L'originalité artistique des sonnets dans les œuvres de Dante. Dante Alighieri Dante la chantait dans ses sonnets

Extrait d'une notice biographique de Maria Watson.

L'événement le plus marquant et dominant de la jeunesse de Dante fut son amour pour Béatrice. Il l'a vue pour la première fois alors qu'ils étaient encore tous deux enfants : lui avait neuf ans, elle avait huit ans. « Le jeune ange », comme le dit le poète, est apparu sous ses yeux dans une tenue digne de son enfance : Béatrice était vêtue de vêtements rouges « nobles », elle portait une ceinture et, selon Dante, elle est immédiatement devenue « la maîtresse de son esprit. » . «Elle me semblait, dit le poète, plus comme la fille de Dieu que comme celle d'un simple mortel.» « Dès l'instant où je l'ai vue, l'amour a pris possession de mon cœur à tel point que je n'ai pas eu la force d'y résister et, tremblant d'excitation, j'ai entendu une voix secrète : « Voici une divinité qui est plus forte que toi et il dominera sur toi.

Portrait allégorique de Dante par Bronzino

Enivré de délice, le poète fuit le bruit des gens, se retire dans sa chambre pour rêver à sa bien-aimée, s'endort et fait un rêve. Au réveil, il l'expose en vers. Il s’agit d’une allégorie en forme de vision : l’amour, le cœur de Dante dans les mains, porte dans ses bras « une dame endormie et enveloppée d’un voile ». Cupidon la réveille, lui donne le cœur de Dante puis s'enfuit en pleurant. Ce sonnet de Dante, dix-huit ans, dans lequel il s'adresse aux poètes, leur demandant une explication de son rêve, a attiré l'attention de beaucoup, dont Guido Cavalcanti, qui a chaleureusement félicité le nouveau poète. Ainsi commença leur amitié qui ne s’est jamais démentie depuis.

Dans ses premières œuvres poétiques, en sonnets et canzones, entourant l'image de Béatrice d'un éclat brillant et d'une aura poétique, Dante surpasse déjà tous ses contemporains par la puissance du talent poétique, la capacité de parler la langue, ainsi que la sincérité, le sérieux et profondeur du sentiment. Même s'il adhère toujours aux formes conventionnelles précédentes, le contenu est nouveau : il a été vécu, il vient du cœur. Cependant, Dante abandonna bientôt les anciennes formes et manières et prit une voie différente. Il oppose le sentiment traditionnel d'adoration de la Madone des troubadours à l'amour réel, mais spirituel, saint et pur. Il considère lui-même la vérité et la sincérité de ses sentiments comme le « puissant levier » de sa poésie.

L'histoire d'amour du poète est très simple. Tous les événements sont les plus insignifiants. Béatrice le croise dans la rue et le salue ; il la rencontre à l'improviste lors d'une fête de mariage et se retrouve dans une excitation et un embarras si indescriptibles que les personnes présentes et même Béatrice elle-même se moquent de lui et un ami doit l'emmener loin de là. L'un des amis de Béatrice meurt et Dante compose deux sonnets à ce sujet ; il entend d'autres femmes à quel point Béatrice est affligée par la mort de son père... Tels sont les événements ; mais pour un culte si élevé, pour un tel amour, dont un cœur sensible était capable poète de génie, c'est toute une histoire intérieure, touchante par sa pureté, sa sincérité et sa profonde religiosité.

Dante et Béatrice, peinture de Marie Stillman
Il n'y a pas si longtemps, certains biographes doutaient de l'existence réelle de Béatrice et voulaient considérer son image comme une simple allégorie, sans aucun lien avec la vraie femme. Mais il est désormais prouvé que Béatrice, que Dante aimait, glorifiait, pleurait et en qui il voyait l'idéal de la plus haute perfection morale et physique, est sans aucun doute figure historique, fille de Folco Portinari, qui vivait à côté de la famille Alighieri. Elle est née en avril 1267, épousa Simon dei Bardi en janvier 1287 et mourut à vingt-trois ans le 9 juin 1290, peu après son père.

Dante lui-même parle de son amour dans « Vita Nuova » (« Nouvelle vie »), un recueil où la prose se mêle à la poésie, dédié au poète Guido Cavalcanti. Selon Boccace, il s’agit de la première œuvre de Dante, qui contient l’histoire complète de l’amour du poète pour Béatrice jusqu’à sa mort et au-delà, écrite par lui peu après la mort de sa bien-aimée, avant qu’il n’ait séché ses larmes pour elle. Il a appelé sa collection "Vita Nuova", comme certains le croient, car grâce à cet amour, une "nouvelle vie" est venue pour lui. Sa bien-aimée est pour Dante la personnification de l'idéal, quelque chose de « divin, apparaissant du ciel pour répandre sur la terre un rayon de félicité céleste », « la reine de la vertu ». "Vêtue de pudeur, dit le poète, rayonnante de beauté, elle marche parmi les louanges, comme un ange descendu sur terre pour montrer au monde le spectacle de ses perfections. Sa présence donne le bonheur, verse la joie dans les cœurs. Ceux qui Je ne l'ai pas vue et je ne peux pas comprendre toute la douceur de sa présence. Dante dit que, parée de la grâce de l'amour et de la foi, Béatrice éveille les mêmes vertus chez les autres. La pensée d'elle donne au poète la force de surmonter tout mauvais sentiment en lui-même ; sa présence et son arc le réconcilient avec l'univers et même avec ses ennemis ; l'amour pour elle détourne l'esprit de tout ce qui est mauvais.

Michael Parkes, portraits de Dante et Bétharice
Sous les vêtements d’un scientifique, le cœur de Dante bat pur, jeune, sensible, ouvert à toutes les impressions, enclin à l’adoration et au désespoir ; il est doté d'une imagination ardente qui l'élève bien au-dessus de la terre, dans le royaume des rêves. Son amour pour Béatrice a tous les signes de son premier amour de jeunesse. Il s'agit d'un culte spirituel et sans péché d'une femme, et non d'une attirance passionnée pour elle. Béatrice est plus un ange qu'une femme pour Dante ; elle semble voler à travers ce monde avec des ailes, le touchant à peine, jusqu'à ce qu'elle retourne au meilleur d'où elle vient, et donc l'amour pour elle est « le chemin du bien, vers Dieu ». Cet amour de Dante pour Béatrice incarne l’idéal de l’amour platonique et spirituel dans son plus haut développement. Ceux qui ne comprenaient pas ce sentiment demandaient pourquoi le poète n'avait pas épousé Béatrice. Dante ne cherchait pas à posséder sa bien-aimée ; sa présence, son arc, c'est tout ce qu'il désire, cela le remplit de bonheur. Une seule fois, dans le poème "Guido, je voudrais...", la fantaisie le captive, il rêve d'un bonheur fabuleux, de partir avec sa bien-aimée loin des gens froids, de rester avec elle au milieu de la mer dans un bateau, avec seulement quelques amis très chers. Mais ça beau poème, où le voile mystique se lève et où l'amant devient proche et désiré, Dante a exclu « Vita Nuova » du recueil : cela aurait été une dissonance dans son ton général.

On pourrait penser que Dante, adorant Béatrice, menait une vie inactive et rêveuse. Pas du tout - l'amour pur et élevé ne donne que une force nouvelle et incroyable. Grâce à Béatrice, nous dit Dante, il a cessé d'être une personne ordinaire. Il a commencé à écrire très tôt et elle est devenue le stimulus de son écriture. "Je n'avais pas d'autre professeur de poésie", dit-il dans "Vita Nuova", "sauf moi-même et le professeur le plus puissant : l'amour". Toutes les paroles de "Vita Nuova" sont empreintes d'un ton de profonde sincérité et de vérité, mais sa véritable muse est le chagrin. Et en effet, Histoire courte L'amour de Dante offre de rares aperçus d'une joie claire et contemplative ; la mort du père de Béatrice, sa tristesse, la prémonition de sa mort et de sa mort sont autant de motifs tragiques.

"La Vision de la mort de Béatrice" de Dante Gabriel Rossetti

La prémonition de la mort de Béatrice traverse toute la collection. Déjà dans le premier sonnet, dans la première vision, la courte joie de Cupidon se transforme en cris amers, Béatrice est portée au ciel. Puis, lorsque son amie est kidnappée par la mort, les esprits bienheureux expriment le désir de voir Béatrice parmi eux au plus vite. Son père, Folco Portinari, décède. L’idée surgit immédiatement dans l’âme du poète qu’elle aussi mourra. Un peu de temps passe et sa prémonition se réalise : peu après la mort de son père, elle le suit jusqu'à la tombe. Dante la vit en rêve, déjà morte, lorsque les femmes la couvraient d'un voile. Béatrice meurt parce que « cette vie ennuyeuse est indigne d'une si belle créature », dit le poète, et, revenant à sa gloire au ciel, elle devient « spirituelle, d'une grande beauté » ou, comme le dit ailleurs Dante, « de lumière intellectuelle, pleine de beauté ». d'amour ".

À la mort de Béatrice, le poète avait 25 ans. La mort de sa bien-aimée a été un coup dur pour lui. Son chagrin frise le désespoir : lui-même veut mourir et ce n'est que dans la mort qu'il attend la consolation. La vie, la patrie, tout s'est soudainement transformé pour lui en désert. Comme Dante pleure le paradis perdu de la défunte Béatrice. Mais sa nature était trop saine et trop forte pour qu'il meure de chagrin.

Peinture de Jean-Léon Gérôme

De son grand chagrin, le poète cherche du réconfort dans la poursuite de la science : il étudie la philosophie, fréquente des écoles philosophiques, lit avec zèle Cicéron et, surtout, le dernier représentant de la culture. ancien monde, Boèce, qui, à travers sa traduction et son interprétation des œuvres philosophiques grecques, notamment de la Logique d'Aristote, a rendu accessible une partie de la pensée hellénique aux générations suivantes et leur a laissé l'ouvrage « De Consolatione Philosophiae » [« Consolation de la philosophie » (latin)], ainsi très appréciée par le Moyen au fil des siècles. Boèce a écrit ce livre en prison, peu avant son exécution, et y raconte comment, à une époque où il languissait sous le poids de sa situation et était prêt à sombrer dans le désespoir, il fut visité par une vision lumineuse : il vit la Philosophie paraissant le consoler, lui rappeler la vanité de toutes les choses terrestres et diriger l'âme vers un bien supérieur et durable. Le lien direct de l'œuvre avec le destin de l'auteur, un destin dans lequel beaucoup voyaient le reflet de leur propre position, ainsi que la clarté de ses idées principales accessibles à tous et la noble chaleur de la présentation ont donné au livre de Boèce une influence particulière. au moyen Âge; beaucoup l’ont lu et y ont trouvé une consolation.

"Anniversaire de la mort de Béatrice" de Dante Gabriel Rossetti
Le zèle infatigable de Dante pour la philosophie, qui affaiblit même temporairement sa vision, lui révéla bientôt, selon ses mots, la « douceur » de cette science à tel point que l'amour de la philosophie éclipsa même pour un temps l'idéal qui jusqu'alors avait été le seul qui avait régné sur son âme. Et une autre influence luttait en lui avec le souvenir du défunt. Dans la seconde moitié de Vita Nuova, Dante raconte comment un jour, alors qu'il était plongé dans sa tristesse, une belle femme apparut à la fenêtre, le regardant avec des yeux pleins de compassion. Au début, il éprouva de la gratitude envers elle, mais, en la revoyant encore et encore, il commença peu à peu à prendre un tel plaisir à ce spectacle qu'il risquait d'oublier la défunte Béatrice. Cependant, ce nouveau sentiment n'apporta aucune consolation à Dante : un feu s'enflamma dans son âme. combat intense. Il commença à se paraître bas et méprisable, se grondant et se maudissant de pouvoir au moins temporairement se distraire de la pensée de Béatrice. La lutte interne du poète ne dura pas longtemps et se termina par la victoire de Béatrice, qui lui apparut dans une vision qui l'excita beaucoup. Depuis, il ne pense à nouveau qu'à elle et ne chante que sur elle. Plus tard, dans une autre de ses œuvres, « Convito » (« Fête »), qui concluait l'éloge le plus enthousiaste de la philosophie, Dante donna un caractère allégorique aux poèmes dédiés à son deuxième amour, qu'il appelle ici « Madonna la Filosofia ». Mais son existence réelle ne peut guère faire de doute, et cette petite tromperie du poète est tout à fait excusable.

