anglaise du XVIe siècle. Les genres lyriques et épiques suscitent également à cette époque un intérêt pour les problèmes théoriques de la poésie. Dans le dernier quart du XVIe siècle. un numéro est apparu poètes anglais qui a discuté des questions de versification anglaise, de formes et de style poétiques. Les principaux sont "L'art de la poésie anglaise" (1589) George Puttenham Et "Défense de la poésie" (éd.1595) Philippe Sydney . Dans le premier, l'auteur, basé sur des exemples de poésie ancienne et de la Renaissance, mais avec une pleine compréhension du caractère unique de la langue anglaise, parle en détail des tâches du poète, du contenu et de la forme des œuvres poétiques.

"Défense de la poésie" Sidney, à son tour, part des prémisses théoriques de l'ancienne et de la Renaissance européenne sur la créativité poétique et, de ce côté, condamne d'ailleurs le drame populaire anglais de l'époque shakespearienne, mais en même temps parle avec sympathie des ballades folkloriques et proclame le principe réaliste comme base de la poésie. « Il n’existe pas une seule forme d’art qui constitue le patrimoine de l’humanité, dit Sidney, qui n’ait pour objet les phénomènes naturels. » Les poètes de Puttenham et de Sidney étaient probablement aussi connus de Shakespeare.