Le sentiment, qui lui paraissait d'abord si criminel sous l'influence de l'exaltation, était en fait extrêmement innocent et rapidement éclairé par un météore d'amour platonique, dont il se rendit compte plus tard lui-même.

"Salutations à Béatrice" de Dante Gabriel Rossetti
Mais l’autre amour de Dante, pour une certaine Pietra, sur laquelle il a écrit quatre canzones, est d’une autre nature. L’identité de cette Pietra est inconnue, comme beaucoup de choses dans la vie du poète ; mais les quatre canzones mentionnées ont été écrites par lui, comme on le suppose, avant l'exil. Ils contiennent le langage d’une passion encore juvénile, d’un amour juvénile, cette fois déjà sensuel. Cet amour se combinait facilement alors avec l'exaltation mystique, avec le culte religieux de l'idéal féminin ; Le culte pur et chaste de la femme n’excluait pas alors ce qu’on appelle la « folie amore ». Il est fort possible que, compte tenu de son tempérament passionné, Dante lui ait rendu hommage et qu'il ait lui aussi connu une période de tempêtes et de délires.

Quelques années après la mort de Béatrice - date en fait inconnue, mais apparemment en 1295 - Dante épousa une certaine Gemma di Maneto Donati. Des biographes précédents rapportent que le poète a eu sept enfants d'elle, mais selon les dernières recherches Ils ne sont que trois : deux fils, Pietro et Jacopo, et une fille, Antonia.

"Dante en exil", peinture de Sir Frederic Leighton
Très peu d’informations ont été conservées sur l’épouse du poète, Gemma. Apparemment, elle a survécu à son mari ; au moins dès 1333, sa signature figurait sur un document. Selon les informations rapportées par Boccace, Dante n'a pas revu sa femme après son expulsion de Florence, où elle est restée avec les enfants. Bien des années plus tard, à la fin de sa vie, le poète appela ses fils et prit soin d'eux. Dans ses écrits, Dante ne dit jamais rien sur Gemma. Mais c'était un phénomène courant à cette époque : aucun des poètes de l'époque n'évoquait ses relations familiales. L’épouse était destinée à jouer un rôle prosaïque à cette époque ; elle restait complètement en dehors de l'horizon poétique ; A côté du sentiment qui lui était donné, un autre sentiment considéré comme supérieur pouvait parfaitement exister. Boccace et quelques autres biographes affirment que le mariage de Dante fut malheureux. Mais on ne sait rien de précis à ce sujet ; La seule chose qui est vraie, c'est que ce mariage a été conclu sans aucune touche romantique : c'était quelque chose comme un accord commercial pour remplir un devoir social - un de ces mariages qui sont nombreux aujourd'hui.
Citation du message

Dante et Béatrice. Histoire d'amour.

Si la vie de Dante lui-même est déjà si peu connue, alors, bien sûr, l'histoire de ses ancêtres se perd encore dans le grand brouillard. Il est vrai que le poète était issu, sinon d'une famille florentine noble et riche, du moins d'une famille suffisante, dont il regardait le passé avec une certaine fierté. Le poète a érigé un monument à l'un de ses ancêtres, Kachchagvida, dans la Divine Comédie.

Il faut supposer que Dante aimait le dessin et la musique. Son sens plastique transparaît, comme le note Boccace, dans la clarté de ses images.

Dante a trouvé des amis dans sa jeunesse dans le milieu artistique, musical et littéraire. Ainsi, par exemple, Casella, alors célèbre chanteur, était apparemment très amical avec Dante, puisque même au « Purgatoire », Casella, après avoir rencontré le poète, l'assure de son amour, et Dante se souvient de son chant, qui « a éteint il y a tous il y a des sortes de chagrins dedans. Dante était également ami avec l'artiste Cimabue, avec le célèbre miniaturiste Oderisi et avec Giotto, ce réformateur de l'art italien au sens de la peinture. Il existe un beau portrait du jeune Dante, copié de lui par Giotto, probablement dans la période 1290-1295, et seulement récemment, en 1840 ! ouvert sur le mur de la Chapelle del Podesta à Florence. Les amis proches de Dante étaient les poètes Lapo Giani, Cino da Pistoia et surtout Guido Cavalcanti. Dante a apparemment fait la connaissance de Cino da Pistoia, qui avait cinq ans de moins que Dante, célèbre avocat et l'un des meilleurs paroliers de l'époque, plus tard professeur de Pétrarque, plus tard, pendant son exil.
L'événement principal le plus marquant de la jeunesse de Dante fut son amour pour Béatrice. Il l'a vue pour la première fois alors qu'ils étaient encore tous les deux enfants : lui avait 9 ans, elle avait 8 ans. « Le jeune ange », comme le dit le poète, est apparu sous ses yeux dans une tenue qui convenait à son enfance : Béatrice était vêtue d'une couleur rouge « noble », elle portait un nois, et elle, selon Dante, est immédiatement devenue "sa maîtresse." esprit." « Elle m'a semblé, dit Loet, plus comme la fille de Dieu que comme celle d'un simple mortel. » « Dès l'instant où je l'ai vue, l'amour s'est emparé de mon cœur à tel point que je n'ai pas eu la force pour y résister et, tremblant d'excitation, j'entendis une voix secrète : Voici une divinité qui est plus forte que toi et qui te contrôlera.

Dix ans plus tard, Béatrice lui apparaît à nouveau, cette fois toute en blanc. Elle marche dans la rue, accompagnée de deux autres femmes, le regarde et, grâce à sa « miséricorde inexprimable », le salue avec une telle modestie et un tel charme qu'il lui semble avoir vu « le plus haut degré de félicité ». Enivré de délice, le poète fuit le bruit des gens, se retire dans sa chambre pour rêver à sa bien-aimée, s'endort et fait un rêve. Au réveil, il l'expose en vers. Il s’agit d’une allégorie en forme de vision : l’amour, le cœur de Dante dans les mains, porte dans ses bras « une dame endormie et enveloppée d’un voile ». Cupidon la réveille, lui donne le cœur de Dante puis s'enfuit en pleurant. Ce sonnet de Dante, 18 ans, dans lequel il s'adresse aux poètes, leur demandant une explication de son rêve, a attiré l'attention de nombreuses personnes, dont Guido Cavalcanti, qui a chaleureusement félicité le nouveau poète. Ainsi commença leur amitié qui ne s’est jamais démentie depuis. Dans ses premières œuvres poétiques, en sonnets et canzones, entourant l'image de Béatrice d'un éclat brillant et d'une aura poétique, Dante surpasse déjà tous ses contemporains par la puissance du talent poétique, la capacité de parler la langue, ainsi que la sincérité, le sérieux et profondeur du sentiment. Même s'il adhère toujours à la même convention formelle, le contenu est nouveau : il a été vécu, il vient du cœur. Dante abandonna bientôt la forme et la manière qui lui avaient été transmises et emprunta une nouvelle voie. Il oppose le sentiment traditionnel d'adoration de la Madone des troubadours à l'amour réel, mais spirituel, saint et pur. Il considère lui-même la vérité et la sincérité de ses sentiments comme le « puissant levier » de sa poésie.

L'histoire d'amour du poète est très simple. Tous les événements sont les plus insignifiants. Béatrice le croise dans la rue et le salue ; il la rencontre à l'improviste lors d'une célébration de mariage et tombe dans une excitation et un embarras si indescriptibles que les personnes présentes, et même Béatrice elle-même, se moquent de lui et son ami doit l'emmener loin de là. L'un des amis de Béatrice meurt et Dante compose deux sonnets à ce sujet ; il entend d'autres femmes à quel point Béatrice est affligée par la mort de son père... Tels sont les événements ; mais pour un culte si élevé, pour un tel amour, dont était capable le cœur sensible d'un poète brillant, c'est toute une histoire intérieure, touchante par sa pureté, sa sincérité et sa profonde religiosité.

Cet amour si pur est timide, le poète le cache aux regards indiscrets, et son sentiment reste longtemps secret. Afin d'empêcher le regard des autres de pénétrer dans le sanctuaire de l'âme, il fait semblant d'être amoureux d'une autre, lui écrit de la poésie. Les rumeurs commencent et, apparemment, Béatrice est jalouse et ne répond pas à son salut.
Il n'y a pas si longtemps, certains biographes doutaient de l'existence réelle de Béatrice et essayaient de la considérer comme une simple allégorie, sans contenu réel. Mais il est désormais prouvé que Béatrice, que Dante aimait, glorifiait, pleurait et exaltait comme l'idéal de la plus haute perfection morale et physique, est sans aucun doute une figure historique, la fille de Folco Portinari, qui vivait dans le quartier de la famille Alighieri. et est née en avril 1267. En janvier 1287, elle épousa Sismon di Bardi et le 9 juin 1290, elle mourut à 23 ans, peu après son père.

Dante lui-même parle de son amour dans « Vita nuova » (« Nouvelle vie »), un recueil de prose mêlé de poèmes, dédié au poète Guido Cavalcanti.
Sous les vêtements d'un scientifique, le cœur de Dante bat pur, jeune, sensible, ouvert aux impressions, facilement enclin à l'adoration et au désespoir ; il est doté d'une imagination ardente qui l'emmène bien au-dessus de la terre, dans le royaume des rêves. Son amour pour Béatrice a tous les signes de son premier amour de jeunesse. Il s’agit d’un culte spirituel et sacré d’une femme et non d’un amour passionné pour elle. Pour Dante, Béatrice est plus blanche qu'un ange qu'une femme ; elle semble voler à travers ce monde avec des ailes, le touchant à peine, jusqu'à ce qu'elle retourne au meilleur d'où elle vient, et donc l'amour pour elle est « le chemin du bien, vers Dieu ». Cet amour de Dante pour Béatrice incarne l'idéal de l'amour platonique et spirituel dans son plus haut développement. Ceux qui se demandaient pourquoi le poète n'avait pas épousé Béatrice n'ont pas compris ce sentiment. Dante ne cherchait pas à posséder sa bien-aimée ; sa présence, son arc, c'est tout ce qu'il désire, ce qui le remplit de bonheur. Une seule fois, dans le poème "Guido, je voudrais...", son fantasme le captive, il rêve d'un bonheur fabuleux, de partir avec sa bien-aimée loin des gens froids, de rester avec elle au milieu de la mer dans un bateau. , seulement avec quelques amis très chers. Mais ce beau poème, où le voile mystique se lève et où l'amant devient proche et désiré, Dante l'a exclu du recueil « Vita nuova » : cela aurait été une dissonance dans son ton général.

On pourrait penser que Dante, adorant Béatrice, menait une vie inactive et rêveuse. Pas du tout - l'amour pur et élevé ne donne que une force nouvelle et incroyable. Grâce à Béatrice, nous dit Dante, il est sorti du rang des gens ordinaires. Il a commencé à écrire très tôt et elle a été son moteur d’écriture. "Je n'avais pas d'autre professeur de poésie", dit-il dans "Vita nuova", "sauf moi-même et le professeur le plus puissant : l'amour". Toutes les paroles de « Vita nuova » sont empreintes d’un ton de profonde sincérité et de vérité, mais sa véritable muse est le chagrin. En effet, la brève histoire d'amour de Dante offre de rares aperçus d'une joie claire et contemplative ; la mort du père de Béatrice, sa tristesse, la prémonition de sa mort et sa mort sont autant de motifs tragiques. La prémonition de la mort de Béatrice traverse toute la collection. Déjà dans le premier sonnet, dans la première vision, la courte joie de Cupidon se transforme en cris amers, Béatrice est portée au ciel. Puis, lorsque l’amie de Béatrice est enlevée par la mort, les esprits bienheureux expriment le désir de l’avoir parmi eux.

À la mort de Béatrice, le poète avait 25 ans. La mort de sa bien-aimée a été un coup dur pour lui. Son chagrin frise le désespoir - il veut lui-même mourir, et ce n'est que dans la mort qu'il attend une consolation. La vie, la patrie, tout s'est soudainement transformé pour lui en désert. Comme Dante pleure le paradis perdu de la défunte Béatrice. Mais sa nature était trop saine et trop forte pour qu'il meure de chagrin. De son grand chagrin, le poète cherche la paix dans la poursuite de la science.

Habituellement, les idées des grandes œuvres poétiques n'apparaissent pas soudainement et ne se réalisent pas immédiatement ; leur pensée se cache longtemps dans l’âme du poète, se développe peu à peu, s’enracine de plus en plus profondément, s’étend et se transforme, jusqu’à ce que, finalement, le produit mûr d’un long et invisible travail intérieur vienne à la lumière de Dieu. Il en était de même pour La Divine Comédie. La première pensée concernant son grand poème est apparemment apparue très tôt dans l’esprit de Dante. Déjà « Nouvelle Vie » sert de prélude à la « Divine Comédie ».
Le nom « Comédie » a été donné à son poème par Dante lui-même, et l'épithète « Divin » a été ajoutée par la postérité admirative plus tard, au XVIe siècle, non pas à cause du contenu du poème, mais comme désignation du plus haut degré de perfection du grand travail de Dante. 1 « La Divine Comédie » n'appartient à aucun type spécifique de poésie : c'est un mélange tout à fait original et unique en son genre de tous les éléments de différents types de poésie.
La suite de l'histoire d'amour de Dante pour Béatrice dans La Divine Comédie, et là cet amour prend un nouveau niveau : l'amour-immortalité.

Dante et Virgile

Rencontrer Béatrice après sa mort

Dante et Béatrice au paradis

Dans la continuité, je voudrais attirer votre attention sur plusieurs sonnets écrits en l'honneur de ce bel amour.
Elle garde l'Amour dans ses yeux ;
Bienheureux tout ce qu’elle regarde ;
Pendant qu'elle marche, tout le monde se précipite vers elle ;
S'il vous salue, son cœur tremblera.

Alors, il est tout confus, il va s'incliner face contre terre
Et il soupire à propos de son péché.
L'arrogance et la colère fondent devant elle.
O Donnas, qui ne la louerait pas ?

Toute la douceur et toute l'humilité des pensées
Celui qui entend sa parole le saura.
Bienheureux celui qui est destiné à la rencontrer.

La façon dont elle sourit
La parole ne parle pas et l'esprit ne se souvient pas :
Ce miracle est donc heureux et nouveau.

Si noble, si modeste
Madonna, rendant l'arc,
Que près d'elle la langue se tait, confuse,
Et le regard n’ose pas se lever vers elle.

Elle marche, ne tient pas compte des délices,
Et son camp est vêtu d'humilité,
Et il semble : descendu du ciel
Ce fantôme vient à nous, et il montre ici un miracle.

Elle apporte un tel délice aux yeux,
Que lorsque tu la rencontres, tu trouves de la joie,
Ce que les ignorants ne comprendront pas,

Et c'est comme si ça venait de ses lèvres
L'esprit d'amour déversant la douceur dans le cœur,
Fermement à l'âme : "Respire..." - et il soupira

Dont l'esprit est captivé, dont le cœur est plein de lumière,
À tous ceux devant qui paraîtra mon sonnet,
Qui me révélera le sens de sa surdité,
Au nom de Lady Love, salutations à eux !

Déjà un tiers des heures données aux planètes
Brille plus fort, complétant ton chemin,
Quand l'Amour est apparu devant moi
À tel point que ça me fait peur de me souvenir de ceci :

L'amour marchait dans la joie ; et sur la paume
Le mien tenait mon cœur ; et entre tes mains
Elle portait la Madone, dormant humblement ;

Et, s'étant réveillée, elle fit goûter à la Madone
Du fond du cœur », et elle le mangea avec confusion.
Puis l'Amour disparut, tout en larmes.

Tu t'es moqué de moi parmi tes amis,
Mais saviez-vous, Madonna, pourquoi
Tu ne peux pas reconnaître mon apparence,
Quand je me tiens devant ta beauté ?

Oh, si seulement tu savais - avec la gentillesse habituelle
Vous ne pouviez pas contenir vos sentiments :
Après tout, c'est l'Amour qui m'a tous captivé,
Tyrannise avec une telle cruauté,

Cela, régnant parmi mes sentiments timides,
Après avoir exécuté les uns, envoyé les autres en exil,
Elle seule dirige son regard vers vous.

C'est pourquoi mon apparence est inhabituelle !
Mais même alors, leurs exilés
J'entends donc clairement le chagrin.

J'ai entendu mon cœur s'éveiller
L'esprit d'amour qui y dormait ;
Puis au loin j'ai vu l'Amour
Tellement joyeuse que j'en doutais.

Elle a dit : « Il est temps de se prosterner
Tu es devant moi... » - et il y avait des rires dans le discours.
Mais je n'écoutais que la maîtresse,
Son cher regard s'est fixé sur moi.

Et Monna Bath avec Monna Beach I
Je les ai vus venir sur ces terres -
Derrière un miracle merveilleux se cache un miracle sans exemple ;

Et comme cela est gardé dans ma mémoire,
Love a dit : « Celui-ci est Primavera,
Et celui-là, c’est l’Amour, nous lui ressemblons tellement.

L’une des caractéristiques de la poésie d’E. Raevsky est qu’elle s’appuie souvent sur les réalisations des classiques, comme on dit aujourd’hui, elle se tient « sur les épaules de géants ». L'adhésion aux traditions se reflète non seulement dans le respect des thèmes et des motifs des prédécesseurs, mais également dans le développement de formes traditionnelles, parmi lesquelles le sonnet.
Le nom de cette forme poétique vient du mot italien sonare, qui souligne la particularité du son du vers. Après tout, en italien, ce mot signifie « sonner ». De la même manière, apparu en Allemagne, ce type poétique s'appelait Klieggedicht, ce qui signifie « vers sonores ». Les deux noms traduisent l'originalité sonore du sonnet, sa musicalité et la sonorité de ses rimes. En même temps, un sonnet est une œuvre de forme particulièrement claire, composée principalement de quatorze vers, organisés de manière unique en strophes. Mais cette forme a sa propre flexibilité. Comme l'écrit le chercheur, « la variété des rimes, la rareté et la valeur de toutes arts visuels le vers, la souplesse de ses rythmes, la capacité de se soumettre à divers types strophiques, tout cela apparaît avec une complétude exceptionnelle dans cette forme poétique la plus exigeante" 42.
Le sonnet, comme nous le savons, est né en Sicile au XIIIe siècle, alors que la culture européenne se préparait à entrer dans la Renaissance. Dante connaissait déjà bien le sonnet et l'utilisait assez généreusement dans sa « La Vita Nuova ». Ainsi, dans le sonnet « Aux âmes amoureuses... » vous pouvez voir la première partie, dans laquelle grand poète envoie ses salutations aux porteurs de noblesse, demandant une réponse, et la deuxième partie, où l'auteur indique qu'il attend une réponse au 43. Dans le corpus des poèmes de la période florentine on retrouve également des sonnets adressés aux contemporains (Guido Cavalcanti, Lippo, etc.) ou glorifiant la belle dame de son cœur. Voici un exemple de sonnet dantesque :

Les yeux bien-aimés émettent de la lumière
Si noble qu'avant eux
Les objets deviennent tous différents,
Et un tel objet ne peut être décrit.
Je verrai ces yeux, et en réponse
Je répète en tremblant qu'ils en sont horrifiés :
"A partir de maintenant, ils ne rencontreront plus les miens!"
Mais j'oublie vite mon vœu ;
Et encore une fois j'y vais, inculquant le coupable
Confiance à mes yeux, là,
Où je suis vaincu, mais, hélas, je les fermerai
De la peur où elle fond sans laisser de trace
Le désir, qui leur sert de guide,
C'est à Amor de décider quoi faire de moi 44 .

Les sonnets de Dante ne sont pas encore divisés en quatrains et tercets distincts, bien qu'en fait ils en soient constitués. La plupart des œuvres de cette forme du créateur de la « Divine Comédie » sont des sonnets réguliers (I, III, VI, VIII, etc.) ; il en existe déjà des libres et compliqués (IV, V, XIII), qui ne obéir à des règles strictes. Le meilleur sonnet de Dante est celui qui commence par les vers : Tanto gentile e tanto onesta pare :

Si noble, si modeste
Madonna, rendant l'arc,
Que près d'elle la langue se tait, confuse,
Et l'oeil n'ose pas s'élever vers elle... 45

Ce n’est pas un hasard si Pouchkine dira que « le sévère Dante n’a pas méprisé le sonnet… ». Les œuvres de Dante de cette forme comprennent généralement deux quatrains (premier mouvement) et deux tercets (deuxième mouvement). Les poèmes sont créés en pentamètre iambique ; La construction est caractérisée par le fait que d'abord dans les quatrains il y a une rime environnante, puis dans les terzettos deux ou trois rimes sont données qui les relient en un seul complexe, par exemple :

Elle apporte un tel délice aux yeux,
Que lorsque tu la rencontres, tu trouves de la joie,
Ce que les ignorants ne comprendront pas.

Et c'est comme si ça venait de ses lèvres
L'esprit d'amour déversant la douceur dans le cœur,
Fermement à l'âme : « respire » - et il soupira 46.

Parallèlement, les rimes sonores et sonores sont choisies pour qu'elles correspondent pleinement au nom de cette forme poétique. Ce sont « porte » - « comprendra » - « va » - « soupire » et « joie » - « douceur » dans l'exemple donné.
L'œuvre de Dante fut poursuivie par Pétrarque, le premier humaniste de la Renaissance, avec son intérêt passionné pour les problèmes de la personnalité et de la culture de l'Antiquité. Il s'efforce de présenter son amour pour Laura, combiné avec la même adoration de la gloire, comme un idéal, et c'est à cette fin que le sonnet lui sert le mieux. Pétrarque a rendu le sonnet parfait tant dans le contenu que dans la forme. Dans ses sonnets, Pétrarque trouve des mots spéciaux pour louer sa bien-aimée et en même temps transmettre l'ardeur de sa propres sentiments. Laura, selon Pétrarque, surpasse non seulement toutes les autres femmes par sa beauté, mais aussi, comme le Soleil, surpasse les petites étoiles par son éclat. L'essence du « Livre des Cantiques » a été décrite avec beaucoup de précision par l'historien littéraire P. De Sanctis : « Dante a élevé Béatrice à l'Univers, est devenu sa conscience et son héraut ; Pétrarque a concentré l'univers entier en Laura, a créé son propre monde à partir d'elle et de lui-même. À première vue, il s’agit d’un pas en arrière, mais en réalité, c’est un pas en avant. Ce monde est beaucoup plus petit, ce n’est qu’un petit fragment de l’immense généralisation de Dante, mais un fragment qui s’est transformé en quelque chose de complet : un monde concret à part entière, donné en développement, analysé, exploré jusqu’à ses recoins cachés » 47 .
Francesco Pétrarque a transmis le contenu et l'originalité de la structure de son livre de paroles dans le premier sonnet, qu'il faut citer ici :

Dans un recueil de chansons fidèles à la passion de la jeunesse,
L'écho douloureux des soupirs ne s'est pas estompé
Puisque j'avais tort la première fois
Ne pas connaître votre futur rôle.

Dans de vains rêves et de vains tourments au pouvoir,
Ma voix se brise parfois
Pour lequel je ne demande pas ton pardon,
Amoureux, mais seulement sur la participation.
Après tout, le fait que tout le monde se moque de moi,
Cela ne voulait pas dire que les juges étaient trop stricts :
Je vois maintenant par moi-même que j'étais ridicule.

Et pour l'ancienne soif de vaines bénédictions
Je vais maintenant m'exécuter, ayant enfin réalisé
Quelles joies du monde sont un court sommeil 48 .

De ce texte, il résulte que le livre des sonnets est un recueil de chansons sur l'amour, que la voix de la jeune passion y sera interrompue de temps en temps et que, enfin, l'auteur s'adressera aux lecteurs, les appelant à participer. L'éventail des sentiments est défini comme suit : « des rêves vains » aux « vains tourments ». Le résultat de l’amour, dit la dernière partie du sonnet, sera le repentir et la compréhension que « les joies du monde sont un court sommeil ».
Néanmoins, le poète ne rejette pas son profond sentiment inspiré par Cupidon et ne le regrette pas. Il se souviendra de sa naissance, de sa maturation, de son approfondissement, de sa réflexion, de la dualité des sentiments et des espoirs non réalisés, comptant transmettre aux autres sa triste expérience. Laura apparaît dans ces paroles comme une femme tout à fait réelle, quoique légèrement idéalisée. Son héros lyrique est tout aussi vivant et réel, identifié à un nouvel humaniste qui sait analyser son amour. La nouvelle compréhension de l'amour a été toute une révélation qui « a fait signe à un nouvel idéal social », comme l'a noté A. N. Veselovsky 49.
Chaque sonnet de Pétrarque représente quelque chose de complet, et en même temps il s'introduit dans l'espace artistique du livre des chants d'amour et est perçu comme l'un des maillons de l'ensemble. A changé maintenant apparence sonnet. Il se compose de deux quatrains séparés l'un de l'autre (reliés par deux rimes sonores) et de deux tercets indépendants, soudés entre eux par trois rimes. Les 365 sonnets de Pétrarque ont été écrits en italien. en langue maternelle. Ils contiennent des échos de la poésie des troubadours, l'influence des paroles de Dante, des réminiscences de poètes romains (Ovide), mais au fond ils sont vraiment originaux. Leur langage confessionnel est enrichi de personnifications, d'allégories subtiles et de comparaisons mythologiques, mais ce langage est dépourvu de toute abstraction et de tout symbole philosophiques et est véritablement accessible aux lecteurs. Parfois Pétrarque joue avec le nom de sa bien-aimée (Laura, Cauro, laura), se laisse emporter par ces harmonies, ainsi que par des combinaisons de rythmes et de rimes, ce qui donne à ses paroles un peu d'art et de grâce, 50 mais ces passe-temps ne sont pas courants parmi le poète.
Les sonnets de Pétrarque ont eu une puissante influence sur la poésie mondiale. Il est à noter que Boccace a inclus le sonnet de Pétrarque « Bienheureux le jour, le mois, l’été, l’heure… » dans son poème « Philostrato », et Poliziano a commencé l’un de ses poèmes par cette phrase pétrarquienne 51 . Le style de Pétrarque est devenu le style de la Renaissance. Tous les grands paroliers de France, d'Angleterre, d'Espagne, du Portugal, ainsi que des pays du monde slave 52 sont passés par l'école du Pétrarchisme.
Une nouvelle page de l'histoire du sonnet est associée au nom de Pierre Ronsard. En neuf conditions historiques ce poète français a continué les traditions de Pétrarque. À l'imitation du parolier italien, Ronsard crée en 1552 un recueil de sonnets, « Poèmes d'amour pour Cassandre ». La jeune fille Cassandra Salviati, que Ronsard rencontra à la cour du château de Blois et dont il tomba passionnément amoureux, devint la source de création du poète. image poétique, élevée à l’idéal, semblable à la Laura de Pétrarque. Voici un de ces sonnets traduit par S. Shervinsky :

Si, madame, je meurs entre vos mains,
Alors je me réjouis : je ne veux pas avoir
Digne d'honneur que de mourir,
Penché vers vous au moment du baiser.
D'autres, se tourmentant la poitrine avec Mars,
Laisse-les partir en guerre, voulant continuer
Pour tonner avec puissance et armure,
Cherchant de l'acier espagnol dans sa poitrine.

Et je n'ai pas d'autres envies :
Mourir sans gloire, après avoir vécu cent ans,
Et dans le farniente - à tes pieds, Cassandra !
Même si l'erreur vient peut-être de moi,
Je me sacrifierais pour cette mort
Le pouvoir de César et la violence d'Alexandre 53.

Il n'est pas difficile de voir que Ronsard, grand connaisseur de l'Antiquité, sature son sonnet des noms de dirigeants grecs et romains et de héros mythologiques, contrastant fortement les exploits sur le champ de bataille avec le service chevaleresque de sa bien-aimée dans une atmosphère de farniente et de paix. . Dans sa structure, le sonnet de Ronsard est original : il rassemble les deux quatrains dans une certaine intégrité, les construisant sur deux rimes, mais sépare les deux tercettos l'un de l'autre, les exprimant avec différentes rimes adjacentes et les unissant à une troisième (« Cassandra » - « Alexandra »). Le sonnet est écrit dans l'esprit du sublime platonisme. L'esprit du pétrarchisme est encore perceptible ici, mais il est surmonté dans la « Suite des poèmes d'amour » (1555) et la « Nouvelle suite des poèmes d'amour » (1556), dont les sonnets sont dédiés à Marie Dupin. Un trait distinctif de ces poèmes est la simplicité et le naturel du « style bas » 54, qui a été choisi pour les sonnets, puisque le destinataire de ces poèmes était une simple paysanne, joyeuse, rusée et terrestre. Et l'amour pour elle est de la même nature simple.
La plus grande réalisation de Ronsard dans le domaine du sonnet fut le cycle tardif des « Sonnets à Hélène » (1578), caractérisé par sa clarté classique. La destinataire de ce recueil, ce « Troisième Livre d'Amour », était Hélène de Surgères, la demoiselle d'honneur de Catherine de Médicis, distinguée par sa vertu et sa beauté. Elle a attiré l'attention du poète et éveillé ses sentiments ultérieurs. Comme le note Z. V. Gukovskaya, le troisième et dernier cycle des sonnets lyriques de Ronsard était rempli du triste charme de l’amour d’un homme presque âgé pour une jeune et fière fille. Ces sonnets « se distinguaient par leur simplicité calme et majestueuse : après tout, c'est au cours de ces années que Ronsard parvint à un certain style unifié dans ses poèmes, sublimes et clairs :

Style ni trop bas, ni trop luxuriant :
Horace l'a écrit, et Virgile l'a écrit 55.

Voici un échantillon des sonnets de Ronsard, présentés dans son dernier cycle, qui devint le dernier événement majeur de la vie poétique auteur français, qui réunit autour de lui un groupe de poètes des Pléiades et de la France du XVIe siècle en général :

Quand tu seras vieux, avec une bougie, avant la chaleur
Vous vous tortillerez et tournerez le soir, -
Après avoir chanté mes poèmes, vous direz avec émerveillement :
Dans ma jeunesse, j'étais glorifié par Ronsard !

Puis la dernière servante de la vieille maison,
À moitié endormi, après avoir travaillé dur pendant une longue journée,
A mon nom, chassant la somnolence de mes yeux,
Ce n’est pas sans raison qu’il vous entourera de louanges immortelles.

Je serai sous terre et - un fantôme sans os -
Je peux trouver ma paix sous la canopée du myrte.
Près des charbons tu seras une vieille femme courbée

Je regrette d'avoir aimé, d'avoir été fier de ton refus...
Vivez, croyez-moi, saisissez chaque heure,
Des roses de la vie, cueillez immédiatement la couleur instantanée 56.

Celui-ci est très intéressant fait historique: lorsque Marie Stuart, alors qu'elle était dans la Tour de Londres, attendait son exécution, elle se consolait en chantant les sonnets du grand Ronsard. Meilleures réalisations Le poète a été continué par la « Pléiade », créée par lui.
L’œuvre de Shakespeare a constitué une étape importante dans le développement de la forme sonnet. Publié dans début XVII siècle, en 1609, par l'éditeur T. Thorpe, les sonnets du grand dramaturge sont devenus l'une des créations phares de la poésie anglaise. Les 154 sonnets de Shakespeare dressent l'image d'un héros lyrique qui sait valoriser l'amitié fidèle et éprouver un amour complexe et douloureux pour une héroïne mystérieuse. L'émotion lyrique se conjugue dans ces œuvres avec le drame des sentiments et la profondeur philosophique de la pensée. La plupart des sonnets de Shakespeare sont adressés à un jeune homme anonyme. Une minorité d'entre eux sont dédiés à une femme qui a reçu le surnom de « Dame noire » dans les études shakespeariennes. Les érudits de Shakespeare identifient le jeune homme, ami du poète, avec Henry Risley, comte de Southampton ou William Herbert, comte de Pembroke. Dans les sonnets adressés à l'un de ces destinataires, les thèmes de la fugacité du temps, de la beauté comme valeur éternelle de la vie et de la philosophie du néoplatonisme sont développés. L'auteur croit à l'indissolubilité de la beauté, du bien et de la vérité. Quant à la « Dame noire », après avoir révélé une relation harmonieuse avec elle, l’amour-haine pour une femme qui a commis infidélité et trahison commence progressivement à dominer dans les poèmes. Avant Shakespeare, la poésie mondiale ne connaissait pas la révélation de telles circonstances et de tels sentiments sous forme de sonnet. Cependant, lors de l’analyse des sonnets de Shakespeare, la dernière chose à faire est de rechercher le caractère biographique et les faits quasi littéraires, comme l’a correctement noté V. S. Florova 57 . Ainsi, les œuvres caractérisées de Shakespeare se composent de deux parties : les sonnets 1 à 126 forment un cycle adressé à un ami ; Les Sonnets 127 à 154 forment un cycle dédié à la Dame Noire. Mais comme le héros et l'héroïne sont étroitement liés, entrant dans un triangle amoureux avec l'auteur, les 154 sonnets représentent une unité intégrale.
Parlant de la construction des sonnets de Shakespeare, il convient de noter que leur auteur reproduisait parfois la structure du sonnet italien, mais recourait le plus souvent à sa propre composition, dite « dramatique ». Le troisième quatrain constitue le point culminant du développement du thème, suivi du couplet final - un dénouement souvent inattendu. Cela peut être constaté à la lecture des sonnets 30, 34 et 66 58 . Cette structure convenait le mieux au dramaturge-poète pour sa confession lyrique, la vie du cœur, pour une dénonciation colérique de la tromperie, de l'hypocrisie et de la cruauté caractéristiques de la société de cette époque. Tel est par exemple le sonnet 66, qui parle des maux de la réalité et fait écho aux monologues d'Hamlet.
La perfection du sonnet de Shakespeare se manifeste dans son laconisme, dans son schéma de rimes réfléchi : ABAB, SVSV, EFEF, GG. Le développement dramatique du thème se traduit par des oppositions, des antithèses, des contrastes et des conflits de motifs. Le distique final exprime généralement de manière aphoristique une pensée significative, généralement philosophique.
Le langage des sonnets de Shakespeare repose sur l'alternance d'assonance et d'allitération. Leur vocabulaire comprend des couches capables de capturer les contradictions de la réalité. Il y a aussi des librairies ici gros mots, et des expressions de la sphère quotidienne de la vie, et même des dictons grossiers « faits maison » nécessaires pour exprimer la colère. Ainsi, dans le célèbre 130e sonnet, Shakespeare non seulement refuse les comparaisons euphhuistes (polies, sophistiquées), mais recourt également à des mots « indécents » comme Verbe anglais puanteur. Ni les traductions de N. Gerbel, O. Rumer, A. Finkel, ni la traduction classique de S. Marshak ne traduisent le caractère de ce sonnet qui dresse le portrait de « ma dame ». C'est pourquoi R. Kushnerovich appelle ce sonnet shakespearien encore non traduit 59.
Ce que le génie de Shakespeare a créé est devenu la propriété de la poésie ultérieure. Les auteurs de sonnets se tournent souvent vers sa forme dramatique. Il est vrai que le tragique contemporain Edmund Spenser (1552-1599) a inventé système complexe rimes et "strophe spensérienne". Mais ils n'ont pas pris racine dans le travail des poètes des nouvelles générations, et Shakespeare lui-même n'a pas profité de cette sagesse et n'en a pas eu besoin.
L'art du sonnet s'est également développé en Allemagne. Certes, Schiller n'a pas utilisé cette forme artistique, mais Schlegel, Werner, Zacharius et Goethe s'y sont tournés.
Les sonnets de Goethe sont les plus significatifs. Le poète les crée à la fin de sa vie, à partir de 1807. Le choix de cette forme est associé à une passion pour la poésie de Pétrarque. Les sonnets de Goethe sont de nature autobiographique. Ce n'est pas un hasard si dans le sonnet IV, l'héroïne, s'adressant au héros lyrique, exprime son reproche par les mots suivants :

Tu es si dure, mon amour ! Avec une statue
Vous êtes pareil dans votre posture glaciale...

Ces sonnets sont principalement dédiés à Minna Herzlieb, une jeune fille de dix-huit ans pour qui le poète déjà d'âge moyen éprouvait de l'amour. Pour l’auteur, sa langueur amoureuse « est si glorieuse qu’elle se déverse dans une chanson différente ». Les sonnets de Goethe sont devenus de telles chansons à ce stade.
Ces œuvres présentent des caractéristiques distinctes. Tout d'abord, un grand cycle de dix-sept sonnets repose sur une seule intrigue. Dans un décor typiquement romantique composé de rochers imposants et de ruisseaux rugissants, il rencontre une jeune fille qu'il a connue étant enfant. Les confessions et les câlins sont remplacés par la séparation, les lamentations de l'être aimé, les nouvelles rencontres, le refroidissement. Une autre caractéristique de cette forme chez Goethe est leur dramatisation interne et externe. Interne - découle de la collision de l'attraction sensuelle et de la retenue contraignante, du comportement détendu et de l'interdiction d'avertissement. La dramatisation externe est véhiculée par le dialogue entre des sceptiques et des amoureux (Sonnet XIV), une jeune fille et un poète (Sonnet XV). Une autre caractéristique des sonnets de Goethe est la combinaison de l’expression lyrique des sentiments avec la forme épistolaire : des fragments individuels du cycle sont des lettres d’une fille à son amant. Il s'agit des sonnets VIII, IX et X. Enfin, le poète a réussi dans ses œuvres de ce cycle à rapprocher et en même temps à opposer deux époques poétiques : l'époque de Pétrarque (c'est sa forme sonnet dont il hérite) et la sienne. temps, que le poète compte «à partir de l'an mil huit cent sept» ( Sonnet XVI). Par conséquent, les sonnets de Goethe transcendent considérablement les frontières du « je » lyrique et incluent les expériences des autres et les signes de l’époque. Comme le note le chercheur, « l’opposition entre intimité et détachement, familiarité sans nouveauté s’inscrit bien dans la forme rigide du sonnet. La forme exalte une sensualité franche, tout en transformant la réalité en un épisode romantique ‹…›. Les sonnets sont un lien entre le passé et le présent du poète »60. Les sonnets se sont révélés si vastes et si importants pour Goethe qu'ils ont préparé dans une certaine mesure son «Affinité des âmes», «Mignon» et des scènes individuelles de «Faust».
Pendant quelque temps au XVIIIe siècle, le sonnet fut oublié : les batailles idéologiques de ce siècle n'eurent pas le temps de le cultiver. Mais le mouvement romantique revient sous cette forme. Le poète français Augustin de Sainte-Beuve a résumé tout ce que les auteurs de sonnets avaient fait pendant plusieurs siècles. Il a écrit:

Ne blâmez pas le sonnet, moqueur de Zoil !
Il a autrefois captivé le grand Shakespeare,
Il servait Pétrarque comme une lyre plaintive,
Et Tass, enchaîné, a apaisé leurs âmes.

Camões a écourté son exil,
Ayant chanté dans des sonnets le pouvoir d'une idole de l'amour,
Pour Dante, il semblait plus solennel que le clergé,
Et il couvrit de myrtes le front du poète.

Spencer les a habillés de visions magiques
Et en strophes lentes il épuisait sa langueur,
Milton y ranimait la chaleur éteinte du cœur.
Je veux faire revivre leur système inattendu.
Du Bellay fut le premier à nous les rapporter de Toscane,
Et combien d’entre eux ont chanté notre Ronsard oublié.

Il est à noter que c'est précisément ce sonnet de Sainte-Beuve qui a guidé A.S. Pouchkine lors de la création de son célèbre chef-d'œuvre « Le sévère Dante n'a pas méprisé le sonnet… ». Pouchkine, bien sûr, a pris en compte les réalisations dans le développement de cette forme non seulement par les auteurs européens, mais aussi par les auteurs nationaux : il a entièrement dédié le dernier terzetto à Delvig, l'auteur de six magnifiques sonnets. Parlant de cette forme poétique, Pouchkine note :

Nos jeunes filles ne le connaissaient pas encore,
Comment Delvig a oublié pour lui
Chants sacrés hexamétriques.

Pouchkine lui-même était un adepte des sonnets dans une moindre mesure que son premier ami décédé. Il ne possède que trois œuvres de cette forme : « Sonnet », « Poète » et « Madonna », mais elles contiennent le contenu le plus riche et se distinguent par leur extraordinaire harmonie et la sonorité des rythmes strophiques. Dans le même temps, Pouchkine n'a pas trop pris en compte le canon né autour de cette forme poétique. Certes, il suit le schéma extérieur du sonnet, le construit à partir de 14 vers, le divise en deux quatrains et deux terzets dans l'esprit de Pétrarque et surtout de Wordsworth, dont les paroles sont devenues l'épigraphe du « Sonnet » et à qui tout le second le quatrain est dédié :

Et aujourd'hui il captive le poète :
Wordsworth l'a choisi comme instrument,
Quand on est loin du monde vain
Il peint un idéal de la nature.

Cependant, Pouchkine n'accepte pas certaines autres règles de la pratique poétique du sonnet. Il rejette de manière innovante la rime de ceinture dans les deux premiers quatrains et utilise des rimes croisées, tout comme dans le deuxième terzetto ci-dessus. Pouchkine ne répond pas non plus à l'exigence d'utiliser des rimes riches ou variées dans le sonnet : son « Sévère Dante… » repose sur cinq rimes verbales (« versé » - « vêtu » - « choisi » - « conclu » - "oublié"), complété par le nom " idéal". Dans le même temps, des rimes de quatrain étaient utilisées dans les terzets, ce qui était considéré comme indésirable.
Dans le sonnet «Au poète», Pouchkine mélange la rime croisée du premier quatrain avec la rime encerclante du second, bien qu'il conserve ici l'unité de la rime. Dans le sonnet « Madonna », il revient à un tel mélange et uniformité de rimes et introduit lui-même un transfert (enjambement) interdit pour un sonnet du deuxième quatrain au premier terzetto. Comme l'écrit le théoricien du sonnet, « la sévérité de la forme n'accepte pas des combinaisons aussi ordinaires que « chaleur de l'amour », « vaine lumière », « louange enthousiaste ». Il est permis d'interroger sous cette forme dont le trait essentiel est l'impeccabilité, des vers évidemment « remplissants » comme : Nos vierges ne l'ont pas encore connu ‹…› Tout cela, tout à fait acceptable dans un poème ordinaire, est intolérable dans un sonnet , qui s'enlève définitivement toute licence poétique, augmentant et compliquant délibérément les difficultés" 61. De plus, Pouchkine autorise souvent dans le sonnet la technique interdite de répétition de mots, que l'on retrouve à la fois dans « Madonna » et dans le sonnet « Au poète ».
Il faut cependant dire que chez Pouchkine, qui maîtrisait parfaitement la théorie du vers et la pratique de la versification, ces libertés ne sont en aucun cas une manifestation de négligence, mais une innovation consciente, une expression de l'innovation toujours présente de Pouchkine. . La liberté est importante pour le grand poète, y compris dans la transmission du contenu qui lui tient à cœur, contenu dans ces trois sonnets, où l'indépendance du Créateur est affirmée à la fois par rapport à l'éloge et au jugement des imbéciles, et par rapport au rire de la foule froide. , et des règles qui le contraignent :

Tu es le roi : vis seul. Sur le chemin de la liberté
Allez là où votre esprit libre vous mène,
Améliorer les fruits de vos pensées préférées...

On peut affirmer que les innovations de Pouchkine dans ses sonnets constituent également leur émancipation et leur amélioration. Après tout, il est important pour le poète de «Madonna» de souligner qu'il ne rêvait que d'un seul tableau et qu'il répète donc ce mot. Il lui importe de souligner et de glorifier la pureté de sa Madone, et il répète ce mot au superlatif :

L’exemple le plus pur de pure beauté.

Cette répétition est nécessaire. Son utilisation est une manifestation de « l’esprit libre » de Pouchkine et de sa propre « cour suprême » 62.
Parallèlement à Pouchkine, le poète polonais Adam Mickiewicz (« Sonnets de Crimée ») a donné de brillants exemples du sonnet.
À la suite de Delvig et de Pouchkine, des poètes russes tels que P. Katenin, E. Baratynsky, N. Shcherbina, A. Fet, M. Lermontov, V. Benediktov, Y. Polonsky, K. Pavlova, A. Grigoriev se sont tournés vers la forme sonnet. P. Buturlin, V. Bryusov, Vyach. Ivanov, M. Kuzmin, N. Gumilyov, M. Voloshin, I. Annensky, O. Mandelstam, Yu. Verkhovsky.
DANS époque soviétique la forme sonnet a été cultivée par L. Vysheslavsky. Ses œuvres des années 1960, comme « Sonnet du vin » et « Sonnet d'un couteau de jardin » reproduisent la structure développée par Pétrarque : deux quatrains sont remplacés par deux tercets, bien que la rime caractéristique du canon établi par lui ne soit pas conservée : d'abord une rime croisée est donnée, puis – en terzetto – adjacente. Un cycle spécial dans les paroles de L. Vysheslavsky était composé de « Star Sonnets », qui comprenait 22 œuvres. La même structure est utilisée ici que dans les poèmes déjà cités. Passionné thème de l'espace, le poète le varie sous de nombreux aspects dans « Sonnet de mon étoile », « Dessinateur en chef », « Sonnet d'un rêve », « Cent huit minutes » (à la mémoire de Yu. A. Gagarin), « Sonnet du Path", etc. et accorde moins d'attention aux règles de versification, de sonorité et d'exhaustivité des rimes et de légalité des rimes. Ce n'est que dans les sonnets « Soldat » et « Obélisque sur le terrain » qu'il a utilisé des rimes encerclées dans les quatrains, mais l'exactitude et la plénitude des rimes (« obélisque » - « embrassé ») laissent beaucoup à désirer. Le thème et la construction des sonnets de L. Vysheslavsky s'avèrent assez monotones, étant consacrés à un seul thème stellaire 63.
Un examen de l’évolution de l’art du sonnet nous amène naturellement à l’œuvre d’Evgeniy Raevsky. Notre poète accorde la plus grande attention à cette forme poétique. De recueil en recueil, il améliore sa capacité à construire un sonnet et à subordonner sa forme au contenu visé.
On se souvient que déjà son premier recueil proclamait « Le pouvoir des sonnets ». Son premier ouvrage de cette forme (« À propos de lui-même et du sonnet ») était consacré à la compréhension de son engagement envers le sonnet ; il incite constamment les lecteurs à écouter l'aphorisme des vers :

Celui qui a une voix n’a pas le droit de se taire ;
Écoute mon sonnet.

Il est à noter que le poète mentionne une « magie de quatorze vers » particulière. Cette magie fascine Evgeny Raevsky lui-même.
Les sonnets suivants du premier recueil adoptent la structure caractéristique de l'art réformateur de Shakespeare : les sonnets comprennent trois quatrains et un couplet final. Le poète adhère à ce schéma à l'avenir. Cela permet à E. Raevsky de développer en profondeur son thème en trois quatrains, afin de compléter ensuite le sonnet par un distique clair et volumineux dans son aphorisme. Ainsi, le sonnet « De la foi profanée » est couronné d'une maxime mordante :

Seulement des imbéciles moyennement riches
Ils brûlent les temples où priaient leurs pères.

Et le sonnet « De la vieillesse » se termine par une sage conclusion de ce qui a été dit :

Alors seulement nous lui rendrons hommage,
Quand on apprécie la brillance de nos cheveux gris.

Habituellement, de telles lignes finales chez Raevsky ne sont pas quelque chose d'inattendu, comme on l'observe dans la pratique de nombreux sonnetistes. Au contraire, ces maximes découlent naturellement du contenu du corps principal du sonnet. Ainsi, le sonnet « De la cruauté de l’ivresse » se termine très naturellement par la réflexion suivante, pleine de doute et fondée sur une hypothèse :

Khayyam chantait de manière tentante sur le vin,
Mais il est peu probable qu’il ait lui-même trop bu.

Et une réflexion sur l’intensité du travail poétique, sur le haut degré de souffrance qu’éprouve un véritable artiste, se termine par la reconnaissance :

Mais maintenant j'ai ruiné le brouillon -
C’est reparti, je n’ai pas souffert, je n’ai pas compris.

Quant à la construction des trois quatrains principaux, Raevsky adhère souvent à l'exigence bien connue selon laquelle ils doivent être construits sur une rime environnante. C'est ainsi que sont organisés les sonnets « Au poète », « Sur l'impitoyable ivresse », « Sur la foi de l'homme en sa propre force », « Sur la jalousie », « Sur l'amour aveugle » et d'autres. Le poète est également fidèle à une autre exigence : il utilise des rimes sonores et pleines inhérentes au sonnet : « couteau - « semblable », « chien » - « combat », « pressé » - « enchaîné » (« À propos du régnant esclave »), « erreurs » – « fragiles », « passions » – « parties » (« About Blind Love »).
L’une des caractéristiques des sonnets de Raevsky est leur tonalité prédéterminée. Par exemple, dans la première collection, nous rencontrons « Winter Sonnet ». Ayant reçu une telle définition dans le titre, cette œuvre s’efforce de conserver jusqu’au bout sa tonalité mineure et sa froideur programmée. Les motifs du froid, du froid et de l'obscurité parcourent tout le poème. Ils sonnent dans le premier vers (« Pourquoi, au milieu du froid et de l'obscurité... ») et dans les deux derniers : « Le froid se moque, l'obscurité éclabousse... L'hiver me récompensera pleinement. Mais les vers centraux parlent aussi de phénomènes qui nous mettent inévitablement en mineur : erreurs, soucis inévitables, honte, fatigue, vie quotidienne de phrases, doutes, triste issue, conversation impénitente, reproches, perte de tendresse, conflits. Tout cela est tout à fait cohérent avec le froid hivernal et l’obscurité qui l’accompagne. Ainsi, le contenu justifie la désignation donnée dans le titre du sonnet.
« Sonnet-Confusion » est le nom d'une des miniatures du deuxième recueil. Et ici, le titre inhabituel du poème est justifié par son ton. Tout ce qui est sombre dont l'auteur veut raconter, ce qui constituait le contenu de ses expériences (ennui, fatigue, douleur mentale, anxiété, impuissance des chansons, aversion, souffrance, tristesse, sentiment d'impuissance, flatterie) - tout cela constitue une telle une gamme de sentiments qui ne correspond clairement pas à l’humeur majeure du poète, véhiculée dans le recueil sur un début brillant dans la vie. D'où la confusion qui devient inévitable pour l'auteur et qui s'exprime dans le titre du sonnet.
Un autre sonnet, inclus dans le deuxième recueil, s'intitule « Paisible ». Dans quelle mesure cette définition est-elle justifiée ? Après tout, ils semblent parler de guerre. Le vocabulaire de cette œuvre est constitué de mots épineux comme des baïonnettes : « poignardé », « crier », « guerre », « baïonnette », « cauchemar », « brutalisé », « monstre », « hostile », « imprudence ». , « violence », « captivité ». Il semblerait que le contenu du poème contredise clairement le titre. Mais le ton du poème n’est nullement joyeux, son pathétique n’est nullement militant. Il crie, bien que fort, sur l'inadmissibilité de la guerre, sur son inadmissibilité. Contrairement aux mots « épineux », le poète introduit imperceptiblement des mots « doux », « calmes », paisibles, et ils semblent insistants à leur manière : « tristesse », « paix », « repos », « lit », « regret", "vivre", "famille", "bon sens", Dieu, "noms vivants", "églises". Le principe pacifique prévaut et le poète entend « capturer la guerre » au nom de la future Patrie. Cela justifie la définition à côté du mot « sonnet » - « Sonnet paisible ».
« Bright Sonnet » est le titre de l'un des poèmes inclus dans le recueil « My Love is a Magic Child ». Le titre ici est soutenu par une variété de motifs et diverses images. Il commence par le mot « bougies » et se termine par l’image de « bougies d’amour ». La lumière de ces bougies vibre dans chaque fragment du texte, dans chacun des trois quatrains et dans le couplet final. La lumière « danse », la poésie est aussi accompagnée de lumière, l'héroïne a la « langue lumineuse » et le héros essaie de contenir sa lumière, bien qu'elle pénètre dans l'art de la danse de sa petite amie et l'illumine, devenant « une garantie de récompense". Comment ne pas appeler le sonnet « lumière » ? La définition la plus appropriée.
Un autre sonnet de ce livre s'intitule "Rowan...". Et encore une fois, pas arbitrairement. L’image du sorbier est au cœur du poème. Des bouquets sont comme des « harmonies joyeuses » de mélodies. Les lèvres rubis de la bien-aimée se juxtaposent à l’harmonie des sorbiers. Dans quelle mesure le titre d'un autre poème est-il justifié : « Pur Sonnet » ? Après tout, il ne parle pas du tout de la relation platonique entre un homme et une femme... Ici « les rêves et les mains s'enlacent sensuellement ». Mais qui a dit que l’union des amoureux ne pouvait pas être pure ? Et dans l'œuvre d'E. Raevsky, c'est la pureté qui apparaît devant le lecteur. Pas seulement parce que la musique de l’amour est accompagnée d’une neige d’un blanc pur devant la fenêtre. Et pas seulement parce qu’on sent, comme le dit le sonnet, « le mystère de la musique pure ». Mais aussi parce que le sentiment même des amoureux est véhiculé comme pur, dépourvu d’impolitesse, de manque de tact et d’inadmissibilité. La fatigue est partie, le charme de la paix est arrivé, les personnages du sonnet sont enchaînés par un doux sommeil, enveloppés par le silence, un « scherzo de neige romantique » doux et silencieux et d'autres sons qui murmurent des énigmes. Enfin, tout ce qui est représenté et exprimé dans le sonnet est éclipsé par la bonté. C'est pourquoi le sonnet lui-même est appelé avec précision et sagesse - « pur ».
« Sonnet édifiant » est également appelé par son nom, ce n'est pas par hasard. Du point de vue de la forme, tout n'y est pas impeccable. Si le premier quatrain est contraint par une rime environnante, alors les deuxième et troisième quatrains sont construits sur des rimes croisées, et « beauté » - « hauteur » ne peut pas être appelé une paire de consonances fraîches. Mais pour le poète, l'expression d'un certain nombre de pensées qu'il a exprimées sur l'inadmissibilité de la soumission servile de l'un des amants, sur l'humiliation de la beauté tombée à genoux, sur l'inadmissibilité du mensonge et du manque de sincérité dans les relations humaines devient ici important et primordial. Et toutes ces pensées prennent ici la forme de maximes, d'instructions didactiques d'une personne qui a fait l'expérience de la vie, de sages édifications. C'est leur forme substantielle qui est ici essentielle, et nullement figée et canonique. C'est pourquoi le sonnet a reçu une définition qui n'était pas du tout avantageuse, mais justifiée.
Il peut sembler inapproprié de s'adresser à Sergei Yesenin sous la forme d'un sonnet. L'auteur d'Anna Snegina et de Letter to a Woman n'a pas composé de sonnets. De plus, totalement libre et décomplexée, la justesse contraignante de la forme du sonnet semble lui être étrangère. Raevsky lui-même rappelle comment le « chanteur de la terre » « hooliganisait et gambadait », buvait du vin et « se disputait avec le Dieu invisible ». Mais Yesenin est le poète préféré de notre auteur. Dans l'une de ses interviews, Raevsky a déclaré avec admiration que « Yesenin était un homme instruit et progressiste de son temps. Alors cinq classes d'une école paroissiale étaient probablement égales à dix classes école moderne. Il était très curieux, comme une éponge, absorbait toutes les innovations de la versification russe et connaissait la vie littéraire russe et étrangère. Il s'améliorait constamment" 64. Pour cette raison, Yesenin n'est en aucun cas contre-indiqué sous la forme née de la haute culture européenne et russe. De plus, le poète a écrit sur l'amour, et ce thème demande souvent à s'incarner dans la forme sonnet prévue à cet effet, dont Evgeniy Raevsky a pris en compte. Yesenin, avec Pouchkine, est une idole de longue date de notre auteur. "Sur la chanson d'un rêve / Je me suis saoulé avec toi jusqu'à ce que je sois un garçon", admet Raevsky dans son sonnet adressé à Yesenin. Ce n'est pas un hasard s'il a participé au concours de poésie Yesenin et est fier de la médaille portant le nom du poète. C'est pourquoi le sonnet à la mémoire du grand poète s'avère intérieurement justifié. Son auteur trouve des mots sincères pour exprimer son amour pour son prédécesseur :

...tu es le chanteur de la terre et tu es ici éternel, comme une croix,
Comme un temple, comme tout ce qui est saint et cher.

Une autre caractéristique des sonnets de Raevsky est leur dévouement principal au thème de l’amour. En cela, il est un disciple des grands prédécesseurs - Dante, Pétrarque, Ronsard, Goethe, Pouchkine. Comme le note Sergueï Novikov, « comme les poèmes sonnets de Pétrarque, impérissables dans sa grandeur poétique, les sonnets d'Evgueni Raevsky s'adressent à la femme qu'il aime. Son image se reflète invariablement dans l'âme du poète, mais nous, lecteurs, ne sommes pas capables de concrétiser cette image dans notre conscience, et nous la percevons comme un reflet étoiles lointaines, atteignant le monde poétique du poète..." 65.
C’est pourquoi le motif étoilé, qui résonne souvent dans les poèmes du poète, est associé au ciel et à l’espace, où plane souvent le héros lyrique des poèmes de Raevsky. Héros lyrique a l’intention de voler « vers les étoiles fabuleuses ». Si dans les poèmes de Lermontov « une étoile parle à une étoile » sans entrer en contact avec une personne seule, alors notre auteur établit une relation différente et particulière avec les étoiles : « Je suis parfaitement amical avec chaque étoile » (« Vous écoutez les rêves de mes silences... »). "Je croyais chaque L'étoile du matin», se souvient le poète dans « Blues Sonnet ». Il remarque comment « une étoile touche la fenêtre » de sa bien-aimée (« Rêve »). Le poète est enclin à comparer la vie des gens à la vie des luminaires : « Et nous resterons, comme les étoiles, incorruptibles » (« Voix de la Lumière »). L’imagerie remarquable donne aux sonnets de Raevsky un son sublime.
Des amis et des poètes partageant les mêmes idées, appréciant le travail d'Evgeny Raevsky, s'attardent invariablement sur ses sonnets. Alexandre Ozhegov estime que ce n'est pas un hasard si le poète « a choisi comme forme de son œuvre un sonnet clair et canonisé, apparu il y a sept siècles et demi et qui a survécu jusqu'à nos temps troublés ».
Ozhegov n'explique pas pourquoi cet appel au sonnet n'était pas accidentel. Je pense que cela est dû au fait que l’émotivité vive des poèmes de Raevsky se combine paradoxalement avec une rationalité et une rationalité sobres. Le poète lui-même ressent cette synthèse, cette amplitude de fluctuations « de l'amour à l'ébullition de la conscience » (« Joie d'automne »). Parfois, il introduit cette connexion afin de rendre philosophiques des poèmes sur des expériences émotionnelles. «La simplicité du fantasme du soir est raisonnable», lit-on par exemple dans Vidéosonnet. C'est pourquoi la forme stricte, rationnellement significative et claire du sonnet s'est avérée proche de E. Raevsky en tant que poète.
Evgeny Ilyin estime à juste titre que les sonnets de Raevsky sont de nature innovante, car ils sont libérés et synthétisent différentes intonations, styles et époques 67. C’est une observation correcte. Par exemple, dans le sonnet à consonance civile « Où que vous regardiez !.. », inclus dans le recueil « Merci », à côté de phénomènes très spécifiques captés par le poète (« les cris des pauvres », « l'impudeur du pouvoir », « le succès de la guerre », « le péché de la violence »), les catégories abstraites sont adjacentes (« la preuve de la Vérité », « l'absolu de l'inconnu », « le sort du malheur »). Les conclusions du couplet final sont également polaires :

S'échapper de la pensée dans le délire est un abîme dans les ténèbres.
Mon pays! Es-tu fou?

Si le premier vers est de nature philosophique et abstraite, alors le second est franchement journalistique. Cette combinaison de phénomènes opposés fait l'originalité de plusieurs sonnets d'E. Raevsky.
La richesse lexicale des sonnets de notre auteur est indéniable. Sergueï Skachenkov y retrouve des paroles non empruntées, pleines de fraîcheur et de pureté, et cite « Sonnet-Eveil » 68 pour confirmer ce jugement.
Evgeniy Raevsky maîtrise avec audace diverses variétés de la forme sonnet. « Rainbow Duet » est un sonnet abrégé : il comporte deux quatrains avec des rimes appariées et un couplet final. Le même schéma à Poletnoye. "Le Jardin de Cristal" augmente le nombre de quatrains de trois à quatre et change en même temps le pentamètre iambique traditionnel en tétramètre trochée. Le même sonnet étendu est présenté dans « La Clé du Vent… ». Le « Long Sonnet » se compose de six quatrains et d’un distique.
Raevsky a également osé créer une couronne de sonnets, ce qui a obligé l'auteur plus d'ingéniosité et habileté : c'est le « Collier de sonnets érotiques gratuits », que l'on retrouve dans la collection « Merci ». Ici, le premier vers du sonnet suivant « s’accroche » au dernier vers similaire du sonnet précédent. Ainsi, les œuvres sont unies par des rimes connexes. Parfois, Raevsky alterne quatrains et terzetts avec une seule ligne non réalisée. C'est pourquoi il faut être d'accord avec D. Kirshin, qui écrit : « En effet, Evgeniy Raevsky est un maître du sonnet. Je pense qu'ici nous pouvons parler de la compréhension « innée » de l'auteur de cette forme complexe, de ses lois techniques, rythmiques et sensuelles - les sonnets d'Evgeny Raevsky sont si originaux et variés. On y retrouve des thèmes sociaux et même civils (« Un esclave qui a reçu le pouvoir grâce à la bêtise des esclaves… »), mais la plupart des sonnets sont néanmoins dédiés à l'amour » 69.
E. Raevsky lui-même, se rendant compte que les sonnets, en raison de leur forme trop stricte et de leur contenu élevé, ne sont pas à la mode aujourd'hui, accorde néanmoins une grande valeur à ce type de construction strophique. "Je me suis essayé à différents rythmes et mètres", a déclaré le poète dans une interview. – Et soudain j’ai réalisé que 14 lignes d’un sonnet sont idéales. On peut tout dire dedans. Et cette forme a son propre mysticisme. Le sonnet dicte ses termes : simplicité, brièveté" 70.
Se distinguant par ces propriétés notées par l'auteur, les sonnets de Raevsky l'aident à discipliner sa pensée, à introduire un contenu volumineux en 14 vers et à le terminer par une terminaison aphoristique de deux vers. À cet égard, il cultive la structure non pas de Pétrarque, mais du sonnet de Shakespeare, qui, on s’en souvient, se terminait toujours par deux vers accentués. Mais Raevsky ne copie jamais le créateur d'Hamlet et des célèbres sonnets ; son contenu est très différent de ce que Shakespeare a mis en s'adressant à l'Ami et à la Dame noire. Raevsky a son propre langage, sa propre structure de pensées et ses propres destinataires, il a sa propre élasticité de l'intrigue lyrique et sa propre concision. S. Makarov avait raison lorsqu'il notait qu'« Evgueni Raevsky, partisan évident du sonnet classique et du sonnet libre, n'oublie jamais que la brièveté est la sœur du talent » 71 .
Telle est la magie du sonnet de Raevsky, qui ne quitte jamais le poète et le tient dans sa captivité bienfaisante.

Dante se trouve au seuil de la Renaissance, au seuil d'une époque «... qui avait besoin de titans et qui a donné naissance à des titans en force de pensée, de passion et de caractère, en polyvalence et en érudition.» Dante peut facilement être considéré comme l'un de ces titans, dont les œuvres sont des classiques de la créativité italienne et du patrimoine du peuple.

Selon la tradition familiale, les ancêtres de Dante seraient issus de la famille romaine d'Elisei, qui participa à la fondation de Florence. Dante Alighieri (1265-1321) apparaît dans sa vie comme un représentant typique de son époque, une intelligentsia très instruite et active, étroitement liée aux traditions culturelles locales et aux intérêts publics.

Comme on le sait, la formation de Dante en tant que poète se produit dans des conditions de tournant et de transition du Moyen Âge littéraire vers de nouvelles aspirations créatives. Le poète étant très religieux, il a vécu très fortement ce tournant.

En outre, Dante a commencé par imiter le poète lyrique le plus influent d'Italie à cette époque, Gvittone d'Arezzo, mais a rapidement changé sa poétique et, avec son ami aîné Guido Cavalcanti, est devenu le fondateur d'un groupe spécial. école poétique, Dante lui-même a appelé l'école du « nouveau style doux » (« Dolce style nuovo »).

De l'aveu même de Dante, l'impulsion pour l'éveil du poète en lui était son amour respectueux et noble pour la fille de l'ami de son père Folco Portinari - la jeune et belle Béatrice. Une confirmation poétique de cet amour fut la confession autobiographique « Nouvelle vie » (« Vita nuova »), écrite sur la tombe fraîche de sa bien-aimée, décédée en 1290. Les deux douzaines de sonnets, plusieurs canzonas et une ballade inclus dans « New Life » contiennent un reflet vivant des sentiments vécus et enflammés.

Sur la forme, « New Life » est un texte complexe, écrit entrecoupé de poésie et de prose, plein de symboles et d'allégories difficiles à interpréter. De ses paroles de jeunesse, Dante a sélectionné 25 sonnets, 3 canzones, 1 ballade et 2 fragments poétiques pour « Nouvelle vie ».

Le poète conçoit l’amour comme une force élémentaire, « pénétrant par les yeux dans le cœur » et l’enflammant du désir de celui « qui est venu du ciel sur la terre pour manifester un miracle ». Il convient de noter que pour Dante, l'amour s'apparentait à la science, qui prépare l'âme humaine à la communication avec Dieu. Dans la Nouvelle Vie, Dante parle de son grand amour pour Béatrice Portinari, une jeune florentine mariée à Simone dei Bardi et décédée en juin 1290, alors qu'elle n'avait pas encore vingt-cinq ans.

Je voudrais noter que le poète est tombé amoureux d'une dame qu'il a vue trois fois dans sa vie - en robe écarlate quand elle, du même âge que le poète, avait 9 ans, en robe blanche quand ils ont eu 18 ans. - Bétrice a répondu avec un sourire à son arc - et bientôt dernière fois, quand Dante s'inclina devant elle, mais ne reçut aucune réponse. Je peux dire que cette palette de couleurs n'a pas été choisie par hasard, car la couleur rouge de la robe symbolise la joie des premières années de la vie, le blanc - la pureté et la chasteté.

A. Dante note combien ces rencontres momentanées étaient douces, qui tremblaient son âme au bout d'un moment :

Elle garde l'Amour dans ses yeux ;

Bienheureux tout ce qu’elle regarde ;

Pendant qu'elle marche, tout le monde se précipite vers elle ;

S'il vous salue, son cœur tremblera.

Toute la douceur et toute l'humilité des pensées

Celui qui entend sa parole le saura.

Bienheureux celui qui est destiné à la rencontrer.

Dante a écrit " Nouvelle vie"soit en 1292, soit au début de 1293. L'époque recherchait intensément de nouvelles voies vie publique, poésie, art, philosophie. En parlant de la « Nouvelle Vie », Dante pensait à son amour, mais il interprétait aussi cet amour comme une immense force objective qui renouvelle le monde et toute l’humanité.

Bien sûr, beaucoup ont étudié la structure compositionnelle de cette œuvre ; après avoir étudié ces matériaux, je suis arrivé à la conclusion que tous les poèmes ont été rassemblés autour de la deuxième canzone, qui est le centre de composition :

La jeune Donna, dans un éclair de compassion,

Au rayonnement de toutes les vertus terrestres,

Je m'asseyais là où j'appelais la Mort tout le temps ;

Et regardant dans des yeux pleins de tourments,

Et en écoutant les sons de mes paroles violentes,

Consternée, elle se mit à sangloter passionnément.

D'autres donnas, s'empressant de participer

Pour pleurer dans sa chambre où je suis couché,

Ayant vu combien j'ai souffert, -

Après l'avoir renvoyée, ils s'inclinèrent sévèrement devant moi.

Une publicité : « Regardez un peu »

Et elle : « Ne pleure pas en vain. »

Quand mon délire a-t-il commencé à se dissiper,

J'ai appelé Madonna par son nom.

De plus, le poète concentre son attention sur la symbolique mystique du chiffre 9, qui caractérise événements importants dans la vie d'un écrivain.

Écrivain et critique célèbre Alekseev M.P. estime que « le nombre 3 est la racine du nombre 9, de sorte que sans l'aide d'un autre nombre il produit 9 ; car il est évident que 3 x 3 fait neuf. Ainsi, si 3 est capable de faire 9 et que le créateur de miracles en lui-même est la Trinité, c'est-à-dire le Père, le Fils et le Saint-Esprit - trois en un, alors il faut conclure que cette dame (Béatrice) était accompagnée de le chiffre 9, pour que chacun comprenne qu'elle-même a 9, c'est-à-dire un miracle, et que la racine de ce miracle est la seule Trinité miraculeuse. À mon avis, cette symbolique du chiffre 9 s’explique facilement en prêtant attention à l’époque à laquelle appartenait Dante. Comme vous le savez, ce symbolisme faisait partie intégrante des œuvres du Moyen Âge.

Il est à noter que la fin de "New Life" contient une allusion à " Comédie divine", qui semble au poète une entreprise entreprise pour glorifier Béatrice. L'image de sa bien-aimée continue d'inspirer le poète tout au long de sa vie, soutenant en lui une grande idée.

Comme l'écrivait O. Mandelstam : « … pour Dante, un seul événement spirituel suffisait pour toute sa vie. »

Conception de la leçon.

Le sujet de la leçon est écrit au tableau et des portraits de Dante, Michel-Ange, Pétrarque, Ronsard, Shakespeare sont placés, les mots « sonnet » et « sonate », la composition et les schémas de rimes du sonnet classique et du sonnet de Shakespeare sont écrits.

Des documents ont été préparés pour chaque élève : le sonnet inachevé n° 65 de Shakespeare et le 13e sonnet de Pétrarque.

Pendant les cours

Un fragment de la sonate « Pathétique » sonne

Beethoven

– Pourquoi pensez-vous qu’une leçon dédiée au sonnet est l’une des formes poétiques– avons-nous commencé avec une sonate de Beethoven ? Y a-t-il quelque chose de commun entre une sonate et un sonnet ?

– Oui, vous avez tout à fait raison, les mots « sonnet » et « sonate » ont la même racine et viennent du mot latin « SONARE », qui en traduction signifie « sonner », « sonner ». En poésie, cet unique Une forme poétique de 14 vers est apparue en Sicile au XIIIe siècle. En tant que forme canonique, le sonnet atteint sa perfection à la Renaissance dans les œuvres de Dante et surtout de Pétrarque. Michel-Ange a également écrit de merveilleux sonnets. D'Italie, le sonnet est arrivé en France, où il s'est imposé comme la forme classique du vers dans la poésie de Ronsard au XIIe siècle. Presque au même moment, Shakespeare écrivait des sonnets en Angleterre.

Nous allons maintenant entendre plusieurs sonnets des poètes que nous avons nommés. Commençons par un sonnet de Dante Alighieri, considéré comme le dernier poète du Moyen Âge et le premier poète de la Renaissance. Il a dédié la plupart de ses sonnets à Béatrice Portinari, dont l'amour a commencé avec Dante quand il avait neuf ans et a duré toute sa vie. C'était l'amour venu de loin. Profondément cachée, elle ne se nourrissait que de rares rencontres fortuites, d'un regard fugitif de son bien-aimé, de sa révérence superficielle. Et après la mort de Béatrice (elle meurt très jeune en 1290), l'amour devient une tragédie. AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

(L'élève lit le 15ème sonnet de Dante)

Francesco Pétrarque crée une image tout aussi belle de sa bien-aimée Laura dans ses sonnets. Pétrarque, vingt-trois ans, rencontra Laura, vingt ans, au printemps 1327. Elle était mariée à un autre homme. Vingt et un ans après cette rencontre, le poète chante Laura dans ses sonnets et canzones. Il a divisé les poèmes dans lesquels le poète chantait sa passion pour Laura en 2 cycles : le premier cycle « Sur la vie de Madonna Laura », le second « Sur la mort de Madonna Laura ». Pour Pétrarque, toute la beauté, toute la perfection, toute la sagesse du monde se fondaient dans l’image de cette femme. Elle est à la fois la femme que le poète aime de manière désintéressée, le symbole de la gloire dont il rêve et la plus haute expression de la poésie qu'il sert. Dans les poèmes de Pétrarque, naît une compréhension de l'amour de la Renaissance - une force puissante capable de révéler toutes les richesses de l'individu, remplissant toute sa vie, apportant joie et tourment. C'est l'amour de la nouvelle ère. Sensuel et spirituel, redoutable et miséricordieux, éclairant et apportant souffrance, différent pour chacun, chaque fois unique, individuel, mais toujours triomphant.

(L'élève lit le 13ème sonnet de Pétrarque, puis les élèves reçoivent son texte)

Béni soit l'année, le jour et l'heure,

Et cette heure, cette heure et ce moment,

Et cette belle terre et ce village,

Où ai-je été emmené, plein de deux yeux doux ;

Béni soit l'excitation secrète,

Quand la voix de l'amour m'a rattrapé,

Et cette flèche qui m'a planté dans le cœur,

Et cette blessure a une langueur brûlante.

Appelant sans relâche le nom de Donna,

Et des soupirs, des chagrins et des désirs ;

Bénis soient tous mes écrits

À sa gloire, et à la pensée qu'inexorablement

Il me parle d'elle - d'elle seulement !

– Essayons, à partir du texte du sonnet de Pétrarque, de déterminer les caractéristiques de la composition et de la rime du sonnet italien classique.

Ainsi, le sonnet se compose de 14 vers, répartis en 2 quatrains (quatrains) et 2 tercets (terzettoes). Le vers est le plus souvent de onze syllabes (moins souvent de dix syllabes). Les quatrains sont construits sur deux quadruples de rimes, généralement disposés ainsi : abba/abba. Les tercettos sont le plus souvent construits sur trois paires de rimes avec le schéma suivant : vvg/dgd

De plus, si a est une rime féminine, alors b est masculin, c est masculin, d est féminin, d est masculin. Si a est masculin, alors vice versa.

Ainsi, une structure impeccable et réfléchie du sonnet est créée. Dans des quatrains, aux rimes amples, les mêmes rimes tantôt se rejoignent, tantôt divergent, donnant un jeu harmonieux d'« attentes ». Dans les terzets, le système change, ce qui crée de la diversité. L'unité de la rime dans les quatrains souligne l'unité du thème, qui doit être posé dans le premier quatrain, développé dans le second, de sorte que dans le premier terzetto soit donnée une « contradiction », et dans la seconde « résolution », une synthèse de pensée ou d'image, couronnée d'une formule finale, le dernier vers, le « cadenas » du sonnet.

Shakespeare a légèrement modifié le sonnet classique. En conservant la composition interne du sonnet en général, il a écrit des sonnets de trois quatrains et les a terminés par un distique contenant l'idée principale. Leur schéma de rimes est également différent. Après avoir écrit 154 sonnets, Shakespeare semble entrer en compétition avec les grands maîtres du lyrisme. Il ne cherche pas tant à les égaler qu'à s'en distinguer par la nouveauté et l'originalité des situations et des images. Écrits sur une période de plusieurs années, apparemment entre vingt-huit et trente-quatre, les Sonnets sont hétérogènes. Beaucoup d'entre eux, en particulier les premiers, dédiés à un ami, portent le cachet d'une idéalisation évidente, tandis que les derniers étonnent par la même puissance de vérité psychologique qui caractérise les meilleurs drames de Shakespeare. Mais malgré toutes les différences internes entre les différents groupes de sonnets, ils sont unis par un principe poétique commun. Ayant acquis une maîtrise complète de la forme de ces petits poèmes lyriques, Shakespeare y introduit avec audace des images et des comparaisons tirées de toutes les sphères de la vie, y compris la vie quotidienne prosaïque. Shakespeare a intensifié le drame de la poésie sonnet et, plus que ses prédécesseurs, a rapproché les paroles des sentiments réels des gens.

(Les élèves préparés lisent plusieurs sonnets de Shakespeare : 90, 91, 130.)

– Eh bien, maintenant que nous connaissons les principes de base de la construction d’un sonnet, testons notre possibilités créatives– nous ajouterons le sonnet inachevé de Shakespeare, créerons un « château » du sonnet, les deux dernières lignes qui devraient contenir idée principale poèmes.

(Les gars reçoivent des feuilles de papier avec le sonnet inachevé de Shakespeare (n° 65) et ils travaillent à le terminer)

Eh bien, si le cuivre, le granit, la terre et la mer

Ils ne résisteront pas quand leur heure viendra,

Comment peut-il survivre, en discutant avec la mort,

Votre beauté est-elle une fleur impuissante ?

Quand le siège est lourd

L'inébranlable écrase les rochers

Et détruit les statues et les colonnes en bronze ?

Oh, pensée amère ! Où, quoi

Trouver un refuge pour la beauté ?

Comme arrêter un pendule avec la main,

Économiser de la couleur de temps en temps ?

Conclusion

Dans notre travail, nous avons examiné le thème « Étudier les paroles à l’école à l’aide d’exemples de sonnets de Shakespeare ».

L'analyse d'un texte lyrique à l'école est un problème complexe, puisque l'étude des paroles, un type de littérature en plus haut degré conventionnel, subtil, n’est malheureusement souvent que superficiel.

Dans le pire des cas, dans un cours de littérature, ils racontent un poème lyrique, dans le meilleur des cas, ils analysent la composition et les moyens visuels et expressifs du langage du texte lyrique, souvent sans y penser. objectif fonctionnel. Mais un écolier n’atteindra les profondeurs de la perception des paroles que lorsqu’il en comprendra la spécificité générique.

L'originalité artistique des sonnets dans les œuvres de Dante. Dante Alighieri Dante la chantait dans ses sonnets

Si noble, si modeste
Madonna, rendant l'arc,
Que près d'elle la langue se tait, confuse,
Et l'oeil n'ose pas s'élever vers elle... 45

Elle apporte un tel délice aux yeux,
Que lorsque tu la rencontres, tu trouves de la joie,
Ce que les ignorants ne comprendront pas.

Style ni trop bas, ni trop luxuriant :
Horace l'a écrit, et Virgile l'a écrit 55.

Tu es si dure, mon amour ! Avec une statue
Vous êtes pareil dans votre posture glaciale...

Nos jeunes filles ne le connaissaient pas encore,
Comment Delvig a oublié pour lui
Chants sacrés hexamétriques.

Et aujourd'hui il captive le poète :
Wordsworth l'a choisi comme instrument,
Quand on est loin du monde vain
Il peint un idéal de la nature.

Tu es le roi : vis seul. Sur le chemin de la liberté
Allez là où votre esprit libre vous mène,
Améliorer les fruits de vos pensées préférées...

L’exemple le plus pur de pure beauté.

Celui qui a une voix n’a pas le droit de se taire ;
Écoute mon sonnet.

Seulement des imbéciles moyennement riches
Ils brûlent les temples où priaient leurs pères.

Alors seulement nous lui rendrons hommage,
Quand on apprécie la brillance de nos cheveux gris.

Khayyam chantait de manière tentante sur le vin,
Mais il est peu probable qu’il ait lui-même trop bu.

Mais maintenant j'ai ruiné le brouillon -
C’est reparti, je n’ai pas souffert, je n’ai pas compris.

...tu es le chanteur de la terre et tu es ici éternel, comme une croix,
Comme un temple, comme tout ce qui est saint et cher.

S'échapper de la pensée dans le délire est un abîme dans les ténèbres.
Mon pays! Es-tu fou?

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Elle apporte un tel délice aux yeux, Que lorsque tu la rencontres, tu trouves de la joie, Ce que les ignorants ne comprendront pas.

Style ni trop bas, ni trop luxuriant : Horace l'a écrit, et Virgile l'a écrit 55.

Tu es si dure, mon amour ! Avec une statue Vous êtes pareil dans votre posture glaciale...

Nos jeunes filles ne le connaissaient pas encore, Comment Delvig a oublié pour lui Chants sacrés hexamétriques.

Et aujourd'hui il captive le poète : Wordsworth l'a choisi comme instrument, Quand on est loin du monde vain Il peint un idéal de la nature.

Tu es le roi : vis seul. Sur le chemin de la liberté Allez là où votre esprit libre vous mène, Améliorer les fruits de vos pensées préférées...

L’exemple le plus pur de pure beauté.

Celui qui a une voix n’a pas le droit de se taire ; Écoute mon sonnet.

Seulement des imbéciles moyennement riches Ils brûlent les temples où priaient leurs pères.

Alors seulement nous lui rendrons hommage, Quand on apprécie la brillance de nos cheveux gris.

Khayyam chantait de manière tentante sur le vin, Mais il est peu probable qu’il ait lui-même trop bu.

Mais maintenant j'ai ruiné le brouillon - C’est reparti, je n’ai pas souffert, je n’ai pas compris.

...tu es le chanteur de la terre et tu es ici éternel, comme une croix, Comme un temple, comme tout ce qui est saint et cher.

S'échapper de la pensée dans le délire est un abîme dans les ténèbres. Mon pays! Es-tu fou?

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Que près d'elle la langue se tait, confuse,
Et l'oeil n'ose pas s'élever vers elle... 45

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Que lorsque tu la rencontres, tu trouves de la joie,
Ce que les ignorants ne comprendront pas.

Style ni trop bas, ni trop luxuriant :
Horace l'a écrit, et Virgile l'a écrit 55.

Tu es si dure, mon amour ! Avec une statue
Vous êtes pareil dans votre posture glaciale...

Nos jeunes filles ne le connaissaient pas encore,
Comment Delvig a oublié pour lui
Chants sacrés hexamétriques.

Et aujourd'hui il captive le poète :
Wordsworth l'a choisi comme instrument,
Quand on est loin du monde vain
Il peint un idéal de la nature.

Tu es le roi : vis seul. Sur le chemin de la liberté
Allez là où votre esprit libre vous mène,
Améliorer les fruits de vos pensées préférées...

Celui qui a une voix n’a pas le droit de se taire ;
Écoute mon sonnet.

Seulement des imbéciles moyennement riches
Ils brûlent les temples où priaient leurs pères.

Alors seulement nous lui rendrons hommage,
Quand on apprécie la brillance de nos cheveux gris.

Khayyam chantait de manière tentante sur le vin,
Mais il est peu probable qu’il ait lui-même trop bu.

Mais maintenant j'ai ruiné le brouillon -
C’est reparti, je n’ai pas souffert, je n’ai pas compris.

...tu es le chanteur de la terre et tu es ici éternel, comme une croix,
Comme un temple, comme tout ce qui est saint et cher.

S'échapper de la pensée dans le délire est un abîme dans les ténèbres.
Mon pays! Es-tu fou?